Arte ambiental

El arte ambiental es una gama de prácticas artísticas que abarcan tanto enfoques históricos de la naturaleza en el arte como tipos de obras ecológicas y políticamente motivadas más recientes. ^{[1] [2]} El arte ambiental ha evolucionado desde las preocupaciones formales, por ejemplo, las monumentales obras de tierra que utilizan la tierra como material escultórico , hacia una relación más profunda con los sistemas, procesos y fenómenos en relación con las preocupaciones sociales. ^[3] Los enfoques sociales y ecológicos integrados desarrollados como una postura ética y restauradora surgieron en la década de 1990. ^[4] En los últimos diez años, el arte ambiental se ha convertido en un punto focal de exposiciones en todo el mundo a medida que los aspectos sociales y culturales del cambio climático pasan a primer plano.

El término "arte ambiental" a menudo engloba preocupaciones "ecológicas", pero no es específico de ellas. ^[5] Principalmente celebra la conexión de un artista con la naturaleza utilizando materiales naturales. ^{[1] [2]} El concepto se entiende mejor en relación con el arte histórico de la tierra/Land art y el campo en evolución del arte ecológico . El campo es interdisciplinario en el hecho de que los artistas ambientales adoptan ideas de la ciencia y la filosofía. La práctica abarca medios tradicionales, nuevos medios y formas sociales críticas de producción. El trabajo abarca una gama completa de condiciones ambientales/paisajísticas desde lo rural hasta lo suburbano y urbano, así como lo urbano/rural industrial.

Se puede argumentar que el arte ambiental comenzó con las pinturas rupestres del Paleolítico de nuestros antepasados. Si bien no se han encontrado paisajes (aún), las pinturas rupestres representaban otros aspectos de la naturaleza importantes para los primeros humanos, como animales y figuras humanas. "Son observaciones prehistóricas de la naturaleza. De una manera u otra, la naturaleza durante siglos fue el tema preferencial del arte creativo". ^[6] Los ejemplos más modernos de arte ambiental provienen de la pintura y representación de paisajes. Cuando los artistas pintaban en el lugar, desarrollaban una conexión profunda con el entorno circundante y su clima y trasladaban estas observaciones cercanas a sus lienzos. Las pinturas del cielo de John Constable "representan de manera más cercana el cielo en la naturaleza". ^[7] La ​​Serie Londres de Monet también ejemplifica la conexión del artista con el medio ambiente. "Para mí, un paisaje no existe por derecho propio, ya que su apariencia cambia a cada momento; pero la atmósfera circundante le da vida, el aire y la luz, que varían continuamente para mí, es solo la atmósfera circundante la que da a los temas su verdadero valor". ^[8]

Pintores contemporáneos, como Diane Burko , representan fenómenos naturales y sus cambios a lo largo del tiempo para transmitir cuestiones ecológicas y llamar la atención sobre el cambio climático. ^{[9] [10] Los paisajes de} Alexis Rockman representan una visión sardónica del cambio climático y las intervenciones de la humanidad con otras especies a través de la ingeniería genética. ^[11]

El crecimiento del arte ambiental como "movimiento" comenzó a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. En sus primeras fases, se asoció principalmente con la escultura (especialmente el arte de sitio específico , el Land Art y el Arte povera ), habiendo surgido de la creciente crítica a las formas y prácticas escultóricas tradicionales que cada vez se consideraban más anticuadas y potencialmente fuera de armonía con el medio ambiente natural.

En octubre de 1968, Robert Smithson organizó una exposición en la galería Dwan de Nueva York titulada “Earthworks”. Las obras de la muestra planteaban un desafío explícito a las nociones convencionales de exposición y venta, ya que eran demasiado grandes o demasiado difíciles de manejar para ser coleccionadas; la mayoría estaban representadas solo por fotografías, lo que enfatizaba aún más su resistencia a la adquisición. ^[12] Para estos artistas, escapar de los confines de la galería y la teoría modernista se logró abandonando las ciudades y adentrándose en el desierto.

“No representaban el paisaje, sino que se involucraban con él; su arte no era simplemente del paisaje, sino que también estaba en él”. ^[13] Este cambio a finales de los años 1960 y 1970 representa una noción vanguardista de la escultura, el paisaje y nuestra relación con él. La obra desafió los medios convencionales para crear esculturas, pero también desafió los modos más elitistas de difusión y exhibición del arte, como la muestra de la Galería Dwan mencionada anteriormente. Este cambio abrió un nuevo espacio y, al hacerlo, amplió las formas en que se documentaba y conceptualizaba la obra. ^[14]

Así como las obras de arte en los desiertos del oeste surgieron de las nociones de pintura de paisajes, el crecimiento del arte público estimuló a los artistas a involucrarse en el paisaje urbano como otro entorno y también como una plataforma para transmitir ideas y conceptos sobre el medio ambiente a un público más amplio. Si bien este trabajo anterior se creó principalmente en los desiertos del oeste americano, a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, las obras se trasladaron al paisaje público. Artistas como Robert Morris comenzaron a involucrar a los departamentos del condado y a las comisiones de arte público para crear obras en espacios públicos como una gravera abandonada. ^[15] Herbert Bayer utilizó un enfoque similar y fue seleccionado para crear su Mill Creek Canyon Earthworks en 1982. El proyecto cumplía funciones como control de la erosión, un lugar que sirviera como reservorio durante los períodos de fuertes lluvias y un parque de 2,5 acres durante las estaciones secas. ^{[16] El innovador libro de} Lucy Lippard , sobre el paralelismo entre el arte terrestre contemporáneo y los sitios prehistóricos, examinó las formas en que estas culturas, formas e imágenes prehistóricas se han "superpuesto" al trabajo de artistas contemporáneos que trabajan con la tierra y los sistemas naturales. ^[14]

En 1965, Alan Sonfist introdujo una idea ambientalista clave: la de devolver la naturaleza al entorno urbano con su primera escultura histórica Time Landscape , propuesta para la ciudad de Nueva York en 1965 y presentada al público en 1978 en un estado maduro y desarrollado. Time Landscape sigue siendo visible hasta el día de hoy en la esquina de Houston y LaGuardia en el Greenwich Village de la ciudad de Nueva York. La obra dio como resultado un "bosque de lento desarrollo que representa el paisaje de Manhattan habitado por los nativos americanos y que encontraron los colonos holandeses a principios del siglo XVII". ^[17]

El arte ambiental también abarca el ámbito del paisaje urbano. La artista ambiental pionera Mary Miss comenzó a crear arte en el entorno urbano con su instalación de 1969, Ropes/Shore, y continúa desarrollando proyectos que involucran a comunidades extendidas a través de City as a Living Laboratory. ^[18] Agnes Denes creó una obra en el centro de Manhattan Wheatfield - A Confrontation (1982) en la que plantó un campo de trigo en el sitio de dos acres de un vertedero cubierto de escombros y detritos urbanos. El sitio es ahora Battery Park City y el World Financial Center, una transformación del poder ecológico al poder económico. ^{[ cita requerida ]}

En 1974, Bonnie Sherk creó The Farm en San Francisco, un jardín urbano de 7 acres en espacios subutilizados debajo de los pasos elevados de las autopistas. Hasta 1980, la granja también sirvió como centro comunitario y espacio de arte que ofrecía pasantías, educación infantil sobre ecoarte para niños y sirvió como parque público durante sus seis años de existencia. ^[19]

La instalación Particle Falls de Andrea Polli hizo visibles las partículas en suspensión en el aire de manera que los transeúntes pudieran verlas. ^[20] Para HighWaterLine, Eve Mosher y otros caminaron por vecindarios en ciudades en riesgo como la ciudad de Nueva York y Miami , marcando el daño proyectado por inundaciones que podría ocurrir como resultado del cambio climático y hablando con los residentes sobre lo que estaban haciendo. ^{[21] [22]}

A partir de la década de 2010, el "jardinero guerrillero" Ron Finley comenzó a plantar jardines comestibles en el barrio urbano del centro sur de Los Ángeles a lo largo de estrechas franjas de tierra entre la acera y la acera. Su motivación era abordar los efectos del apartheid alimentario en ciertos barrios, incluido el suyo, y fomentar hábitos alimentarios saludables, especialmente entre los niños. ^{[23] [24]}

En el uso general, el término "Eco-arte" o "Arte ambiental" se refiere vagamente a una gama de prácticas y obras artísticas "que exploran y responden a cuestiones relacionadas con el medio ambiente, el cambio climático y la sostenibilidad ecológica". ^[26] Sin embargo, en contextos más técnicos y académicos, el arte ecológico , también conocido como ecoarte, tiende a referirse con mayor precisión a una práctica o disciplina artística que propone paradigmas sostenibles con las formas de vida y los recursos de nuestro planeta. ^[27] Está compuesto por artistas, científicos, filósofos y activistas que se dedican a las prácticas del arte ecológico. ^[28] Los precedentes históricos incluyen Earthworks, Land Art y pintura/fotografía de paisajes. El ecoarte se distingue por un enfoque en los sistemas e interrelaciones dentro de nuestro entorno: lo ecológico, geográfico, político, biológico y cultural. ^[29] El ecoarte crea conciencia, estimula el diálogo, cambia el comportamiento humano hacia otras especies y fomenta el respeto a largo plazo por los sistemas naturales con los que coexistimos. Se manifiesta como arte restaurador o intervencionista socialmente comprometido, activista y basado en la comunidad. La artista ecologista Aviva Rahmani cree que "el arte ecológico es una práctica artística, a menudo en colaboración con científicos, urbanistas, arquitectos y otros, que tiene como resultado una intervención directa en la degradación ambiental . A menudo, el artista es el agente principal de esa práctica". ^[30]

Existen numerosos enfoques para el ecoarte, que incluyen, entre otros: obras de arte representativas que abordan el medio ambiente a través de imágenes y objetos; proyectos de remediación que restauran entornos contaminados; ^[31] proyectos activistas que involucran a otros y activan cambios de comportamiento y/o políticas públicas; ^[32] esculturas sociales basadas en el tiempo que involucran a las comunidades en el monitoreo de sus paisajes y toman un papel participativo en prácticas sustentables; proyectos ecopoéticos que inician una nueva visión y un nuevo encantamiento con el mundo natural, inspirando la curación y la coexistencia con otras especies; obras de arte de encuentro directo que involucran fenómenos naturales como el agua, el clima, la luz del sol o las plantas; ^[33] obras de arte pedagógicas que comparten información sobre la injusticia ambiental y los problemas ecológicos como la contaminación del agua y el suelo y los riesgos para la salud; estéticas relacionales que involucran existencias sustentables, fuera de la red y de permacultura . ^{[ cita requerida ]}

Existe un debate entre los ecoartistas sobre si el arte ecológico debería considerarse una disciplina discreta dentro de las artes, distinta del arte ambiental. Una definición actual de arte ecológico, redactada colectivamente por EcoArtNetwork, es: "El arte ecológico es una práctica artística que adopta una ética de justicia social tanto en su contenido como en su forma/materiales. El ecoarte se crea para inspirar el cuidado y el respeto, estimular el diálogo y alentar el florecimiento a largo plazo de los entornos sociales y naturales en los que vivimos. Comúnmente se manifiesta como arte restaurador o intervencionista basado en la comunidad, activista y socialmente comprometido". ^[34] La comunidad global ArtTech NatureCulture, que reúne a más de 400 profesionales creativos dedicados a formas de arte ecológico en distintas disciplinas, afirma: "En tiempos precarios, ¿cómo podemos construir nuevas formas de avanzar que desafíen y transformen las muchas desigualdades del status quo? Nuestras formas de abordar esto son tan diversas como nuestros antecedentes, pero nos une un interés compartido en utilizar prácticas creativas en distintas disciplinas (desde las artes, el diseño, la cultura y la piratería hasta la ciencia, la tecnología y el activismo) para explorar futuros alternativos que reconsideren, reconstruyan y sanen". ^[35] El cofundador Kit Braybrooke ha descrito la razón de ser de ArtTech NatureCulture como "solos, enfrentamos el dolor y la inestabilidad climática, pero juntos, reconstruimos". ^[36]

Los artistas que trabajan en este campo generalmente se adhieren a uno o más de los siguientes principios: centrarse en la red de interrelaciones de nuestro entorno (los aspectos físicos, biológicos, culturales, políticos e históricos de los sistemas ecológicos); crear obras que empleen materiales naturales o interactúen con fuerzas ambientales como el viento, el agua o la luz solar; recuperar, restaurar y remediar entornos dañados; informar al público sobre la dinámica ecológica y los problemas ambientales que enfrentamos; revisar las relaciones ecológicas, proponiendo creativamente nuevas posibilidades de coexistencia, sostenibilidad y curación. ^[37]

Las contribuciones de las mujeres en el área del ecoarte son significativas. Muchas están catalogadas en WEAD, el directorio de artistas ambientales femeninos fundado en 1995 por Jo Hanson, Susan Leibovitz Steinman y Estelle Akamine. ^[38] El trabajo de las escritoras ecofeministas inspiró a los primeros profesionales masculinos y femeninos a abordar sus preocupaciones sobre una relación más horizontal con las cuestiones ambientales en sus propias prácticas. La escritora de arte feminista Lucy Lippard , escribiendo para el Weather Report Show que curó en 2007 en el Museo de Arte Contemporáneo de Boulder, que incluía a muchos artistas ambientales, ecológicos y ecofeministas , comentó sobre cómo muchos de esos artistas eran mujeres. ^[39]

En el arte ambiental, se puede hacer una distinción crucial entre los artistas ambientalistas que no consideran el posible daño al medio ambiente que sus obras de arte pueden ocasionar y aquellos cuya intención es no causar daño a la naturaleza. Por ejemplo, a pesar de sus méritos estéticos, la célebre escultura Spiral Jetty (1969) del artista estadounidense Robert Smithson infligió daños permanentes al paisaje en el que trabajaba, utilizando una excavadora para raspar y cortar la tierra, con la espiral misma impactando sobre el lago. De manera similar, se levantaron críticas contra el escultor europeo Christo cuando envolvió temporalmente la línea costera en Little Bay, al sur de Sydney, Australia, en 1969. Los comentarios de los conservacionistas atrajeron la atención internacional en los círculos ambientalistas y llevaron a los artistas contemporáneos de la región a repensar las inclinaciones del land art y el arte específico del sitio. ^{[ cita requerida ]}

El arte sustentable se produce teniendo en cuenta el impacto más amplio de la obra y su recepción en relación con sus entornos (social, económico, biofísico, histórico y cultural). Algunos artistas optan por minimizar su impacto potencial, mientras que otras obras implican restaurar el paisaje inmediato a un estado natural. ^[2]

El escultor británico Richard Long lleva varias décadas realizando esculturas temporales al aire libre reorganizando materiales naturales que encuentra en el lugar, como rocas, barro y ramas, que por lo tanto no tendrán un efecto perjudicial duradero. ^{[ cita requerida ]} Chris Drury instituyó una obra titulada " Medicine Wheel " que fue el fruto y resultado de una caminata meditativa diaria, una vez al día, durante un año calendario. El resultado de esta obra fue un mandala de objetos encontrados en mosaico: el arte de la naturaleza como arte de proceso . ^{[ cita requerida ]}

Los principales artistas medioambientales, como el artista y poeta británico Hamish Fulton , el escultor holandés Herman de Vries , el escultor australiano John Davis y el escultor británico Andy Goldsworthy, también dejan intacto el paisaje con el que han trabajado; en algunos casos, han revegetado terrenos dañados con flora autóctona adecuada en el proceso de realización de sus obras. De esta manera, la obra de arte surge de una sensibilidad hacia el hábitat. ^{[ cita requerida ]}

Tal vez el ejemplo más célebre de arte medioambiental de finales del siglo XX fue 7000 Oaks , una acción ecológica llevada a cabo en la Documenta en 1982 por Joseph Beuys , en la que el artista y sus asistentes destacaron la condición del medio ambiente local plantando 7000 robles en toda la ciudad de Kassel y sus alrededores . ^{[ cita requerida ]}

Cada vez se habla más del papel potencial del arte y el ecoarte en la generación de una transformación socioambiental, así como de los obstáculos sistémicos que se oponen a esa transformación. ^[40] Al considerar cómo se podría inspirar a la sociedad, a través de sus obras de arte, para que responda positivamente a la ecocrisis y cambie en consecuencia, algunos ecoartistas reflexionan sobre nuestro compromiso humano con el mundo natural y crean arte con información ecológica que se centra en (o nos ayuda a visualizar) la transformación o recuperación ecológica. Por ejemplo, la escritora y teórica de ecoarte Linda Weintraub (que acuñó el término "ciclo-lógico" para describir la correlación entre el reciclaje y la psicología) nos recuerda que la noción del siglo XXI de un compromiso consciente de los artistas con sus materiales nos remonta a los montones de basurales paleolíticos de cerámica y metales desechados de las civilizaciones antiguas. ^{[41] Weintraub cita el trabajo de} Sarah Sze , becaria MacArthur, que recicla, reutiliza y restaura desechos del flujo de residuos para crear elegantes y extensas instalaciones: este trabajo autorreflexivo atrae nuestra atención hacia (y por lo tanto inicia una crítica de) nuestras propias vidas desordenadas y nuestra conexión con la cultura del consumo. ^[42]

En la actualidad, existen innumerables ejemplos de ecoarte en todo el mundo que aumentan la conciencia ecológica y establecen nuevas plataformas perceptivas precursoras que podrían contribuir al cambio social o psicológico. El campo de energía de Brigitte Hitschler , por ejemplo, extrajo energía para 400 diodos rojos del montón de escoria de potasa que se iba a recuperar sobre el que estaban instalados, utilizando el arte y la ciencia para revelar la cultura material oculta . ^{[43] [ se necesita una mejor fuente ]} La artista y activista ecológica, Beverly Naidus , crea instalaciones que abordan las crisis ambientales, los problemas del legado nuclear y crea obras en papel que imaginan la transformación. ^[44] Su proyecto de permacultura basado en la comunidad, Eden Reframed, remedia el suelo degradado utilizando fitorremediación y hongos, lo que da como resultado un lugar público para cultivar y cosechar plantas medicinales y comestibles. Naidus es una educadora que ha enseñado en la Universidad de Washington, Tacoma durante más de diez años, donde creó el plan de estudios Interdisciplinary Studio Arts in Community que fusiona el arte con la ecología y las prácticas socialmente comprometidas. ^[45] El libro de Naidus, Arts for Change: Teaching Outside the Frame es un recurso para profesores, activistas y artistas. ^[46] La escultora y artista de instalaciones Erika Wanenmacher se inspiró en Tony Price en su desarrollo de obras que abordan la creatividad, la mitología y la presencia nuclear de Nuevo México. ^[47] El artista y arborista con base en Oregón Richard Reames utiliza técnicas de injerto para producir sus obras de arborescultura y arbortectura. Utiliza procesos basados ​​en el tiempo de múltiples plantaciones de árboles que luego se moldean doblándolos, podándolos e injertándolos, de maneras similares a la jardinería en espaldera . Estas obras tienen ventajas ecológicas que incluyen el secuestro de dióxido de carbono , la creación de hábitat y la mitigación del cambio climático. ^[48]

La escultura de energía renovable es otro desarrollo reciente en el arte ambiental. En respuesta a la creciente preocupación por el cambio climático global, los artistas están diseñando intervenciones explícitas a un nivel funcional, fusionando respuestas estéticas con las propiedades funcionales de la generación o ahorro de energía. Los profesionales de esta área emergente a menudo trabajan de acuerdo con códigos éticos y prácticos informados ecológicamente que se ajustan a los criterios de ecodiseño . El Proyecto de Energía Eólica Queensbridge de Andrea Polli es un ejemplo de arquitectura experimental , que incorpora turbinas eólicas en la estructura de un puente para recrear aspectos del diseño original, así como para iluminar el puente y las áreas vecinas. ^{[49] La} escultura pública de Ralf Sander , World Saving Machine, utilizó energía solar para crear nieve y hielo fuera del Museo de Arte de Seúl en el caluroso verano coreano. ^[50]

• Beardsley, John (1998). Earthworks and Beyond: Contemporary Art in the Landscape [Trabajos de tierra y más allá: arte contemporáneo en el paisaje] . Nueva York: Abbeville Press. ISBN 978-0-89659-963-5.
• Gooding, Mel (2002). Canción de la Tierra: artistas europeos y el paisaje . Londres: Thames & Hudson. pág. 167. ISBN . 978-0-500-51016-2.* Kagan, Sacha (2011). Arte y sostenibilidad: patrones de conexión para una cultura de la complejidad . Bielefeld: transcripción Verlag. ISBN 978-3-8376-1803-7.
• Sonfist, Alan (2004). La naturaleza: el fin del arte . Florencia, Italia: Gli Ori, Dist. Thames & Hudson. 280 páginas. ISBN 978-0-615-12533-6.

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