Vasili Kandinsky

Vasili Kandinsky
Kandinsky por Adolf Elnain, c.  1925
Nacido	Vasili Vasilievich Kandinsky 16 de diciembre [ OS 4 de diciembre] 1866 Moscú, Imperio ruso
Fallecido	13 de diciembre de 1944 (13 de diciembre de 1944)(77 años) Neuilly-sur-Seine , Francia
Nacionalidad	Ruso, más tarde francés
Educación	Academia de Bellas Artes de Múnich
Conocido por	Cuadro
Trabajo notable	Sobre blanco II , Der Blaue Reiter
Movimiento	Expresionismo ; arte abstracto
Esposas	Anja Chimiakina ​ ​ ( nació en  1892; se divorció en  1911 ) Nina Nikolaevna Andreevskaya ​ ​ ( nacido en  1917 )
Pareja	Gabriele Münter (1902-1916)
Firma

Vasili Vasilievich Kandinski ⁽ 16 de diciembre de 1866 - 13 de diciembre de 1944) fue un pintor y teórico del arte ruso. A Kandinsky se le considera uno de los pioneros de la abstracción en el arte occidental . Nació en Moscú y pasó su infancia en Odesa , donde se graduó en la Escuela de Arte de Odesa . Se matriculó en la Universidad de Moscú , donde estudió Derecho y Economía. Al tener éxito en su profesión, le ofrecieron una cátedra (cátedra de Derecho Romano ) en la Universidad de Dorpat (hoy Tartu, Estonia). Kandinsky comenzó a estudiar pintura (dibujo del natural, bocetos y anatomía) a los 30 años.

En 1896, Kandinsky se estableció en Múnich, donde estudió primero en la escuela privada de Anton Ažbe y luego en la Academia de Bellas Artes . Regresó a Moscú en 1914 tras el estallido de la Primera Guerra Mundial. Tras la Revolución rusa , Kandinsky "se convirtió en un miembro de la administración cultural de Anatoly Lunacharsky " ^[1] y ayudó a establecer el Museo de la Cultura de la Pintura. ^[2] Sin embargo, para entonces, "su perspectiva espiritual... era ajena al materialismo argumentativo de la sociedad soviética" ^[3] y las oportunidades lo llamaron en Alemania, a donde regresó en 1920. Allí, enseñó en la escuela de arte y arquitectura Bauhaus desde 1922 hasta que los nazis la cerraron en 1933. Luego se mudó a Francia, donde vivió el resto de su vida, convirtiéndose en ciudadano francés en 1939 y produciendo algunas de sus obras más destacadas. Murió en Neuilly-sur-Seine en 1944.

Kandinsky nació en Moscú, hijo de Lidia Ticheeva y Vasily Silvestrovich Kandinsky, un comerciante de té. ^{[4] [5]} Una de sus bisabuelas fue la princesa Gantimurova . ^{[6] [ cita requerida ]} Kandinsky aprendió de una variedad de fuentes mientras estaba en Moscú. Estudió muchos campos mientras estaba en la escuela, incluyendo derecho y economía. Más adelante en la vida, recordaría estar fascinado y estimulado por el color cuando era niño. Su fascinación por el simbolismo y la psicología del color continuó a medida que crecía.

En 1889, a los 23 años, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a la región de Vologda, al norte de Moscú. En Miradas al pasado , relata que las casas y las iglesias estaban decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellas, sentía que se estaba moviendo dentro de un cuadro. Esta experiencia, así como su estudio del arte popular de la región (en particular el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejaron en gran parte de su obra temprana.

Unos años más tarde, comparó por primera vez la pintura con la composición musical, en el estilo por el que se haría famoso, escribiendo: "El color es el teclado, los ojos son la armonía, el alma es el piano de muchas cuerdas. El artista es la mano que toca, tocando una tecla u otra, para provocar vibraciones en el alma". ^[7]

Kandinsky también era tío del filósofo ruso-francés Alexandre Kojève (1902-1968).

La creación de obras abstractas de Kandinsky siguió un largo período de desarrollo y maduración de un pensamiento intenso basado en sus experiencias artísticas. A esta devoción por la belleza interior , el fervor del espíritu y el deseo espiritual, la llamó "necesidad interior"; ^[8] era un aspecto central de su arte. Algunos historiadores del arte sugieren que la pasión de Kandinsky por el arte abstracto comenzó cuando un día, al volver a casa, encontró una de sus propias pinturas colgada boca abajo en su estudio y la miró fijamente durante un rato antes de darse cuenta de que era su propia obra, ^[9] lo que le sugirió el poder potencial de la abstracción.

En 1896, a la edad de 30 años, Kandinsky abandonó una prometedora carrera como profesor de derecho y economía para inscribirse en la Academia de Múnich , donde entre sus profesores se incluiría Franz von Stuck . ^[10] No fue admitido de inmediato y comenzó a aprender arte por su cuenta. Ese mismo año, antes de dejar Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet . Le cautivó especialmente el estilo impresionista de Almiares ; para él, esta obra tenía un poderoso sentido del color casi independiente de los objetos en sí. Más tarde, escribiría sobre esta experiencia:

En el catálogo me informaban de que se trataba de un pajar, pero yo no lo reconocía. Esta falta de reconocimiento me resultaba dolorosa. Pensaba que el pintor no tenía derecho a pintar de forma indistinta. Sentía confusamente que faltaba el objeto del cuadro. Y advertí con sorpresa y confusión que el cuadro no sólo me había cautivado, sino que se había grabado indeleblemente en mi memoria. La pintura adquirió una fuerza y ​​un esplendor de cuento de hadas. ^[11]

—Vasili  Kandinsky

Kandinsky también recibió una influencia similar durante este período de Lohengrin de Richard Wagner , que, según él, empujaba los límites de la música y la melodía más allá del lirismo estándar. ^[12] También recibió una influencia espiritual de Madame Blavatsky (1831-1891), la exponente más conocida de la teosofía . La teoría teosófica postula que la creación es una progresión geométrica, que comienza con un solo punto. El aspecto creativo de la forma se expresa mediante una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados. El libro de Kandinsky De lo espiritual en el arte (1910) y Punto y línea al plano (1926) se hicieron eco de este principio teosófico. Las ilustraciones de John Varley en Formas del pensamiento (1901) lo influyeron visualmente. ^[13]

En el verano de 1902, Kandinsky invitó a Gabriele Münter a unirse a él en sus clases de pintura de verano al sur de Múnich, en los Alpes. Ella aceptó la oferta y su relación se volvió más personal que profesional. La escuela de arte, generalmente considerada difícil, fue fácil para Kandinsky. Fue durante esta época cuando comenzó a surgir como teórico del arte, además de pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo XX; queda mucho de los paisajes y ciudades que pintó, utilizando amplias franjas de color y formas reconocibles. Sin embargo, en su mayor parte, las pinturas de Kandinsky no presentan ninguna figura humana; una excepción es Domingo, antigua Rusia (1904), en la que Kandinsky recrea una vista muy colorida (y fantasiosa) de campesinos y nobles frente a las murallas de una ciudad. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, sosteniendo a una mujer mientras pasan por una ciudad rusa con murallas luminosas a través de un río azul. El caballo está en silencio, mientras que las hojas de los árboles, la ciudad y los reflejos del río brillan con manchas de color y brillo. Esta obra demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que la profundidad de campo se reduce a una superficie plana y luminiscente. El fauvismo también es evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la experiencia de Kandinsky con el tema, no para describir la naturaleza objetiva.

Tal vez la más importante de sus pinturas de la primera década del siglo XX fue El jinete azul (1903), que muestra una pequeña figura encapuchada sobre un caballo veloz que corre a través de un prado rocoso. La capa del jinete es de un azul medio, que proyecta una sombra azul más oscura. En primer plano hay sombras azules más amorfas, las contrapartes de los árboles otoñales del fondo. El jinete azul en la pintura es prominente (pero no claramente definido), y el caballo tiene un andar antinatural (que Kandinsky debe haber conocido) ^{[ cita requerida ]} . Esta disyunción intencional, que permite a los espectadores participar en la creación de la obra de arte, se convirtió en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años posteriores; culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. En El jinete azul , Kandinsky muestra al jinete más como una serie de colores que en detalle específico. Este cuadro no es excepcional en ese sentido si lo comparamos con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección que Kandinsky tomaría sólo unos años más tarde.

De 1906 a 1908, Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (fue socio del grupo simbolista La rosa azul de Moscú) hasta que se estableció en la pequeña ciudad bávara de Murnau . En 1908, compró una copia de Formas de pensamiento de Annie Besant y Charles Webster Leadbeater . En 1909, se unió a la Sociedad Teosófica . La montaña azul (1908-1909) fue pintada en esta época, lo que demuestra su tendencia hacia la abstracción. Una montaña azul está flanqueada por dos árboles anchos, uno amarillo y otro rojo. Una procesión, con tres jinetes y varios más, cruza en la parte inferior. Los rostros, la ropa y las sillas de los jinetes son cada uno de un solo color, y ni ellos ni las figuras que caminan muestran ningún detalle real. Los planos y los contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El uso amplio del color en La montaña azul ilustra la inclinación de Kandinsky hacia un arte en el que el color se presenta independientemente de la forma y en el que a cada color se le da la misma atención. La composición es más plana; la pintura está dividida en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el árbol amarillo y la montaña azul con los tres jinetes.

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  Akhtyrka , 1901, Lenbachhaus , Kunstarealm, Múnich
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  Domingo (ruso antiguo) , 1904, Museo Boijmans Van Beuningen , Rotterdam
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  Canción ( Canción ), 1906
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  Pareja a caballo , 1906-07, Lenbachhaus , Múnich
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  Montaña Azul , 1908-09, Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York
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  Casas en Múnich , 1908, Museo Von der Heydt , Wuppertal
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  Murnau, tren y castillo , 1909, Lenbachhaus , Múnich

Los cuadros de Kandinsky de este período son grandes masas de color expresivas que se evalúan independientemente de las formas y líneas; éstas ya no sirven para delimitarlas, sino que se superponen libremente para formar cuadros de una fuerza extraordinaria. La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto, ya que es abstracta por naturaleza; no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa los sentimientos internos del alma de una manera inmediata. Kandinsky a veces usaba términos musicales para identificar sus obras; llamaba a sus cuadros más espontáneos "improvisaciones" y describía las obras más elaboradas como "composiciones".

Además de pintar, Kandinsky fue un teórico del arte; su influencia en la historia del arte occidental se debe quizás más a sus trabajos teóricos que a sus pinturas. Ayudó a fundar la Neue Künstlervereinigung München (Asociación de Nuevos Artistas de Múnich), convirtiéndose en su presidente en 1909. Sin embargo, el grupo no pudo integrar el enfoque radical de Kandinsky (y otros) con los conceptos artísticos convencionales y el grupo se disolvió a fines de 1911. Kandinsky entonces formó un nuevo grupo, El jinete azul ( Der Blaue Reiter ) con artistas de ideas afines como August Macke , Franz Marc , Albert Bloch y Gabriele Münter . El grupo publicó un almanaque ( El almanaque del jinete azul ) y realizó dos exhibiciones. Se planearon más de cada uno, pero el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 terminó con estos planes y envió a Kandinsky de regreso a Rusia vía Suiza y Suecia.

Sus escritos en The Blue Rider Almanac y el tratado "Sobre lo espiritual en el arte" (publicado en 1910) eran a la vez una defensa y promoción del arte abstracto y una afirmación de que todas las formas de arte eran igualmente capaces de alcanzar un nivel de espiritualidad. Creía que el color podía utilizarse en una pintura como algo autónomo, al margen de la descripción visual de un objeto u otra forma.

Estas ideas tuvieron un impacto internacional casi inmediato, particularmente en el mundo angloparlante. ^[14] Ya en 1912, Michael Sadleir reseñó On the Spiritual in Art en el Art News de Londres . ^[15] El interés por Kandinsky creció rápidamente cuando Sadleir publicó una traducción al inglés de On the Spiritual in Art en 1914. Extractos del libro se publicaron ese año en el periódico Blast de Percy Wyndham Lewis y en el periódico cultural semanal The New Age de Alfred Orage . Sin embargo, Kandinsky había recibido cierta atención antes en Gran Bretaña; en 1910, participó en la Exposición de Artistas Aliados (organizada por Frank Rutter ) en el Royal Albert Hall de Londres . Esto dio como resultado que su trabajo fuera elogiado en una reseña de esa muestra por el artista Spencer Frederick Gore en The Art News . ^[16]

El interés de Sadleir por Kandinsky también llevó a que las primeras obras de este artista entraran en una colección de arte británica; el padre de Sadleir, Michael Sadler , adquirió varias xilografías y la pintura abstracta Fragmento para composición VII en 1913, tras una visita de padre e hijo para conocer a Kandinsky en Múnich ese año. Estas obras se exhibieron en Leeds , ya sea en la universidad o en las instalaciones del Leeds Arts Club , entre 1913 y 1923. ^[17]

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  Sin título Primera acuarela abstracta , 1910-1913, Centro Pompidou , París ^[18]
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  La vaca , 1910, Lenbachhaus , Múnich
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  Estudio para improvisación V , 1910
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  Lírica , 1911
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  Paisaje con dos álamos , 1912
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  Mit Dem Schwarzen Bogen , 1912, Centro Pompidou , París ^[19]
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  Paisaje con manchas rojas, nº 2 , 1913
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  Estudio de color: cuadrados con círculos concéntricos , 1913
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  Composición 6 , 1913
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  Cuadro con mancha roja , 1914

El sol derrite todo Moscú en un único punto que, como una tuba enloquecida, hace vibrar todo el corazón y toda el alma. Pero no, esta uniformidad de rojo no es la hora más hermosa. Es sólo el acorde final de una sinfonía que lleva todos los colores al cenit de la vida, que, como el fortissimo de una gran orquesta, Moscú obliga y permite a la vez que suene.

—  Vasili Kandinsky ^[20]

De 1918 a 1921, Kandinsky se involucró en la política cultural de Rusia y colaboró ​​en la educación artística y la reforma de los museos. Pintó poco durante este período, pero dedicó su tiempo a la enseñanza artística con un programa basado en el análisis de la forma y el color; también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística en Moscú (del que fue su primer director). Su visión espiritual y expresionista del arte fue finalmente rechazada por los miembros radicales del instituto por ser demasiado individualista y burguesa. En 1921, Kandinsky fue invitado a ir a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius .

En mayo de 1922 asistió al Congreso Internacional de Artistas Progresistas y firmó la «Proclamación Fundacional de la Unión de Artistas Progresistas Internacionales». ^[21]

Kandinsky impartió clases de diseño básico para principiantes y un curso de teoría avanzada en la Bauhaus ; también impartió clases de pintura y un taller en el que amplió su teoría del color con nuevos elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular sobre puntos y líneas, condujo a la publicación de su segundo libro teórico ( Punto y línea al plano ) en 1926. Sus exámenes de los efectos de las fuerzas sobre las líneas rectas, que dieron lugar a los tonos contrastantes de las líneas curvas y angulares, coincidieron con la investigación de los psicólogos de la Gestalt, cuyo trabajo también se discutió en la Bauhaus. ^[22] Los elementos geométricos adquirieron una importancia cada vez mayor tanto en su enseñanza como en su pintura, en particular el círculo, el semicírculo, el ángulo, las líneas rectas y las curvas. Este período fue intensamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de planos ricos en colores y gradaciones, como en Amarillo-rojo-azul (1925), donde Kandinsky ilustra su distanciamiento de los movimientos constructivistas y suprematistas influyentes en ese momento.

La obra de dos metros de ancho Yellow – red – blue (Amarillo – rojo – azul, 1925) está compuesta por varias formas principales: un rectángulo amarillo vertical, una cruz roja inclinada y un gran círculo azul oscuro; una multitud de líneas negras rectas (o sinuosas), arcos circulares, círculos monocromáticos y tableros de ajedrez de colores dispersos contribuyen a su delicada complejidad. Esta simple identificación visual de las formas y las principales masas de color presentes en el lienzo es solo una primera aproximación a la realidad interna de la obra, cuya apreciación requiere una observación más profunda, no solo de las formas y los colores involucrados en la pintura, sino también de su relación, sus posiciones absolutas y relativas en el lienzo y su armonía.

Kandinsky fue uno de los Die Blaue Vier ( Los Cuatro Azules ), un grupo formado en 1923 con Paul Klee , Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky por iniciativa de Galka Scheyer , quien promovió su obra en los Estados Unidos a partir de 1924. Debido a la hostilidad de la derecha, la Bauhaus abandonó Weimar para trasladarse a Dessau en 1925. Tras una campaña de desprestigio nazi, la Bauhaus abandonó Dessau en 1932 para trasladarse a Berlín , donde permaneció hasta su disolución en julio de 1933. Kandinsky abandonó entonces Alemania y se instaló en París.

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  Pequeños mundos I , 1922, Galería Nacional de Dinamarca , Copenhague ^[23]
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  Sobre blanco II , 1923, Centro Pompidou , París
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  Círculos en un círculo , 1923, Museo de Arte de Filadelfia , Filadelfia
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  Varios círculos , 1926, Solomon R. Guggenheim Museum , Nueva York
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  Suave y duro , 1927

Kandinsky vivía en un apartamento de París y creaba sus obras en el estudio de su sala de estar. En sus cuadros aparecen formas biomórficas con contornos flexibles y no geométricos, formas que sugieren organismos microscópicos pero que expresan la vida interior del artista. Kandinsky utilizó composiciones de color originales que evocaban el arte popular eslavo. También mezcló ocasionalmente arena con pintura para dar una textura granulada y rústica a sus cuadros.

Este período corresponde a una síntesis de la obra anterior de Kandinsky en la que utiliza todos los elementos, enriqueciéndolos. En 1936 y 1939, pintó sus dos últimas grandes composiciones, el tipo de lienzos elaborados que no había producido durante muchos años. La Composición IX tiene diagonales muy contrastadas y poderosas cuya forma central da la impresión de un embrión en el útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de colores se destacan contra el fondo negro de la Composición X como fragmentos de estrellas (o filamentos ), mientras que enigmáticos jeroglíficos con tonos pastel cubren una gran masa granate que parece flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de Kandinsky, algunas características son obvias, mientras que ciertos toques son más discretos y velados; se revelan solo progresivamente a quienes profundizan su conexión con su obra. ^[24] Pretendía que sus formas (que armonizaba y colocaba sutilmente) resonaran con el alma del observador.

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  Marrón con suplemento , 1935, Museo Boijmans Van Beuningen , Róterdam
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  Composición IX , 1936, Musée national d'art moderne , París
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  Composición X , 1939, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf
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  Varias acciones , 1941, Solomon R. Guggenheim Museum , Nueva York
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  Círculo y cuadrado , 1943, Musée national d'art moderne , París

Al escribir que "la música es el maestro supremo", ^[25] Kandinsky se embarcó en las primeras siete de sus diez Composiciones . Las tres primeras sobreviven solo en fotografías en blanco y negro tomadas por su colega y amiga Gabriele Münter . Composición I (1910) fue destruida por un ataque aéreo británico en la ciudad de Braunschweig en la Baja Sajonia en la noche del 14 de octubre de 1944. ^[26]

Aunque existen estudios, bocetos e improvisaciones (en particular de la Composición II ), una incursión nazi en la Bauhaus en la década de 1930 dio como resultado la confiscación de las tres primeras Composiciones de Kandinsky . Se exhibieron en la exposición Arte degenerado patrocinada por el estado y luego fueron destruidas (junto con obras de Paul Klee , Franz Marc y otros artistas modernos). ^{[ cita requerida ]}

Fascinado por la escatología cristiana y la percepción de una Nueva Era venidera, ^[27] un tema común entre las primeras siete Composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo conocemos). Escribiendo sobre el "artista como profeta" en su libro, De lo espiritual en el arte , Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que mostraban un cataclismo venidero que alteraría la realidad individual y social. Teniendo una creencia devota en el cristianismo ortodoxo , ^[28] Kandinsky se basó en las historias bíblicas del Arca de Noé , Jonás y la ballena, la resurrección de Cristo , los cuatro jinetes del Apocalipsis en el libro del Apocalipsis , los cuentos populares rusos y las experiencias mitológicas comunes de muerte y renacimiento. Nunca intentó representar ninguna de estas historias como una narrativa, usó sus imágenes veladas como símbolos de los arquetipos de muerte-renacimiento y destrucción-creación que sentía que eran inminentes en el mundo anterior a la Primera Guerra Mundial .

Como afirma en De lo espiritual en el arte (véase más abajo), Kandinsky creía que un artista auténtico que crea arte a partir de una "necesidad interna" habita en la cúspide de una pirámide que se mueve hacia arriba. Esta pirámide en progreso penetra y avanza hacia el futuro. Lo que ayer era extraño o inconcebible, hoy es algo común; lo que hoy es vanguardista (y sólo lo entienden unos pocos) mañana es algo de conocimiento común. El artista-profeta moderno se encuentra solo en la cúspide de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y marcando el comienzo de la realidad del mañana. Kandinsky era consciente de los recientes avances científicos y de los avances de los artistas modernos que habían contribuido a crear formas radicalmente nuevas de ver y experimentar el mundo.

La Composición IV y las pinturas posteriores se centran principalmente en evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista. Como en su pintura del apocalipsis junto al agua ( Composición VI ), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos traduciéndolos a términos contemporáneos (con una sensación de desesperación, frenesí, urgencia y confusión). Esta comunión espiritual entre espectador-pintura-artista/profeta puede describirse dentro de los límites de las palabras y las imágenes.

Como indican los ensayos del Almanaque Der Blaue Reiter y las teorías con el compositor Arnold Schoenberg , Kandinsky también expresó la comunión entre el artista y el espectador como algo disponible tanto para los sentidos como para la mente ( sinestesia ). Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del do central en una trompeta metálica; el negro es el color del cierre y el final de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871, el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo. ^{[29] [30]}

Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando (por ejemplo) que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. ^{[ verificación fallida ]} Estas teorías se explican en Punto y línea al plano .

El legendario diseño escénico de Kandinsky para la representación de Cuadros de una exposición de Músorgski ilustra su concepto sinestésico de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. ^[31] En 1928, la producción escénica se estrenó en un teatro de Dessau. En 2015, los diseños originales de los elementos escénicos fueron animados con tecnología de video moderna y sincronizados con la música según las notas preparatorias de Kandinsky y el guión del director Felix Klee.

En otro episodio con Münter durante los años del expresionismo abstracto bávaro , Kandinsky estaba trabajando en la Composición VI . Tras casi seis meses de estudio y preparación, había pretendido que la obra evocara un diluvio, un bautismo, una destrucción y un renacimiento simultáneamente. Después de delinear la obra en un panel de madera del tamaño de un mural, se quedó bloqueado y no pudo continuar. Münter le dijo que estaba atrapado en su intelecto y que no alcanzaba el verdadero tema del cuadro. Le sugirió que simplemente repitiera la palabra Überflut ("diluvio") y se concentrara en su sonido en lugar de en su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la obra monumental en un lapso de tres días. ^{[32] [ cita requerida ]}

El arte de Wassily Kandinsky tiene una confluencia de música ^[33] y espiritualidad. Con su aprecio por la música de su época y su disposición kinestésica, ^[34] las obras de arte de Kandinsky tienen un marcado estilo expresionista en sus primeros años. Pero abrazó todo tipo de estilos artísticos de su época y sus predecesores, es decir, Art Nouveau (formas orgánicas sinuosas), Fauvismo y Blaue Reiter (colores impactantes), Surrealismo (misterio) y Bauhaus ( constructivismo ) solo para avanzar hacia el abstraccionismo mientras exploraba la espiritualidad en el arte. Sus pinturas sin objetos ^[35] muestran una abstracción espiritual sugerida por sonidos y emociones a través de una unidad de sensación. ^[36] Impulsadas por la fe cristiana y la necesidad interna ^[37] de un artista, sus pinturas tienen la ambigüedad de la forma representada en una variedad de colores, así como la resistencia contra los valores estéticos convencionales del mundo del arte.

Su firma o estilo individual se puede definir aún más y dividir en tres categorías a lo largo de su carrera artística: Impresiones (elemento representativo), Improvisaciones (reacción emocional espontánea) y Composiciones (obras de arte definitivas). ^{[ cita requerida ]}

A medida que Kandinsky comenzó a alejarse de su inspiración temprana del impresionismo, sus pinturas se volvieron más vibrantes, pictográficas y expresivas, con formas más nítidas y cualidades lineales claras.

Pero con el tiempo, Kandinsky fue más allá, rechazando la representación pictórica con huracanes más sinestésicos de colores y formas, eliminando las referencias tradicionales a la profundidad y presentando glifos desnudos y abstractos; sin embargo, lo que permaneció constante fue su búsqueda espiritual de formas expresivas. ^{[ cita requerida ]}

La armonía emocional es otra característica destacada en las obras posteriores de Kandinsky. ^[38] Con diversas dimensiones y tonos brillantes equilibrados mediante una cuidadosa yuxtaposición de proporciones y colores, confirmó la universalidad de las formas en sus obras de arte, allanando así el camino para una mayor abstracción.

Kandinsky a menudo utilizó el negro en sus pinturas para aumentar el impacto de las formas de colores brillantes, mientras que sus formas eran a menudo enfoques biomórficos para aportar surrealismo a su arte. ^[39]

Los análisis de Kandinsky sobre las formas y los colores no son el resultado de asociaciones de ideas simples y arbitrarias, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas y sensorialmente ricas, trabajando con la forma y el color, observando incansablemente sus propias pinturas (junto con las de otros artistas) y notando sus efectos en su sentido del color. ^{[40] Esta experiencia subjetiva es algo que cualquiera puede hacer: no observaciones científicas u objetivas, sino internas y subjetivas, a las que el filósofo francés} Michel Henry se refiere como "subjetividad absoluta" o " vida fenomenológica absoluta ". ^[41]

El texto de Kandinsky Über das Geistige in der Kunst ( Sobre lo espiritual en el arte ), publicado en Múnich en 1911, define tres tipos de pintura: impresiones , improvisaciones y composiciones . Mientras que las impresiones se basan en una realidad externa que sirve como punto de partida, las improvisaciones y composiciones representan imágenes que surgen del inconsciente, aunque la composición se desarrolla desde un punto de vista más formal. ^[42]

Después de graduarse en 1892, Kandinsky se casó con su prima, Anja Chimiakina, y se convirtió en profesor de Jurisprudencia en la Universidad de Moscú . ^[43]

En el verano de 1902, Kandinsky invitó a Gabriele Münter a unirse a él en sus clases de pintura de verano al sur de Múnich, en los Alpes. Ella aceptó la oferta y su relación se volvió más personal que profesional. En 1911, el pintor expresionista alemán fue uno de los varios artistas que se unieron a Kandinsky en su grupo El jinete azul ( Der Blaue Reiter ), que terminó con el inicio de la Primera Guerra Mundial.

Kandinsky y Münter se comprometieron en el verano de 1903, mientras él todavía estaba casado con Anja, y viajaron extensamente por Europa, Rusia y el norte de África hasta 1908. Se separó de Anja en 1911. ^[43]

Entre 1906 y 1908, Kandinsky viajó por toda Europa. En 1909, Münter compró una casa de verano en la pequeña ciudad bávara de Murnau y la pareja recibió allí con alegría a sus colegas. La propiedad todavía se conoce como Russenhaus y más tarde utilizaría el sótano para ocultar muchas obras (de Kandinsky y otros) de los nazis . Al regresar a Múnich, Kandinsky fundó la Neue Kunstler Vereinigung (Asociación de Nuevos Artistas) en 1909. ^[43]

Regresó a Moscú en 1914 cuando estalló la Primera Guerra Mundial. La relación entre Kandinsky y Münter empeoró debido a las tensiones mutuas y las decepciones por la falta de compromiso de él con el matrimonio. ^[44] Su relación terminó formalmente en 1916 en Estocolmo.

En 1916 conoció a Nina Nikolaevna Andreevskaya (1899-1980), con quien se casó el 11 de febrero de 1917, cuando ella tenía 17 o 18 años y él 50. A finales de 1917 tuvieron un hijo, Wsevolod, o Lodya, como lo llamaban en la familia. Lodya murió en junio de 1920 y no tuvieron más hijos. ^{[43] [ verificación fallida ]}

Después de la Revolución rusa, tuvo oportunidades en Alemania, a donde regresó en 1920. Allí enseñó en la escuela de arte y arquitectura Bauhaus desde 1922 hasta que los nazis la cerraron en 1933.

Luego se mudó a Francia con su esposa, donde vivió el resto de su vida, convirtiéndose en ciudadano francés en 1939 y produciendo algunas de sus obras de arte más destacadas.

Murió en Neuilly-sur-Seine el 13 de diciembre de 1944.

En 2012, Christie's subastó Studie für Improvisation 8 (Estudio para improvisación 8) de Kandinsky , una vista de 1909 de un hombre empuñando una espada ancha en un pueblo con los colores del arco iris, por 23 millones de dólares. La pintura había estado en préstamo en el Kunstmuseum Winterthur en Suiza desde 1960 y fue vendida a un coleccionista europeo por la Fundación Volkart, el brazo caritativo de la firma suiza de comercio de materias primas Volkart Brothers. Antes de esta venta, el último récord del artista se estableció en 1990 cuando Sotheby's vendió su Fuga (1914) por 20,9 millones de dólares. ^[45] El 16 de noviembre de 2016, Christie's subastó Rigide et courbé ( Rígido y doblado ) de Kandinsky, una gran pintura abstracta de 1935, por 23,3 millones de dólares, un nuevo récord para Kandinsky. ^{[46] [47]} Solomon R. Guggenheim compró originalmente la pintura directamente al artista en 1936, pero no se exhibió después de 1949; luego fue vendida en subasta a un coleccionista privado en 1964 por el Museo Solomon R. Guggenheim . ^[47]

En julio de 2001, Jen Lissitzky, hijo del artista El Lissitzky , presentó una demanda de restitución contra la Fundación Beyeler en Basilea, Suiza, por la Improvisación n.° 10 de Kandinsky . ^[48] Se llegó a un acuerdo en 2002. ^[49]

En 2013, la familia Lewenstein presentó una demanda para la restitución de la Pintura con casas de Kandinsky que se encuentra en poder del Museo Stedelijk . ^{[50] [51]} En 2020, un comité creado por el ministro de cultura holandés encontró fallas en el comportamiento del Comité de Restitución, lo que provocó un escándalo en el que dos de sus miembros, incluido su presidente, dimitieron. Más tarde ese año, un tribunal de Ámsterdam dictaminó que el Museo Stedelijk podía conservar la pintura de la colección judía de Lewenstein a pesar del robo nazi. ^{[52] [53]} Sin embargo, en agosto de 2021, el Ayuntamiento de Ámsterdam decidió devolver la pintura a la familia Lewenstein. ^{[54] [55]}

En 2017, Robert Colin Lewenstein, Francesca Manuela Davis y Elsa Hannchen Guidotti presentaron una demanda contra el Bayerische Landesbank (BLB) para la restitución de Das Bunte Leben de Kandinsky . ^{[56] [57]}

Nota: Varias secciones de este artículo han sido traducidas de su versión en francés: Escritos teóricos sobre el arte , La Bauhaus y Los grandes períodos artísticos de síntesis. Para referencias completas y detalladas en francés, véase la versión original en fr:Vassily Kandinsky.

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• Kandinski. Obras de Vassily Kandinsky (1866-1944) (Centro Georges Pompidou) ISBN 2-85850-262-5 

• Remake en vídeo de la producción teatral de "Cuadros de una exposición" de Kandinsky en 1928 en Dessau, 2015.
• Documentos de Wassily Kandinsky, 1911-1940. Instituto de Investigación Getty, Los Ángeles, California.
• Discusión sobre amarillo, rojo y azul por Janina Ramirez y Marc Canham : Art Detective Podcast, 19 de abril de 2017
• El camino introspectivo de Kandinsky hacia la realidad abstracta
• «Sellos franceses de 2021 con obras de Kandinsky» . Consultado el 21 de agosto de 2023 .

Escrito por Kandinsky

• Obras de Wassily Kandinsky en el Proyecto Gutenberg
• Obras de o sobre Wassily Kandinsky en Internet Archive
• Obras de Wassily Kandinsky en LibriVox (audiolibros de dominio público)
• "Sobre lo espiritual en el arte". Guggenheim Internet Archives . Consultado el 25 de octubre de 2013 .

Videos externos
Kandinsky, Improvisación 28 (segunda versión), 1912, Smarthistory

Pinturas de Kandinsky

• Wassily Kandinsky en el Museo de Arte Moderno
• Artcyclopedia.com, Wassily Kandinsky en ArtCyclopedia
• Glyphs.com, composiciones de Kandinsky con comentarios
• Wassilykandinsky.net – 500 pinturas, más de 60 fotografías, biografía, citas, artículos