Arte posmoderno

El arte posmoderno es un conjunto de movimientos artísticos que buscaban contradecir algunos aspectos del modernismo o algunos aspectos que surgieron o se desarrollaron después de él. En general, movimientos como el arte intermedia , el arte de instalación , el arte conceptual y el multimedia , en particular los que involucran el video, se describen como posmodernos .

Hay varias características que hacen que el arte sea posmoderno; estas incluyen el bricolaje , el uso del texto de manera prominente como elemento artístico central, el collage , la simplificación , la apropiación , el arte de performance , el reciclaje de estilos y temas pasados ​​en un contexto moderno, así como la ruptura de la barrera entre las bellas artes y las altas artes y el arte popular y la cultura popular . ^{[1] [2]}

El término predominante para el arte producido desde la década de 1950 es " arte contemporáneo ". No todo el arte etiquetado como arte contemporáneo es posmoderno, y el término más amplio abarca tanto a los artistas que continúan trabajando en las tradiciones modernistas y tardomodernistas , como a los artistas que rechazan el posmodernismo por otras razones. Arthur Danto sostiene que "contemporáneo" es el término más amplio, y los objetos posmodernos representan un "subsector" del movimiento contemporáneo. ^[3] Algunos artistas posmodernos han hecho rupturas más distintivas con las ideas del arte moderno y no hay consenso en cuanto a qué es "tardomoderno" y qué es "posmoderno". Se han restablecido ideas rechazadas por la estética moderna. En la pintura, el posmodernismo reintrodujo la representación. ^[4] Algunos críticos sostienen que gran parte del arte "posmoderno" actual, el último vanguardismo, aún debería clasificarse como arte moderno. ^[5]

Además de describir ciertas tendencias del arte contemporáneo, el término posmoderno también se ha utilizado para designar una fase del arte moderno . Los defensores del modernismo, como Clement Greenberg , ^[6] así como los opositores radicales del modernismo, como Félix Guattari , que lo llama el "último suspiro" del modernismo, ^[7] han adoptado esta posición. El neoconservador Hilton Kramer describe el posmodernismo como "una creación del modernismo al final de su cuerda". ^[8] Jean-François Lyotard , en el análisis de Fredric Jameson , no sostiene que haya una etapa posmoderna radicalmente diferente del período del alto modernismo ; en cambio, el descontento posmoderno con este o aquel estilo del alto modernismo es parte de la experimentación del alto modernismo, dando origen a nuevos modernismos. ^[9] En el contexto de la estética y el arte , Jean-François Lyotard es un importante filósofo del posmodernismo.

Muchos críticos sostienen que el arte posmoderno surge del arte moderno. Las fechas sugeridas para el cambio de lo moderno a lo posmoderno incluyen 1914 en Europa, ^[10] y 1962 ^[11] o 1968 ^[12] en Estados Unidos. James Elkins , al comentar las discusiones sobre la fecha exacta de la transición del modernismo al posmodernismo, la compara con la discusión de la década de 1960 sobre el lapso exacto del manierismo y si debería comenzar directamente después del Alto Renacimiento o más tarde en el siglo. Señala que estos debates continúan todo el tiempo con respecto a los movimientos y períodos artísticos, lo que no quiere decir que no sean importantes. ^[13] El cierre del período del arte posmoderno se ha datado a fines de la década de 1980, cuando la palabra posmodernismo perdió gran parte de su resonancia crítica y las prácticas artísticas comenzaron a abordar el impacto de la globalización y los nuevos medios . ^[14]

Jean Baudrillard ha tenido una influencia significativa en el arte de inspiración posmoderna y enfatizó las posibilidades de nuevas formas de creatividad. ^[15] El artista Peter Halley describe sus colores diurnos como "hiperrealización del color real", y reconoce a Baudrillard como una influencia. ^[16] El propio Baudrillard, desde 1984, fue bastante consistente en su opinión de que el arte contemporáneo, y el arte posmoderno en particular, era inferior al arte modernista del período posterior a la Segunda Guerra Mundial, ^[16] mientras que Jean-François Lyotard elogió la pintura contemporánea y destacó su evolución a partir del arte moderno. ^[17] Las principales artistas femeninas del siglo XX están asociadas con el arte posmoderno ya que gran parte de la articulación teórica de su trabajo surgió del psicoanálisis francés y la teoría feminista que está fuertemente relacionada con la filosofía posmoderna. ^{[18] [19]}

El filósofo marxista estadounidense Fredric Jameson sostiene que las condiciones de vida y de producción se reflejarán en toda actividad, incluida la creación de arte.

Como ocurre con todos los usos del término posmoderno, existen críticos de su aplicación. Kirk Varnedoe , por ejemplo, afirmó que no existe tal cosa como el posmodernismo y que las posibilidades del modernismo aún no se han agotado. ^[20] Aunque el uso del término como una especie de abreviatura para designar el trabajo de ciertas "escuelas" de posguerra que emplean material relativamente específico y técnicas genéricas se ha vuelto convencional desde principios y mediados de la década de 1980, los fundamentos teóricos del posmodernismo como una división epistémica o de época aún son muy controvertidos. ^[21]

El posmodernismo describe movimientos que surgen de, y reaccionan contra o rechazan las tendencias del modernismo . ^[22] Las citas generales para tendencias específicas del modernismo son pureza formal, especificidad del medio , arte por el arte , autenticidad , universalidad , originalidad y tendencia revolucionaria o reaccionaria, es decir, la vanguardia . Sin embargo, la paradoja es probablemente la idea modernista más importante contra la que reacciona el posmodernismo. La paradoja fue central para la empresa modernista, que Manet introdujo. Las diversas violaciones de Manet del arte representativo pusieron de relieve la supuesta exclusividad mutua de realidad y representación, diseño y representación, abstracción y realidad, etc. La incorporación de la paradoja fue muy estimulante para Manet y los conceptualistas.

El estatus de la vanguardia es controvertido: muchas instituciones sostienen que ser visionario, visionario, innovador y progresista es crucial para la misión del arte en el presente y, por lo tanto, el arte posmoderno contradice el valor del "arte de nuestro tiempo". El posmodernismo rechaza la noción de avance o progreso en el arte per se y, por lo tanto, pretende derribar el "mito de la vanguardia ". Rosalind Krauss fue una de las enunciadoras importantes de la visión de que el vanguardismo había terminado y que la nueva era artística era posliberal y posprogresista. ^[23] Griselda Pollock estudió y confrontó la vanguardia y el arte moderno en una serie de libros innovadores, revisando el arte moderno al mismo tiempo que redefinía el arte posmoderno. ^{[24] [25] [26]}

Una característica del arte posmoderno es su fusión de la alta y la baja cultura mediante el uso de materiales industriales e imágenes de la cultura pop. El uso de formas de arte de baja calidad también fue parte de la experimentación modernista, como se documenta en la muestra de Kirk Varnedoe y Adam Gopnik de 1990-91 High and Low: Popular Culture and Modern Art en el Museo de Arte Moderno de Nueva York , ^[27] una exposición que fue universalmente criticada en su momento como el único evento que podría unir a Douglas Crimp y Hilton Kramer en un coro de desprecio. ^[28] El arte posmoderno se destaca por la forma en que difumina las distinciones entre lo que se percibe como arte fino o elevado y lo que generalmente se ve como arte bajo o kitsch. ^[29] Si bien este concepto de "difuminar" o "fusionar" el arte elevado con el arte bajo se había experimentado durante el modernismo, solo se aprobó por completo después del advenimiento de la era posmoderna. ^[29] El posmodernismo introdujo elementos de comercialismo, kitsch y una estética general de campamento dentro de su contexto artístico; el posmodernismo toma estilos de períodos pasados, como el goticismo , el Renacimiento y el Barroco , ^[29] y los mezcla de modo de ignorar su uso original en su movimiento artístico correspondiente. Tales elementos son características comunes de lo que define al arte posmoderno. Art Spiegelman , al discutir su selección de un estilo específico para Maus , describió la capacidad de un posmodernista para desarrollar una amplia "paleta" de estilos variados de los que puede extraer a voluntad, donde sus predecesores se enfocarían en cambio en mejorar y mantener un solo estilo "marca registrada". ^[30]

Fredric Jameson sugiere que las obras posmodernas renuncian a cualquier pretensión de espontaneidad y franqueza en la expresión, y hacen uso en su lugar del pastiche y la discontinuidad. En contra de esta definición, Charles Harrison y Paul Wood, de Art and Language, sostuvieron que el pastiche y la discontinuidad son endémicos del arte modernista y que artistas modernos como Manet y Picasso los utilizan con eficacia . ^[31]

Una definición compacta es que el posmodernismo rechaza las grandes narrativas modernistas de la dirección artística, erradicando los límites entre las formas de arte elevadas y bajas, y alterando las convenciones del género con la colisión, el collage y la fragmentación. El arte posmoderno sostiene que todas las posturas son inestables e insinceras, y por lo tanto la ironía , la parodia y el humor son las únicas posiciones que la crítica o la revisión no pueden revocar. "El pluralismo y la diversidad" son otras características definitorias. ^[32]

Los movimientos y tendencias radicales considerados influyentes y potencialmente precursores del posmodernismo surgieron alrededor de la Primera Guerra Mundial y particularmente después de ella. Con la introducción del uso de artefactos industriales en el arte y técnicas como el collage , los movimientos de vanguardia como el cubismo , el dadaísmo y el surrealismo cuestionaron la naturaleza y el valor del arte. Las nuevas formas de arte, como el cine y el auge de la reproducción , influyeron en estos movimientos como medio para crear obras de arte. El punto de ignición para la definición del modernismo, el ensayo de Clement Greenberg , Avant-Garde and Kitsch , publicado por primera vez en Partisan Review en 1939, defiende la vanguardia frente a la cultura popular. ^[33] Más tarde, Peter Bürger haría una distinción entre la vanguardia histórica y el modernismo, y críticos como Krauss, Huyssen y Douglas Crimp, siguiendo a Bürger, identificaron la vanguardia histórica como precursora del posmodernismo. Krauss, por ejemplo, describe el uso del collage por parte de Pablo Picasso como una práctica de vanguardia que anticipa el arte posmoderno con su énfasis en el lenguaje a expensas de la autobiografía. ^[34] Otro punto de vista es que los artistas de vanguardia y modernistas utilizaron estrategias similares y el posmodernismo repudia ambos. ^[35]

A principios del siglo XX, Marcel Duchamp exhibió un urinario como escultura. Su objetivo era que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte solo porque él decía que era una obra de arte. ^{[36] [37] [38]} Se refirió a su trabajo como " Readymades ". ^[39] La Fuente era un urinario firmado con el seudónimo R. Mutt, que conmocionó al mundo del arte en 1917. ^[40] Esta y otras obras de Duchamp generalmente se etiquetan como dadaístas . Duchamp puede verse como un precursor del arte conceptual . Algunos críticos cuestionan llamar a Duchamp, cuya obsesión con la paradoja es bien conocida, posmodernista con el argumento de que evita cualquier medio específico, ya que la paradoja no es específica de un medio, aunque surgió por primera vez en las pinturas de Manet. ^[41]

El dadaísmo puede ser visto como parte de la propensión modernista a desafiar los estilos y formas establecidos, junto con el surrealismo , el futurismo y el expresionismo abstracto. ^[42] Desde un punto de vista cronológico, el dadaísmo se ubica sólidamente dentro del modernismo, sin embargo, varios críticos sostienen que anticipa el posmodernismo, mientras que otros, como Ihab Hassan y Steven Connor , lo consideran un posible punto de cambio entre el modernismo y el posmodernismo. ^[43] Por ejemplo, según McEvilly, el posmodernismo comienza con darse cuenta de que uno ya no cree en el mito del progreso, y Duchamp sintió esto en 1914 cuando cambió de una práctica modernista a una posmodernista, "abjurando del deleite estético, la ambición trascendente y las demostraciones de tour de force de agilidad formal en favor de la indiferencia estética, el reconocimiento del mundo ordinario y el objeto encontrado o readymade". ^[10]

En general, el arte pop y el minimalismo comenzaron como movimientos modernistas: un cambio de paradigma y una división filosófica entre el formalismo y el antiformalismo a principios de la década de 1970 hicieron que algunos consideraran esos movimientos como precursores o arte posmoderno de transición. Otros movimientos modernos citados como influyentes para el arte posmoderno son el arte conceptual y el uso de técnicas como el ensamblaje , el montaje , el bricolaje y la apropiación .

A finales de los años 1940 y principios de los 1950, el enfoque radical de Pollock para la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte en sí. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a finales del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la creación artística a mediados de siglo. El paso de Pollock de la pintura de caballete y el convencionalismo liberó a sus artistas contemporáneos y a los artistas que le siguieron. Se dieron cuenta de que el proceso de Pollock (trabajar en el suelo, sobre un lienzo crudo sin estirar, desde los cuatro lados, utilizando materiales de artista, materiales industriales, imágenes, no imágenes, arrojando madejas lineales de pintura, goteando, dibujando, tiñendo, aplicando con brocha) hizo estallar la creación artística más allá de los límites anteriores. El expresionismo abstracto amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles para la creación de nuevas obras de arte. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt y otros, abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de las obras de arte posteriores. ^[44]

En la pintura abstracta durante los años 1950 y 1960, aparecieron varias nuevas direcciones como la pintura de bordes duros y otras formas de abstracción geométrica como la obra de Frank Stella , como una reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto que comenzó a aparecer en los estudios de artistas y en los círculos de vanguardia radical . Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica; al comisariar una influyente exposición de nueva pintura que recorrió importantes museos de arte en todo Estados Unidos en 1964. La pintura de campos de color , la pintura de bordes duros y la abstracción lírica ^[45] surgieron como nuevas direcciones radicales.

A finales de la década de 1960, el posminimalismo , el arte procesual y el arte povera ^[46] también surgieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaron la pintura y la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento posminimalista , y en el arte conceptual temprano . ^[46] El arte procesual inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo y espacio plástico y real. Nancy Graves , Ronald Davis , Howard Hodgkin , Larry Poons , Jannis Kounellis , Brice Marden , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Alan Saret , Walter Darby Bannard , Lynda Benglis , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra , Sam Gilliam , Mario Merz , Peter Reginato y Lee Lozano fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que generó el apogeo del arte de fines de la década de 1960. ^[47]

A finales de los años 1950 y 1960, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a ampliar los límites del arte contemporáneo . Yves Klein en Francia y Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York fueron pioneros de las obras de arte basadas en la performance. Grupos como The Living Theater con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando entornos; cambiando radicalmente la relación entre el público y el artista, especialmente en su pieza Paradise Now . ^{[49] [50]} El Judson Dance Theater, ubicado en la Judson Memorial Church , Nueva York , y los bailarines de Judson, en particular Yvonne Rainer , Trisha Brown , Elaine Summers , Sally Gross , Simonne Forti, Deborah Hay , Lucinda Childs , Steve Paxton y otros, colaboraron con los artistas Robert Morris , Robert Whitman , John Cage , Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver . ^[51] Estas actuaciones a menudo se diseñaron para ser la creación de una nueva forma de arte, combinando escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Las filosofías reduccionistas del minimalismo , la improvisación espontánea y la expresividad del expresionismo abstracto caracterizaron las obras. ^[52]

Durante el mismo período (finales de la década de 1950 hasta mediados de la de 1960), varios artistas de vanguardia crearon Happenings . Los Happenings eran reuniones misteriosas y a menudo espontáneas e imprevisibles de artistas y sus amigos y familiares en diversos lugares específicos. A menudo incorporaban ejercicios de absurdo, ejercicio físico, disfraces, desnudez espontánea y varios actos aleatorios y aparentemente desconectados. Allan Kaprow , Joseph Beuys , Nam June Paik , Wolf Vostell , Claes Oldenburg , Jim Dine , Red Grooms y Robert Whitman , entre otros, fueron notables creadores de Happenings. ^[53]

En relación con el expresionismo abstracto, surgió la combinación de objetos manufacturados (con materiales de artistas), alejándose de las convenciones previas de la pintura y la escultura. La obra de Robert Rauschenberg , cuyos "combinados" en la década de 1950 fueron precursores del arte pop y el arte de instalación , y hacían uso del ensamblaje de objetos físicos de gran tamaño, incluidos animales disecados, pájaros y fotografías comerciales , ejemplificó esta tendencia artística. ^{[ cita requerida ]}

Leo Steinberg utiliza el término posmodernismo en 1969 para describir el plano pictórico "plano" de Rauschenberg, que contiene una gama de imágenes y artefactos culturales que no habían sido compatibles con el campo pictórico de la pintura premodernista y modernista. ^[54] Craig Owens va más allá, identificando el significado de la obra de Rauschenberg no como una representación de, en la visión de Steinberg, "el cambio de la naturaleza a la cultura", sino como una demostración de la imposibilidad de aceptar su oposición. ^[55]

Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Marcel Duchamp , entre el modernismo y el posmodernismo. Estos artistas utilizaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su obra, al tiempo que conservaban la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo. ^[56]

Anselm Kiefer también utiliza elementos de ensamblaje en sus obras y, en una ocasión, presentó la proa de un barco pesquero en una pintura.

Lawrence Alloway utilizó el término "arte pop" para describir las pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial . Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, a favor del arte que representaba, y a menudo celebraba, la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton , John McHale y Eduardo Paolozzi se consideraron ejemplos seminales en el movimiento. Mientras que los ejemplos estadounidenses posteriores incluyen la mayor parte de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de puntos Benday , una técnica utilizada en la reproducción comercial. Existe una clara conexión entre las obras radicales de Duchamp , el dadaísta rebelde  , con sentido del humor; y los artistas pop como Claes Oldenburg , Andy Warhol , Roy Lichtenstein y los demás.

Thomas McEvilly, coincidiendo con Dave Hickey , dice que el posmodernismo estadounidense en las artes visuales comenzó con las primeras exposiciones de arte pop en 1962, "aunque pasaron unos veinte años antes de que el posmodernismo se convirtiera en una actitud dominante en las artes visuales". ^[11] Fredric Jameson también considera que el arte pop es posmoderno. ^[57]

Una de las formas en que el arte pop es posmoderno es que rompe lo que Andreas Huyssen llama la “Gran División” entre el arte elevado y la cultura popular. ^[58] El posmodernismo surge de un “rechazo generacional de las certezas categóricas del alto modernismo”. ^[59]

Fluxus fue nombrado y organizado vagamente en 1962 por George Maciunas (1931-78), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus remonta sus inicios a las clases de Composición experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la New School for Social Research en la ciudad de Nueva York. Muchos de sus estudiantes eran artistas que trabajaban en otros medios con poco o ningún conocimiento de la música. Los estudiantes de Cage incluyeron a los miembros fundadores de Fluxus Jackson Mac Low , Al Hansen , George Brecht y Dick Higgins . En 1962 en Alemania Fluxus comenzó con: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik en Wiesbaden con, George Maciunas , Joseph Beuys , Wolf Vostell , Nam June Paik y otros. Y en 1963 con el Festum Fluxorum Fluxus en Düsseldorf con George Maciunas , Wolf Vostell , Joseph Beuys , Dick Higgins , Nam June Paik , Ben Patterson , Emmett Williams y otros. ^{[ cita requerida ]}

Fluxus promovía una estética del "hazlo tú mismo" y valoraba la simplicidad por encima de la complejidad. Al igual que el dadaísmo , Fluxus incluía una fuerte corriente de anticomercialismo y una sensibilidad antiarte , menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus preferían trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y creaban su propia obra o colaboraban en el proceso de creación con sus colegas.

Fluxus puede ser visto como parte de la primera fase del posmodernismo, junto con Rauschenberg, Johns, Warhol y la Internacional Situacionista . ^[60] Andreas Huyssen critica los intentos de reivindicar Fluxus para el posmodernismo como "el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico en última instancia irrepresentable, por así decirlo, lo sublime del posmodernismo". En cambio, ve a Fluxus como un fenómeno neodadaísta importante dentro de la tradición de vanguardia. No representó un gran avance en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra "la cultura administrada de los años 50, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió como apoyo ideológico a la Guerra Fría ". ^[61]

A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica a través de Malevich , la Bauhaus y Mondrian ) que rechazaba la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies del expresionismo abstracto y el espíritu de la época emocional y las polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción . El minimalismo argumentó que la simplicidad extrema podría capturar la representación sublime que requiere el arte. Asociado con pintores como Frank Stella , el minimalismo en la pintura, a diferencia de otras áreas, es un movimiento modernista y, según el contexto, puede interpretarse como un precursor del movimiento posmoderno.

Hal Foster , en su ensayo The Crux of Minimalism , examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas del minimalismo. ^[62] Sostiene que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan elaborándose hoy en día". ^[63]

Robert Pincus-Witten acuñó el término posminimalismo en 1977 para describir el arte derivado del minimalismo que tenía matices contextuales y de contenido que el minimalismo rechazaba. Su uso del término abarcó el período 1966-1976 y se aplicó al trabajo de Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra y al nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt y Barry Le Va, entre otros. ^[46] El arte procesual y el arte antiforma son otros términos que describen este trabajo, que está determinado por el espacio que ocupa y el proceso por el cual se realiza. ^[64]

Rosalind Krauss sostiene que en 1968 artistas como Morris, LeWitt, Smithson y Serra habían "entrado en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas". ^[12] La expansión de la categoría de escultura para incluir el land art y la arquitectura "provocó el cambio hacia el posmodernismo". ^[65]

Minimalistas como Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken y otros continuaron produciendo sus pinturas y esculturas modernistas tardías durante el resto de sus carreras.

El arte conceptual se califica a veces de posmoderno porque se dedica expresamente a la deconstrucción de lo que hace que una obra de arte sea "arte". El arte conceptual, dado que a menudo está diseñado para confrontar, ofender o atacar las nociones que sostienen muchas de las personas que lo contemplan, es visto con especial controversia.

Entre los precursores del arte conceptual se encuentran las obras de Duchamp, 4' 33" de John Cage , en la que se dice que la música son "los sonidos del entorno que los oyentes escuchan mientras se interpreta", y Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg . Muchas obras conceptuales adoptan la postura de que el arte se crea cuando el espectador ve un objeto o acto como arte, no a partir de las cualidades intrínsecas de la obra en sí. Por lo tanto, debido a que Fountain se exhibió, era una escultura.

Algunas corrientes de la pintura figurativa de posguerra han sido analizadas como posmodernas. El pintor italiano Carlo Maria Mariani fue descrito como posmodernista por los críticos estadounidenses. Según Charles Jencks , el retrato grupal de Mariani La constelación de Leo (1980-1981), que retrata a personas del mundo artístico de Italia con referencias a la mitología y la historia del arte, llegó a definir un tropo del arte posmoderno: "un comentario irónico sobre un comentario sobre un comentario que señala la distancia; un nuevo mito tres veces alejado de su ritual original". ^[66]

Una serie importante de movimientos artísticos que se han descrito constantemente como posmodernos involucraron el arte de instalación y la creación de artefactos de naturaleza conceptual. Un ejemplo son los carteles de Jenny Holzer que utilizan los recursos del arte para transmitir mensajes específicos, como "Protégeme de lo que quiero". El arte de instalación ha sido importante para determinar los espacios seleccionados para los museos de arte contemporáneo con el fin de poder albergar las grandes obras que se componen de grandes collages de objetos fabricados y encontrados. Estas instalaciones y collages a menudo están electrificados, con partes móviles y luces.

A menudo están diseñados para crear efectos ambientales, como la Cortina de Hierro de Christo y Jeanne-Claude , Muro de 240 barriles de petróleo, Bloqueo de la calle Visconti, París, junio de 1962 , que fue una respuesta poética al Muro de Berlín construido en 1961.

El lowbrow es un movimiento artístico populista muy extendido que tiene sus orígenes en el mundo del cómic underground, la música punk, la cultura callejera de los coches deportivos y otras subculturas de California. También se lo conoce con el nombre de surrealismo pop. El arte lowbrow pone de relieve un tema central del posmodernismo: ya no se reconoce la distinción entre arte "culto" y "popular".

El arte digital es un término general que designa una variedad de obras y prácticas artísticas que utilizan la tecnología digital como parte esencial del proceso creativo y/o de presentación. El impacto de la tecnología digital ha transformado actividades como la pintura , el dibujo , la escultura y la música/ arte sonoro , mientras que nuevas formas, como el net art , el arte de instalación digital y la realidad virtual , se han convertido en prácticas artísticas reconocidas.

Entre los principales teóricos e historiadores del arte en este campo se incluyen Christiane Paul , Frank Popper , Christine Buci-Glucksmann , Dominique Moulon , Robert C. Morgan , Roy Ascott , Catherine Perret , Margot Lovejoy , Edmond Couchot , Fred Forest y Edward A. Shanken .

Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia , un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte en la línea de Fluxus , poesía concreta , objetos encontrados , arte de performance y arte informático . Higgins fue el editor de Something Else Press , un poeta concreto , casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp . Ihab Hassan incluye, "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos", en su lista de características del arte posmoderno. ^[67] Una de las formas más comunes de "arte multimedia" es el uso de cintas de vídeo y monitores CRT, denominado videoarte . Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un solo arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el arte de performance , donde se elimina el subtexto dramático y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en cuestión o la declaración conceptual de su acción. La concepción de Intermedia de Higgin está conectada con el crecimiento de la práctica digital multimedia , como la realidad virtual inmersiva , el arte digital y el arte informático .

El arte telemático es una descripción de proyectos artísticos que utilizan redes de telecomunicaciones mediadas por ordenador como medio. El arte telemático desafía la relación tradicional entre sujetos que observan activamente y objetos artísticos pasivos al crear contextos interactivos y conductuales para encuentros estéticos remotos. Roy Ascott ve la forma de arte telemático como la transformación del espectador en un participante activo de la creación de la obra de arte que permanece en proceso durante toda su duración. Ascott ha estado a la vanguardia de la teoría y la práctica del arte telemático desde 1978, cuando se conectó a Internet por primera vez, organizando diferentes proyectos colaborativos en línea.

En su ensayo de 1980 The Allegorical Impulse: Toward a Theory of Postmodernism, Craig Owens identifica el resurgimiento de un impulso alegórico como característico del arte posmoderno. Este impulso se puede ver en el arte de apropiación de artistas como Sherrie Levine y Robert Longo porque, "La imaginería alegórica es imaginería apropiada". ^[68] El arte de apropiación desacredita las nociones modernistas de genio y originalidad artística y es más ambivalente y contradictorio que el arte moderno, al instalar y subvertir ideologías al mismo tiempo, "siendo a la vez crítico y cómplice". ^[69]

El retorno a las formas tradicionales de arte de la escultura y la pintura a finales de los años 1970 y principios de los años 1980, que se vio en la obra de artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel , ha sido descrito como una tendencia posmoderna ^[70] y uno de los primeros movimientos coherentes que surgieron en la era posmoderna ^[71] . Sin embargo, sus fuertes vínculos con el mercado comercial del arte han planteado preguntas, tanto sobre su condición de movimiento posmoderno como sobre la definición del posmodernismo en sí. Hal Foster afirma que el neoexpresionismo fue cómplice de la política cultural conservadora de la era Reagan-Bush en los EE. UU. ^[63] Félix Guattari hace caso omiso de las "grandes operaciones promocionales denominadas 'neoexpresionismo' en Alemania" (un ejemplo de una "moda que se mantiene por medio de la publicidad") como una forma demasiado fácil para él "de demostrar que el posmodernismo no es más que el último suspiro del modernismo". ^[7] Estas críticas al neoexpresionismo revelan que el dinero y las relaciones públicas realmente sostuvieron la credibilidad del mundo del arte contemporáneo en Estados Unidos durante el mismo período en que los artistas conceptuales y las prácticas de mujeres artistas , incluidas pintoras y teóricas feministas como Griselda Pollock , ^{[72] [73]} estaban reevaluando sistemáticamente el arte moderno. ^{[74] [75] [76]} Brian Massumi afirma que Deleuze y Guattari abren el horizonte de nuevas definiciones de Belleza en el arte posmoderno. ^[77] Para Jean-François Lyotard, fue la pintura de los artistas Valerio Adami , Daniel Buren , Marcel Duchamp , Bracha Ettinger y Barnett Newman la que, después de la época de la vanguardia y la pintura de Paul Cézanne y Wassily Kandinsky , fue el vehículo para nuevas ideas de lo sublime en el arte contemporáneo. ^{[78] [79]}

En las obras de Andrea Fraser , Michael Asher , Marcel Broodthaers , Daniel Buren y Hans Haacke se hacen críticas sobre las instituciones de arte (principalmente museos y galerías) .

• El triunfo del modernismo : el mundo del arte, 1985-2005, Hilton Kramer , 2006, ISBN  978-0-15-666370-0
• Imágenes de la nada: arte abstracto desde Pollock (Conferencias de Bellas Artes de la AW Mellon), Kirk Varnedoe , 2003
• El arte de la era posmoderna : desde finales de los años 1960 hasta principios de los años 1990, Irving Sandler
• Posmodernismo (Movimientos en el arte moderno) Eleanor Heartney
• La escultura en la era de la duda Thomas McEvilley 1999

• Medios relacionados con el arte posmoderno en Wikimedia Commons