Arte público

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El arte público es el arte en cualquier medio cuya forma, función y significado se crean para el público en general a través de un proceso público. Es un género artístico específico ^[1] con su propio discurso profesional y crítico. El arte público es visual y físicamente accesible al público; se instala en espacios públicos tanto al aire libre como en interiores. El arte público busca encarnar conceptos públicos o universales en lugar de conceptos o intereses comerciales, partidistas o personales. ^[2] Cabe destacar que el arte público también es el producto directo o indirecto de un proceso público de creación, adquisición y/o mantenimiento. ^{[3] [4] [5] [6]}

El arte independiente creado o representado en el ámbito público o cerca de él (por ejemplo, el grafiti o el arte callejero ) carece de una sanción pública oficial o tangible y no ha sido reconocido como parte del género del arte público, ^[7] sin embargo, esta actitud está cambiando debido a los esfuerzos de varios artistas callejeros. ^{[8] [9]} Estas obras de arte no oficiales pueden existir en propiedades privadas o públicas inmediatamente adyacentes al ámbito público, o en entornos naturales pero, por ubicuas que sean, ^{[10] [11]} a veces quedan fuera de la definición de arte público por su ausencia de proceso público o sanción pública como arte público "de buena fe". ^[12]

Las características comunes del arte público son la accesibilidad pública, la ubicación en el espacio público, la participación comunitaria y el proceso público (incluida la financiación pública); estas obras pueden ser permanentes o temporales. Según la curadora e historiadora de arte y arquitectura, Mary Jane Jacob , el arte público acerca el arte a la vida. ^[13]

El arte público es accesible al público, tanto física como visualmente. ^{[13] [14]} Cuando el arte público se instala en una propiedad privada, aún existen derechos de acceso público general. ^[15]

El arte público se caracteriza por la especificidad del lugar , donde la obra de arte se "crea en respuesta al lugar y la comunidad en la que reside" ^[6] y por la relación entre su contenido y el público. ^[16] Cher Krause Knight afirma que "la publicidad del arte se basa en la calidad y el impacto de su intercambio con las audiencias... en su forma más pública, el arte extiende las oportunidades para la participación de la comunidad pero no puede exigir una conclusión particular", introduce ideas sociales pero deja espacio para que el público llegue a sus propias conclusiones. ^[16]

El arte público suele caracterizarse por la participación y colaboración de la comunidad. ^{[13] [4] [16]} Los artistas y organizaciones públicas suelen trabajar en conjunto con arquitectos, fabricantes/trabajadores de la construcción, residentes y líderes de la comunidad, diseñadores, organizaciones de financiación y otros. ^[17]

El arte público suele crearse y ofrecerse en el marco de programas formales de "arte en lugares públicos" que pueden incluir la educación artística comunitaria y la representación artística. ^[17] Dichos programas pueden ser financiados por entidades gubernamentales a través de iniciativas de Percent for Art . ^{[13] [18]}

Algunas obras de arte público están planificadas y diseñadas para su estabilidad y permanencia. ^[5] Su colocación o exposición en el espacio público físico requiere materiales seguros y duraderos. Las obras de arte públicas están diseñadas para soportar los elementos (sol, viento, agua) así como la actividad humana. En los Estados Unidos, a diferencia de las obras de arte de galerías, estudios o museos, que pueden transferirse o venderse, el arte público está protegido legalmente por la Ley de Derechos de los Artistas Visuales de 1990 (VARA, por sus siglas en inglés ), que exige un proceso oficial de desaccesión para su venta o retiro. ^[4]

Las siguientes formas de arte público identifican hasta qué punto el arte público puede integrarse físicamente con el contexto o entorno inmediato. Estas formas, que pueden superponerse, emplean diferentes tipos de arte público que se adaptan a una forma particular de integración con el entorno. ^{[13] [19]}

• independientes: por ejemplo, esculturas, estatuas, estructuras
• integrados (en fachadas, pavimentos o paisajes): por ejemplo, bajorrelieves, figuras de Hill , geoglifos , petroglifos , mosaicos , iluminación digital
• aplicado (a una superficie): por ejemplo, murales, esculturas montadas en edificios
• Instalación (donde la obra de arte y el sitio se integran mutuamente): por ejemplo, el arte de la estación de tránsito
• efímero (o no permanente): performances, instalaciones temporales: por ejemplo, un precario equilibrio sobre una roca o una instancia de humo de colores. ^{[20] [21] [22]}

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En la década de 1930, la producción de simbolismo nacional implícito en los monumentos del siglo XIX comenzó a ser regulada por programas nacionales a largo plazo con objetivos de propaganda ( Proyecto Federal de Arte , Estados Unidos; Oficina Cultural, Unión Soviética). Programas como el New Deal del presidente Roosevelt facilitaron el desarrollo del arte público durante la Gran Depresión, pero estaban elaborados con objetivos de propaganda. Los programas de arte del New Deal tenían como objetivo desarrollar el orgullo nacional por la cultura estadounidense al tiempo que evitaban abordar la vacilante economía. ^[16] Aunque problemáticos, los programas de arte del New Deal como FAP alteraron la relación entre el artista y la sociedad al hacer que el arte fuera accesible a todas las personas. ^[16] El programa Art-in-Architecture (AiA) del New Deal desarrolló el porcentaje para programas de arte, una estructura para financiar el arte público que todavía se utiliza hoy en día. Este programa asignó la mitad del uno por ciento de los costos totales de construcción de todos los edificios gubernamentales a la compra de arte estadounidense contemporáneo para ellos. ^[16] AiA ayudó a solidificar la política de que el arte público en los Estados Unidos debería ser verdaderamente propiedad del público. También promovió el arte público específico del sitio. ^[16]

El enfoque del arte público cambió radicalmente durante la década de 1970, a raíz de las reivindicaciones del movimiento por los derechos civiles en materia de espacio público, la alianza entre los programas de regeneración urbana y los esfuerzos artísticos a finales de la década de 1960 y las ideas revisadas sobre la escultura. ^[23] El arte público adquirió un estatus que iba más allá de la mera decoración y visualización de historias nacionales oficiales en el espacio público. El arte público se convirtió en algo mucho más relacionado con el público. ^{[16] Esta perspectiva se vio reforzada en la década de 1970 por las políticas culturales urbanas, por ejemplo, el} Public Art Fund con sede en Nueva York y los programas urbanos o regionales Percent for Art en los Estados Unidos y Europa. Además, el discurso del arte público pasó de un nivel nacional a uno local, en consonancia con la tendencia a los espacios específicos del sitio y la crítica de los espacios de exposición institucionales que surgieron en las prácticas artísticas contemporáneas.

Entre los años 1970 y 1980, la gentrificación y las cuestiones ecológicas surgieron en la práctica del arte público, tanto como motivo de encargo como como enfoque crítico de los artistas. El elemento de retiro individual y romántico implícito en la estructura conceptual del land art , y su voluntad de reconectar el entorno urbano con la naturaleza, se convierte en una reivindicación política en proyectos como Wheatfield – A Confrontation (1982) de la artista estadounidense Agnes Denes , así como en 7000 Oaks (1982) de Joseph Beuys . Ambos proyectos se centran en el aumento de la conciencia ecológica a través de un proceso de diseño urbano verde, lo que llevó a Denes a plantar un campo de trigo de dos acres en el centro de Manhattan y a Beuys a plantar 7000 robles junto con bloques de basalto en Kassel, Alemania, a la manera de un jardín comunitario o de guerrilla. En los últimos años, los programas de regeneración urbana verde que apuntan a convertir lotes abandonados en áreas verdes incluyen regularmente programas de arte público. Es el caso de High Line Art, 2009, un programa de encargo para el High Line , derivado de la reconversión de un tramo de vía férrea de la ciudad de Nueva York ; y de Gleisdreieck , 2012, un parque urbano derivado de la reconversión parcial de una estación ferroviaria de Berlín que acoge, desde 2012, una exposición de arte contemporáneo al aire libre.

La década de 1980 también fue testigo de la institucionalización de los parques de esculturas como programas curatoriales. Mientras que las primeras exposiciones y colecciones de esculturas al aire libre públicas y privadas que datan de la década de 1930 ^[24] apuntaban a crear un entorno apropiado para formas escultóricas de gran escala difíciles de mostrar en las galerías de los museos, instalaciones como Noguchi's Garden en Queens , Nueva York (1985) reflejan la necesidad de una relación permanente entre la obra de arte y su sitio.

Esta relación se desarrolla también en el proyecto de Donald Judd para la Fundación Chinati (1986) en Texas, que aboga por el carácter permanente de instalaciones a gran escala cuya fragilidad puede verse destruida al reubicar la obra.

El arte público se enfrenta a un desafío de diseño por su propia naturaleza: cómo activar mejor las imágenes de su entorno. El concepto de “ sostenibilidad ” surge como respuesta a las deficiencias ambientales percibidas de una ciudad. El desarrollo sostenible , promovido por las Naciones Unidas desde la década de 1980, incluye aspectos económicos, sociales y ecológicos. Una obra de arte público sostenible incluiría planes de regeneración urbana y desmantelamiento. La sostenibilidad ha sido ampliamente adoptada en muchos proyectos de ingeniería y planificación ambiental. El arte sostenible es un desafío para responder a las necesidades de un espacio abierto en público.

En otra obra de arte pública titulada "Misión leopardo" ^[25] , encargada en 2016 en Haryana (India), entre el remoto terreno caducifolio de la aldea de Tikli, un equipo coordinado por el artista Hunny Mor pintó dos leopardos posados ​​en ramas sobre un tanque de agua de 35 metros de altura. La campaña tenía como objetivo crear conciencia sobre la convivencia y la conservación del medio ambiente. La obra de arte se puede ver a varios kilómetros de distancia en todas las direcciones.

El trabajo de Ron Finley como el jardinero gangsta (o jardinero guerrillero) del centro sur de Los Ángeles es un ejemplo de un artista cuyas obras constituyen obras de arte público temporales en forma de jardines de alimentos públicos que abordan la sostenibilidad, la seguridad alimentaria y la justicia alimentaria . ^{[26] [27] [28]}

Andrea Zittel ha producido obras, como Indianapolis Island , que hacen referencia a la sostenibilidad y la permacultura con las que los participantes pueden involucrarse activamente. ^{[29] [30]}

Algunas obras de arte público están diseñadas para fomentar la interacción directa y práctica. Algunos ejemplos incluyen obras de arte público que contienen componentes interactivos de música, luz, video o agua. Por ejemplo, la pieza central arquitectónica frente al Centro de Ciencias de Ontario es una fuente y un instrumento musical ( hidráulofono ) de Steve Mann , donde las personas pueden producir sonidos al bloquear chorros de agua para forzar el paso del agua a través de mecanismos que producen sonido. Una obra de arte pública interactiva temprana e inusual fue Century of Light de Jim Pallas en Detroit, Michigan, de 1980 ^[31] , un gran mandala de luces al aire libre que reaccionaba de manera compleja a los sonidos y movimientos detectados por radar (destruido por error 25 años después ^[32] ). Otro ejemplo son las dos obras de Rebecca Hackemann, The Public Utteraton Machines de 2015 y The Urban Field Glass Project / Visionary Sightseeing Binoculars 2 008, 20013, 2021, 2022. The Public Utteraton Machines registra las opiniones de la gente sobre otras obras de arte público de Nueva York, como Split Rocker de Jeff Koon, y muestra las respuestas en línea.

En la década de 1990, algunos artistas exigieron una intervención social artística en el espacio público. Estos esfuerzos emplearon el término "arte público de nuevo género" además de los términos "arte contextual", " arte relacional ", " arte participativo ", "arte dialógico", " arte comunitario " y "arte activista". Suzanne Lacy define el "arte público de nuevo género" como "arte interactivo y comprometido socialmente para públicos diversos con conexiones con la política de identidad y el activismo social". ^[16] El proyecto Fundred Dollar Bill de Mel Chin es un ejemplo de un proyecto de arte público interactivo y activista social. ^[33] En lugar de reflejar metafóricamente cuestiones sociales, el arte público de nuevo género se esforzó por empoderar explícitamente a los grupos marginados manteniendo al mismo tiempo el atractivo estético. ^{[16] [34]} Un ejemplo fue la muestra de arte público de 1993 de la curadora Mary Jane Jacob " Cultura en acción ", que investigó los sistemas sociales a través de la interacción con públicos que normalmente no visitaban los museos de arte tradicionales. ^[16]

En el siglo XXI, el arte público ha sido a menudo un componente importante de los proyectos de ámbito público en las ciudades y pueblos del Reino Unido, a menudo a través de la participación de los residentes locales, donde los artistas trabajarán con la comunidad para desarrollar una idea o buscar contenido que se presente en la obra de arte. Algunos ejemplos incluyen " Come Follow Me" de Adrian Riley en Minster , Lincolnshire , donde una obra de arte de texto de 35 m de largo en la plaza pública fuera de la catedral de la ciudad incluye las propias historias de los residentes locales junto con la historia cívica oficial y el mito del origen de la ciudad. ^[35]

El término "arte público curado" se utiliza para definir la forma de producir arte público que tiene en cuenta de manera significativa el contexto, el proceso y los diferentes actores involucrados. Se define de manera ligeramente diferente a los enfoques de encargo directo de arriba hacia abajo. ^{[ cita requerida ]}

Si bien designa principalmente el hecho de que un curador dirige y supervisa la realización de una obra de arte pública para un tercero, también puede significar que la obra de arte es producida por una comunidad o público que encarga una obra en colaboración con un curador-mediador.

En primer lugar, ejemplos significativos de estas formas prospectivas de encargar proyectos artísticos han sido establecidos por el Fondo de Arte Público ^[36] lanzado por Doris C. Freedman en 1977, con un nuevo enfoque en la forma en que se utilizó el porcentaje para el arte , o los fondos de arte público de Ginebra con el proyecto Neon Parallax que abarcó un entorno urbano muy grande en 2005.

En cuanto al segundo caso, podemos citar Les Nouveaux Commanditaires ^[37], lanzado por la Fundación de Francia con François Hers en 1990 con la idea de que un proyecto puede responder a un deseo de una comunidad. El High Line de Nueva York de 2009 es un buen ejemplo, aunque implica menos arte. El proyecto doual'art en Douala ( Camerún , 1991) se basa en un sistema de encargos que reúne a la comunidad, el artista y la institución que lo encarga para la realización del proyecto. ^{[ cita requerida ]}

Los monumentos conmemorativos para individuos, grupos de personas o eventos a veces se representan a través del arte público. Algunos ejemplos son el monumento conmemorativo de la guerra de Vietnam de Maya Lin en Washington DC, el monumento al sida de Tim Tate en Nueva Orleans y el cenotafio para las víctimas de la bomba atómica de Kenzō Tange en el Parque Memorial de la Paz de Hiroshima en Japón. ^[38]

El arte público a veces genera controversias. Las siguientes controversias en torno al arte público han sido notables:

• El Proyecto Heidelberg de Detroit fue controvertido durante varias décadas desde su inicio en 1986 debido a su apariencia estridente.
• La obra minimalista Tilted Arc de Richard Serra fue retirada de Foley Square en la ciudad de Nueva York en 1989 después de que los trabajadores de oficina se quejaran de que la obra interrumpía su rutina laboral. Una audiencia pública judicial falló en contra de la exhibición continua de la obra.
• El pabellón Apollo de Victor Pasmore en la ciudad nueva de Peterlee , en Inglaterra , ha sido el centro de atención de políticos locales y otros grupos que se quejan de la gobernanza de la ciudad y de la asignación de recursos. Artistas y líderes culturales organizaron una campaña para rehabilitar la reputación de la obra y el Centro Báltico de Arte Contemporáneo encargó a las artistas Jane y Louise Wilson que hicieran una instalación de vídeo sobre la pieza en 2003.
• Scaffold (2017) de Sam Durant , instalada en el jardín del Walker Art Center , representaba la horca utilizada en siete ejecuciones del gobierno. Los grupos nativos americanos consideraron que la obra era ofensiva, ya que 38 miembros de la tribu Dakota habían sido ahorcados en Mankato, Minnesota . El artista aceptó desmantelar la pieza y permitir que los ancianos de la tribu la quemaran y enterraran. ^{[39] [40]}
• Dreamspace V de Maurice Agis , un enorme laberinto inflable erigido en Chester-le-Street, en el condado de Durham, mató a dos mujeres e hirió gravemente a una niña de tres años en 2006 cuando un fuerte viento rompió sus amarres y lo llevó 30 pies (9,1 m) en el aire, con treinta personas atrapadas en el interior. ^[41]
• La Bóveda de Ron Robertson-Swann , una estructura poligonal abstracta de color amarillo erigida en Melbourne City Square, fue considerada tan visualmente ofensiva que fue movida varias veces y gran parte del público la mencionó con la metáfora de color racista Yellow Peril . ^{[42] [43]}
• Ha habido numerosas controversias con respecto a los monumentos en los Estados Unidos, muchas de las cuales tienen que ver con los monumentos públicos dedicados a los soldados y líderes de los Estados Confederados de América después de la Guerra Civil estadounidense .

Las bases de datos en línea de arte público local y regional surgieron en los años 1990 y 2000 en paralelo con el desarrollo de datos basados ​​en la web. Las bases de datos de arte público en línea pueden ser generales o selectivas (limitadas a esculturas o murales), y pueden ser gubernamentales, cuasi gubernamentales o independientes. Algunas bases de datos en línea, como los Archivos de Arte Americano del Museo Smithsonian de Arte Americano , actualmente tienen más de seis mil obras en su base de datos. ^[44]

Hay docenas de organizaciones no gubernamentales e instituciones educativas que mantienen bases de datos de arte público en línea que abarcan numerosas áreas, entre ellas el National Endowment for the Arts , WESTAF , Public Art Fund , Creative Time y otras. ^[45] Public Art Online mantiene una base de datos de obras de arte público, ensayos y estudios de casos, con un enfoque en el Reino Unido. ^[46] El Institute for Public Art, con sede en el Reino Unido, mantiene información sobre arte público en seis continentes. ^[47]

El proyecto WikiProject Public Art comenzó en 2009 y su objetivo era documentar el arte público en todo el mundo. Si bien este proyecto recibió la atención inicial de la comunidad académica, se basó principalmente en contribuciones temporales de estudiantes. ^[48] Actualmente se desconoce su estado.

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