Mulholland Drive (película)

Carretera Mulholland
Afiche de estreno en cines
Dirigido por	David Lynch
Escrito por	David Lynch
Producido por	María Sweeney Alain Sarde Neal Edelstein Michael Polaire Tony Krantz
Protagonizada por	Justin Theroux Naomi Watts Laura Harring Ana Miller Roberto Forster
Cinematografía	Peter Deming
Editado por	María Sweeney
Música de	Ángelo Badalamenti
Empresas productoras	Las películas de Alain Sarde Producciones asimétricas Babbo Inc. El estudio Canal+ [1] La fábrica de imágenes
Distribuido por	Universal Pictures (Estados Unidos; a través de Universal Focus ) [a] Distribución BAC (Francia)
Fechas de lanzamiento	16 de mayo de 2001 ( Cannes ) ( 16 de mayo de 2001 ) 12 de octubre de 2001 (Estados Unidos) ( 12 de octubre de 2001 ) 21 de noviembre de 2001 (Francia) ( 21 de noviembre de 2001 )
Duración del programa	146 minutos [12]
Países	Estados Unidos [6] [1] Francia [6] [1]
Idioma	Inglés
Presupuesto	15 millones de dólares [13]
Taquillas	20,1 millones de dólares [14]

Mulholland Drive (estilizada como Mulholland Dr. ) es unapelícula de misterio surrealista de 2001 escrita y dirigida por David Lynch y protagonizada por Justin Theroux , Naomi Watts , Laura Harring , Ann Miller y Robert Forster . Cuenta la historia de una aspirante a actriz llamada Betty Elms (Watts), recién llegada a Los Ángeles , que conoce y se hace amiga de una mujer amnésica (Harring) que se recupera de un accidente automovilístico. La historia sigue varias otras viñetas y personajes, incluido un director de cine de Hollywood (Theroux).

La coproducción franco-estadounidense fue concebida originalmente como un piloto de televisión , y una gran parte de la película se filmó en 1999 con el plan de Lynch de mantenerla abierta para una posible serie. Sin embargo, después de ver el corte de Lynch, los ejecutivos de televisión lo rechazaron. Lynch luego proporcionó un final al proyecto, convirtiéndolo en un largometraje . El resultado mitad piloto, mitad largometraje, junto con el estilo surrealista característico de Lynch, ha dejado el significado general de los eventos de la película abierto a la interpretación. Lynch se ha negado a ofrecer una explicación de sus intenciones para la narrativa, dejando al público, los críticos y los miembros del elenco especulando sobre lo que significa. Le dio a la película el lema "Una historia de amor en la ciudad de los sueños".

Mulholland Drive le valió a Lynch el Prix de la mise en scène (Premio a la mejor dirección) en el Festival de Cine de Cannes de 2001 , premio que compartió con Joel Coen por El hombre que nunca estuvo allí . Lynch también recibió una nominación al Oscar a la mejor dirección . La película impulsó considerablemente el perfil de Watts en Hollywood y fue el último largometraje protagonizado por la veterana actriz de Hollywood Ann Miller .

Mulholland Drive suele considerarse una de las mejores obras de Lynch y una de las mejores películas de todos los tiempos . Ocupó el puesto 8 en la encuesta de críticos de Sight & Sound de 2022 sobre las mejores películas jamás realizadas y encabezó una encuesta de la BBC de 2016 sobre las mejores películas desde 2000.

Una mujer está a punto de ser baleada por el chofer de su limusina en Mulholland Drive , pero se salva cuando un automóvil choca contra ellos. La mujer es la única sobreviviente, pero está aturdida y se esconde en un apartamento cuando el ocupante se va con maletas. La aspirante a actriz Betty Elms de Deep River, Ontario, llega al apartamento, prestado por su tía, y encuentra a la mujer. La mujer confiesa que tiene amnesia y está en peligro, y se pone el nombre "Rita" de un póster de Gilda . Los dos descubren una gran cantidad de efectivo y una llave azul en el bolso de Rita.

En un restaurante de Winkie's, un hombre le cuenta a su compañero sobre su pesadilla recurrente en el restaurante, diciendo que es causada por una figura horrible que se esconde en el callejón detrás. Al notar similitudes con su pesadilla, el hombre y su compañero investigan detrás del restaurante. La figura aparece, lo que hace que el hombre se desplome en estado de shock.

El director Adam Kesher es amenazado por mafiosos que quieren que contrate a la actriz desconocida Camilla Rhodes para el papel principal de su película. Cuando Kesher se niega, los mafiosos eliminan su línea de crédito y el estudio cierra la producción. Kesher descubre la infidelidad de su esposa y su amante lo echa de su casa. Kesher se ve presionado a conocer a un vaquero, que lo insta encarecidamente a contratar a Camilla por su propio bien. Por otra parte, un asesino a sueldo torpe deja a tres personas muertas en un intento de robar una libreta de números de teléfono.

Mientras investigan la identidad de Rita en Winkie's, la placa con el nombre de la camarera hace que Rita recuerde el nombre "Diane Selwyn"; llaman al número de Diane, pero no hay respuesta. Betty deja a Rita para asistir a una audición y un agente de casting le muestra los alrededores. Betty entra al estudio de Adam, donde está haciendo una audición para The Sylvia North Story . Betty y Adam se miran a los ojos, pero Betty huye del estudio después de recordar su promesa de conocer a Rita. Adam elige a Camilla Rhodes para su audición, para el deleite del estudio.

Betty y Rita van al complejo de apartamentos de Diane Selwyn, pero la ocupante explica que es vecina de Diane y que recientemente intercambiaron apartamentos. Al irrumpir en el nuevo apartamento de Diane, Betty y Rita descubren el cadáver en descomposición de una mujer, lo que horroriza a Rita. Rita intenta cortarse el pelo, pero Betty la convence de que se ponga una peluca rubia similar al peinado de Betty. Más tarde esa noche, las dos tienen relaciones sexuales. A las 2 am, Rita se despierta de una pesadilla mientras canta "Silencio" e insiste en que las dos vayan al Club Silencio.

En el Club Silencio, el maestro de ceremonias explica que todo es una ilusión y las mujeres pronto lloran con la versión en español de " Crying " de Rebekah del Río ; la intérprete se derrumba pero el canto continúa, revelando que el audio es una grabación de reproducción. Betty descubre una caja azul que coincide con la llave en su bolso y las dos mujeres regresan a casa. Rita recupera la llave, pero descubre que Betty ha desaparecido; al abrir la caja, Rita también desaparece y la caja cae al suelo. El dueño del apartamento, visto saliendo en la apertura, investiga el ruido pero no encuentra nada.

Diane Selwyn, una actriz deprimida y con problemas que se parece a Betty, despierta en el apartamento que Betty y Rita investigaron. El vecino de Diane aparece para reclamar sus antiguas posesiones y advierte que los detectives han preguntado por el paradero de Diane. Diane tiene fantasías sobre su relación pasada con Camilla Rhodes, una actriz de éxito que se parece a Rita. A pesar de que Diane se involucra en la relación, Camilla rompe con Diane.

A instancias de Camilla, Diane asiste a una fiesta en la casa de Adam en Mulholland Drive. Diane explica a los asistentes a la fiesta, que se parecen a personas vistas anteriormente, que se mudó de Canadá después de heredar dinero de su tía. Diane conoció a Camilla en The Sylvia North Story y se hicieron amigas a pesar de que Diane perdió el papel principal ante ella. Camilla besa y susurra sobre Diane a la "Camilla Rhodes" que Adam había elegido anteriormente, lo que enfurece a Diane. Adam y Camilla se preparan para hacer un anuncio conjunto (sugiriendo que se van a casar) mientras Diane tiembla de rabia.

En Winkie's, Diane conoce al asesino a sueldo y lo contrata para matar a Camilla. Él dice que dejará una llave azul para señalar que el asesinato ha terminado. En su apartamento, Diane, traumatizada, mira fijamente la llave azul que está sobre su mesa de café. Aterrorizada por las alucinaciones, Diane corre a su habitación y se pega un tiro. En el Club Silencio, una mujer de cabello azul susurra "Silencio".

Al darle a la película solo el lema "Una historia de amor en la ciudad de los sueños", ^[16] David Lynch se ha negado a comentar sobre el significado o el simbolismo de Mulholland Drive , lo que ha provocado mucha discusión y múltiples interpretaciones. El crítico de cine del Christian Science Monitor, David Sterritt, habló con Lynch después de que la película se proyectara en Cannes y escribió que el director "insistió en que Mulholland Drive cuenta una historia coherente y comprensible", a diferencia de algunas de las películas anteriores de Lynch como Lost Highway . ^[17] Por otro lado, Justin Theroux dijo sobre los sentimientos de Lynch sobre los múltiples significados que la gente percibe en la película: "Creo que está genuinamente feliz de que signifique lo que quieras. Le encanta cuando la gente llega a interpretaciones realmente extrañas. David trabaja desde su subconsciente". ^[18] La película fue descrita como un neo-noir . ^{[19] [20] [21] [22]}

Una primera interpretación de la película utiliza el análisis de los sueños para argumentar que la primera parte es un sueño de la verdadera Diane Selwyn, que ha elegido su yo onírico como la inocente y esperanzada "Betty Elms", reconstruyendo su historia y su personaje en algo así como una vieja película de Hollywood. En el sueño, Betty es exitosa, encantadora y vive la vida de fantasía de una actriz que pronto será famosa. La quinta parte final de la película presenta la vida real de Diane, en la que ha fracasado tanto personal como profesionalmente. Ella organiza el asesinato de Camilla, una ex amante, e incapaz de lidiar con la culpa, la reimagina como la dependiente, dócil y amnésica Rita. Sin embargo, las pistas sobre su inevitable desaparición continúan apareciendo a lo largo de su sueño. ^[23]

Esta interpretación era similar a la que hizo Naomi Watts cuando dijo en una entrevista: "Pensé que Diane era el personaje real y que Betty era la persona que ella quería ser y que había soñado. Rita es la damisela en apuros y tiene una necesidad absoluta de Betty, y Betty la controla como si fuera una muñeca. Rita es la fantasía de Betty de quién quiere que sea Camilla". ^[24] Las propias experiencias tempranas de Watts en Hollywood son paralelas a las de Diane. Soportó cierta frustración profesional antes de alcanzar el éxito, hizo audiciones para papeles en los que no creía y se encontró con personas que no cumplían con las oportunidades. Recordó: "Hubo muchas promesas, pero nada se cumplió. Me quedé sin dinero y me sentí bastante sola". ^[25] Michael Wilmington, del Chicago Tribune, consideró que "todo en 'Mulholland Drive' es una pesadilla. Es una representación del sueño dorado de Hollywood que se vuelve rancio, se cuaja y se convierte en un guiso venenoso de odio, envidia, compromisos sórdidos y fracasos que matan el alma. Este es el lado oscuro de nuestras fantasías glamorosas, y la zona que Lynch muestra aquí está retratada de manera realista". ^[26]

The Guardian pidió a seis críticos de cine conocidos sus propias percepciones del significado general de Mulholland Drive . Neil Roberts de The Sun y Tom Charity de Time Out suscriben la teoría de que Betty es la proyección de Diane de una vida más feliz. Roger Ebert y Jonathan Ross parecen aceptar esta interpretación, pero ambos dudan en analizar demasiado la película. Ebert afirma: "No hay explicación. Puede que ni siquiera haya un misterio". Ross observa que hay historias que no llevan a ninguna parte: "Tal vez eran restos del piloto que originalmente se pretendía que fuera, o tal vez estas cosas son los non-sequiturs y el subconsciente de los sueños". ^[27] Philip French de The Observer lo ve como una alusión a la tragedia de Hollywood, mientras que Jane Douglas de la BBC rechaza la teoría de la vida de Betty como el sueño de Diane, pero también advierte contra un análisis excesivo. ^[27]

La teórica de los medios Siobhan Lyons también está en desacuerdo con la teoría de los sueños, argumentando que es una "interpretación superficial [que] socava la fuerza del absurdo de la realidad que a menudo tiene lugar en el universo de Lynch". ^[28] En cambio, Lyons postula que Betty y Diane son de hecho dos personas diferentes que parecen similares, un motivo común entre las estrellas de Hollywood. En una interpretación similar, Betty y Rita y Diane y Camilla pueden existir en universos paralelos que a veces se interconectan. Otra teoría ofrecida es que la narrativa es una cinta de Möbius , una banda retorcida que no tiene principio ni fin . ^[29] También se sugirió que toda la película tiene lugar en un sueño, pero se desconoce la identidad del soñador. ^[30] Las repetidas referencias a camas, dormitorios y dormir simbolizan la fuerte influencia de los sueños. Rita se duerme varias veces; Entre estos episodios, se producen escenas inconexas, como la conversación de los hombres en Winkie's, la llegada de Betty a Los Ángeles y el fallido golpe, lo que sugiere que Rita puede estar soñando con ellos. La toma inicial de la película se centra en una cama en la que hay un durmiente desconocido, lo que infunde, según la estudiosa de cine Ruth Perlmutter, la necesidad de cuestionar la realidad de los acontecimientos posteriores. ^[31] La profesora de estudios de los sueños Kelly Bulkeley sostiene que la primera escena en el restaurante, como la única en la que se mencionan explícitamente los sueños o el hecho de soñar, ilustra "la verdad reveladora y la incertidumbre epistemológica en la película de Lynch". ^[32] El ser monstruoso del sueño, que es el tema de conversación de los hombres en Winkie's, reaparece al final de la película justo antes y después de que Diane se suicida. Bulkeley afirma que la única discusión sobre los sueños en esa escena presenta una apertura a "una nueva forma de entender todo lo que sucede en la película". ^[32]

El filósofo y teórico cinematográfico Robert Sinnerbrink señala de manera similar que las imágenes posteriores al aparente suicidio de Diane socavan la interpretación de "sueño y realidad". Después de que Diane se dispara, la cama se consume en humo y Betty y Rita aparecen sonriéndose la una a la otra, después de lo cual una mujer en el balcón del Club Silencio susurra " Silencio " mientras la pantalla se desvanece a negro. Sinnerbrink escribe que las "imágenes finales flotan en una zona indeterminada entre la fantasía y la realidad, que es quizás la dimensión genuinamente metafísica de la imagen cinematográfica", y también señala que podría ser que la "última secuencia comprenda las imágenes de fantasía de la conciencia moribunda de Diane, concluyendo con el momento real de su muerte: el Silencio final ". ^[33] Refiriéndose a la misma secuencia, el teórico de cine Andrew Hageman señala que "la coda de noventa segundos que sigue al suicidio de Betty/Diane es un espacio cinematográfico que persiste después de que el telón ha caído sobre su conciencia viva, y este espacio persistente es el mismo teatro donde la ilusión de la ilusión se desenmascara continuamente". ^[34]

El teórico cinematográfico David Roche escribe que las películas de Lynch no cuentan simplemente historias de detectives , sino que obligan a la audiencia a asumir el papel de detectives para dar sentido a las narraciones, y que Mulholland Drive , como otras películas de Lynch, frustra "la necesidad del espectador de una diégesis racional al jugar con el error del espectador de que narración es sinónimo de diégesis". En las películas de Lynch, el espectador siempre está "un paso por detrás de la narración" y, por lo tanto, "la narración prevalece sobre la diégesis". ^[35] Roche también señala que hay múltiples misterios en la película que finalmente quedan sin respuesta por los personajes que se encuentran en callejones sin salida, como Betty y Rita, o ceden a las presiones como lo hace Adam. Aunque el público todavía lucha por dar sentido a las historias, los personajes ya no están tratando de resolver sus misterios. Roche concluye que Mulholland Drive es una película de misterio no porque permite al público ver la solución a una pregunta, sino porque la película en sí es un misterio que se mantiene unido "por el deseo del espectador-detective de darle sentido". ^[35]

A pesar de la proliferación de teorías, los críticos señalan que ninguna explicación satisface todos los cabos sueltos y las preguntas que surgen de la película. Stephen Holden, del New York Times, escribe: " Mulholland Drive tiene poco que ver con la vida amorosa o la ambición profesional de un solo personaje. La película es una reflexión cada vez más profunda sobre el atractivo de Hollywood y sobre los múltiples juegos de rol y la autoinvención que promete la experiencia de ir al cine... ¿Qué poder mayor hay que el poder de entrar y programar la vida de ensueño de la cultura?" ^[5] J. Hoberman, del Village Voice, se hace eco de este sentimiento al llamarla un "san Valentín venenoso para Hollywood". ^[36]

Mulholland Drive ha sido comparada con la película de cine negro Sunset Boulevard (1950) de Billy Wilder , otra historia sobre sueños rotos en Hollywood, ^{[16] [37] [38]} y al principio de la película se muestra a Rita cruzando Sunset Boulevard de noche. Además de que ambos títulos llevan el nombre de calles icónicas de Los Ángeles, Mulholland Drive es "el relato único de Lynch de lo que también atrajo la atención de Wilder: la putrefacción humana (un término que Lynch utilizó varias veces durante su conferencia de prensa en el Festival de Cine de Nueva York de 2001) en una ciudad de ilusiones letales". ^[39] El título de la película es una referencia a la cultura icónica de Hollywood. Lynch vive cerca de Mulholland Drive y declaró en una entrevista: "De noche, viajas en la cima del mundo. Durante el día también viajas en la cima del mundo, pero es misterioso y hay un poco de miedo porque se adentra en áreas remotas. Sientes la historia de Hollywood en esa carretera". ^[16] Watts también tuvo experiencia en la carretera antes de que se estableciera su carrera: "Recuerdo haber conducido por la calle muchas veces llorando desconsoladamente en mi auto, pensando: '¿Qué estoy haciendo aquí? ' " ^[40]

El crítico Gregory Weight advierte a los espectadores contra una interpretación cínica de los eventos en la película, afirmando que Lynch presenta más que "la fachada y que él cree que solo el mal y el engaño se esconden debajo de ella". ^[41] Por mucho que Lynch haga una declaración sobre el engaño, la manipulación y las falsas pretensiones en la cultura de Hollywood, también infunde nostalgia a lo largo de la película y reconoce que el verdadero arte proviene del cine clásico, ya que Lynch eligió a Betty para rendir homenaje a los actores veteranos Ann Miller , Lee Grant y Chad Everett . También retrata a Betty como extraordinariamente talentosa y muestra que sus habilidades son notadas por personas poderosas en la industria del entretenimiento. ^[41] Al comentar sobre las posiciones contrastantes entre la nostalgia cinematográfica y la putrefacción de Hollywood, Steven Dillon escribe que Mulholland Drive es crítica de la cultura de Hollywood tanto como una condena de la " cinefilia " (la fascinación por el cine y las fantasías asociadas con él). ^[42]

Harring describió su interpretación después de ver la película: "Cuando la vi por primera vez, pensé que era la historia de los sueños, la ilusión y la obsesión de Hollywood. Toca la idea de que nada es lo que parece, especialmente la idea de ser una estrella de cine de Hollywood. La segunda y la tercera vez que la vi, pensé que trataba sobre la identidad. ¿Sabemos quiénes somos? Y luego seguí viendo cosas diferentes en ella... No hay nada correcto o incorrecto en lo que alguien saca de ella o lo que piensa que trata realmente la película. Es una película que te hace reflexionar continuamente, te hace hacer preguntas. He escuchado una y otra vez, 'Esta es una película que volveré a ver' o 'Esta es una película que tienes que ver otra vez'. Te intriga. Quieres conseguirla, pero no creo que sea una película para conseguir. Ha logrado su objetivo si te hace hacer preguntas". ^[43]

Las relaciones entre Betty y Rita, y Diane y Camilla han sido descritas de diversas maneras como "conmovedoras", "emocionantes" y "excitantes". El crítico francés Thierry Jousse, en su reseña para Cahiers du cinéma , dijo que el amor entre las mujeres representadas es "de un lirismo prácticamente sin igual en el cine contemporáneo". ^[44] En las páginas de Film Comment , Phillip Lopate afirma que el interludio romántico fundamental entre Betty y Rita se volvió conmovedor y tierno por la "comprensión de Betty por primera vez, con auto-sorpresa, de que toda su ayuda y curiosidad sobre la otra mujer tenían un objetivo: el deseo... Es un momento hermoso, que se vuelve aún más milagroso por su ternura ganada y su distancia de cualquier cosa escabrosa". ^[30] Stephanie Zacharek de la revista Salon afirmó que el "erotismo de la escena [era] tan potente que cubre toda la película, coloreando cada escena anterior y cada una de las siguientes". ^[45] Betty y Rita fueron elegidas por el Independent Film Channel como la pareja romántica emblemática de la década de 2000. El escritor Charles Taylor dijo: "Betty y Rita a menudo son encuadradas contra una oscuridad tan suave y aterciopelada que es como un nimbo flotante , listo para tragarlas si despiertan del sueño de la película. Y cuando son tragadas, cuando el humo llena el marco como si el azufre del infierno mismo estuviera oscureciendo nuestra visión, sentimos como si no solo se hubiera roto un romance, sino que la belleza del mundo hubiera sido maldecida". ^[46]

Algunos teóricos del cine han argumentado que Lynch inserta la homosexualidad en el contenido estético y temático de la película. La película no lineal es "incapaz de mantener la coherencia narrativa", como sostiene Lee Wallace, "el lesbianismo disuelve las convenciones ideológicas del realismo narrativo, operando como el punto de inflexión para los mundos narrativos en disputa dentro de la película elaboradamente tramada de Lynch". ^[47] La ​​presencia de espejos y doppelgangers a lo largo de la película "son representaciones comunes del deseo lésbico". ^[21] La codependencia en la relación entre Betty y Rita, que raya en la obsesión absoluta, se ha comparado con las relaciones femeninas en dos películas similares, Persona (1966) de Ingmar Bergman y 3 Women (1977) de Robert Altman , que también representan identidades de mujeres vulnerables que se enredan, intercambian y finalmente se fusionan: "Las parejas femeninas también se reflejan entre sí, con sus interacciones mutuas que combinan la adoración al héroe(a) con el deseo del mismo sexo". ^[48] ​​Lynch rinde homenaje directo a Persona en la escena en la que Rita se pone la peluca rubia, peinada exactamente como el cabello de Betty. Rita y Betty se miran en el espejo "llamando la atención sobre su similitud física, vinculando la secuencia con el tema del abrazo, el acoplamiento físico y la idea de fusión o duplicación". ^[21] El reflejo y los dobles, que son temas destacados a lo largo de la película, sirven para hacer aún más extraña la forma y el contenido de la película.

Varios teóricos han acusado a Lynch de perpetuar estereotipos y clichés sobre lesbianas, bisexuales y relaciones lésbicas. Rita (la femme fatale) y Betty (la colegiala) representan dos personajes lésbicos clásicos; Heather Love identifica dos clichés clave utilizados en la película: "Lynch presenta el lesbianismo en su forma inocente y expansiva: el deseo lésbico aparece como una gran aventura, una entrada a un territorio glamoroso y desconocido". ^[49] Al mismo tiempo, presenta el trágico triángulo lésbico, "en el que una mujer atractiva pero no disponible abandona a una mujer menos atractiva que se presenta como exclusivamente lesbiana", perpetuando el estereotipo de la bisexual que "termina con un hombre". ^[49] Maria San Filippo reconoce que Lynch se apoya en arquetipos clásicos del cine negro para desarrollar la traición final de Camilla: estos arquetipos "se arraigan hasta tal punto que los espectadores se dan cuenta inmediatamente de que 'Rita' no es lo que parece y que es sólo cuestión de tiempo antes de que revele su naturaleza engañosa". ^[50] Para Love, el deseo exclusivamente lésbico de Diane está "entre el éxito y el fracaso, entre la sensualidad y la abyección, incluso entre la vida y la muerte" si es rechazada. ^[49] En este contexto, el personaje de Diane puede interpretarse como el cliché de la "lesbiana trágica" que añora a la bisexual en la relación heterosexual. El análisis de Love de la película señala la peculiar respuesta de los medios al contenido lésbico de la película: "los críticos se entusiasmaron en particular y extensamente con las escenas de sexo de la película, como si hubiera un concurso para ver quién podía disfrutar más de esta representación del deseo femenino del mismo sexo". ^[49] Señala que la película utilizó un tema clásico en la literatura y el cine que describe las relaciones lésbicas: Camilla, dolorosamente bella y disponible, rechaza a Diane por Adam. La reacción popular a la película sugiere que las relaciones contrastantes entre Betty y Rita y Diane y Camilla son "entendidas como lo más caliente del mundo y, al mismo tiempo, como algo fundamentalmente triste y nada erótico" a medida que "el orden heterosexual se impone con efectos aplastantes para la mujer abandonada". ^[49]

La heterosexualidad como elemento principal es importante en la segunda mitad de la película, ya que el fin definitivo de la relación de Diane y Camilla surge del matrimonio de la pareja heterosexual. En la fiesta de Adam, comienzan a anunciar que Camilla y Adam se van a casar; entre risas y besos, la declaración se retrasa porque es obvia y esperada. El cierre heterosexual de la escena se interrumpe con un cambio de escena. Como sugiere Lee Wallace, al planear un ataque contra Camilla, "Diane evita el cierre heterosexual de la historia de la industria, pero solo pasando a su mundo narrativo, un acto que resulta fatal para ambas mujeres, ya que las relaciones de causa y efecto del thriller son fundamentalmente incompatibles con la trama del lesbianismo tal como la presenta la película". ^[47]

Para Joshua Bastian Cole, el personaje de Adam es el contraste de Diane, lo que ella nunca puede ser, razón por la cual Camilla la abandona. En su fantasía, Adam tiene su propia subtrama que conduce a su humillación. Si bien esta subtrama puede entenderse como una fantasía de venganza nacida de los celos, Cole sostiene que este es un ejemplo de la mirada transgénero de Diane: "Adam funciona como un espejo, un objeto masculino sobre el cual Diane podría proyectarse". ^[51] El contacto visual prolongado de Diane con Dan en Winkie's es otro ejemplo de la mirada trans. Para Cole, "el extraño reconocimiento de Dan por parte de Diane, que no es exactamente una identificación sino algo más, se siente trans en su línea oblicua, dibujada entre dobles imposibles" y sus nombres similares (Dan/Diane), lo cual no es un error. ^[51] Destaca que la comprensión lésbica de la película ha eclipsado las posibles interpretaciones trans; su lectura de la mirada trans de Diane es una contribución a la narrativa queer de la película .

Las representaciones que los medios dieron a Naomi Watts y Laura Elena Harring sobre sus relaciones en pantalla fueron variadas y contradictorias. Watts dijo sobre la filmación de la escena: "No lo veo como erótico, aunque tal vez se interprete de esa manera. La última vez que lo vi, de hecho tenía lágrimas en los ojos porque sabía hacia dónde iba la historia. Me rompió un poco el corazón". ^[52] Sin embargo, en otra entrevista Watts declaró: "Me sorprendió lo honesto y real que todo esto parece en la pantalla. Estas chicas parecen realmente enamoradas y fue curiosamente erótico". ^[25] Mientras que Harring fue citada diciendo: "La escena de amor simplemente sucedió ante mis ojos. Rita está muy agradecida por la ayuda que Betty le dio [a ella], así que me despedí y le dije buenas noches, gracias, desde el fondo de mi corazón, la beso y luego hay una energía que nos invade. Por supuesto que tengo amnesia, así que no sé si lo he hecho antes, pero no creo que seamos realmente lesbianas". ^[53] Heather Love estuvo de acuerdo en cierta medida con la percepción de Harring cuando afirmó que la identidad en Mulholland Drive no es tan importante como el deseo: "quiénes somos no cuenta mucho; lo que importa en cambio es lo que estamos a punto de hacer, lo que queremos hacer". ^[49]

Betty Elms (Naomi Watts) es la recién llegada a Los Ángeles, brillante y talentosa, descrita como "saludable, optimista, decidida a tomar la ciudad por asalto", ^[30] y "absurdamente ingenua". ^[54] Su actitud alegre y su intrépida actitud para ayudar a Rita porque es lo correcto recuerda a Nancy Drew para los críticos. ^{[54] [55] [56]} Al principio, toda su personalidad es un aparente cliché de ingenuidad pueblerina. Pero es la identidad de Betty, o la pérdida de ella, lo que parece ser el foco de la película. Para un crítico, Betty desempeñó el papel de la conciencia y el inconsciente de la película. ^[54] Watts, que modeló a Betty inspirándose en Doris Day , Tippi Hedren y Kim Novak , observó que Betty es una buscadora de emociones, alguien "que se encuentra en un mundo al que no pertenece y está lista para asumir una nueva identidad, incluso si es la de otra persona". ^[24] Esto también ha llevado a un teórico a concluir que, dado que Betty había entrado ingenua pero ansiosamente en el sistema de Hollywood, se había convertido en una "actriz cómplice" que había "abrazado la misma estructura que" la destruyó. ^[34] En una explicación de su desarrollo del personaje de Betty, Watts afirmó:

Por lo tanto, tuve que tomar mis propias decisiones sobre lo que esto significaba y lo que estaba atravesando este personaje, qué era un sueño y qué era la realidad. Mi interpretación podría terminar siendo completamente diferente, tanto por parte de David como de la audiencia. Pero tuve que conciliar todo eso, y la gente parece pensar que funciona. ^[57]

Betty, por difícil de creer cuando se establece su personaje, muestra una asombrosa profundidad de dimensión en su audición. ^{[38] [58]} Previamente ensayada con Rita en el apartamento, donde Rita le da sus líneas de manera inexpresiva, la escena es "basura" ^[30] y "hueca; cada línea indigna del compromiso genuino de una actriz", y Betty la interpreta en el ensayo tan mal como está escrita. ^[58] Nerviosa pero valiente como siempre en la audición, Betty entra en la habitación abarrotada, pero cuando se encuentra a centímetros de su compañero de audición (Chad Everett), la convierte en una escena de poderosa tensión sexual que controla por completo y atrae a cada persona en la habitación. La sexualidad se erosiona inmediatamente cuando la escena termina y ella se queda de pie frente a ellos tímidamente esperando su aprobación. Un analista de cine afirma que la habilidad previamente desconocida de Betty se roba el show, específicamente, quitándole el oscuro misterio a Rita y asignándoselo a ella misma, y ​​el uso que hace Lynch de esta escena ilustra su uso del engaño en sus personajes. ^[58] La capacidad de actuación de Betty incita a Ruth Perlmutter a especular si Betty está actuando el papel de Diane en un sueño o en una parodia de una película que finalmente se vuelve en su contra. ^[31]

Rita (Harring) es la misteriosa e indefensa víctima aparente, una clásica femme fatale con su apariencia oscura y sorprendentemente hermosa. Roger Ebert quedó tan impresionado con Harring que dijo de ella que "todo lo que tiene que hacer es quedarse allí parada y es el primer buen argumento en 55 años para una nueva versión de Gilda ". ^[55] Ella sirve como objeto de deseo, directamente opuesta a la brillante seguridad en sí misma de Betty. También es el primer personaje con el que el público se identifica, y como los espectadores solo la conocen como confundida y asustada, sin saber quién es ni adónde va, representa su deseo de dar sentido a la película a través de su identidad. ^[59] En lugar de amenazarla, inspira a Betty a cuidarla, consolarla y ayudarla. Su amnesia la convierte en una persona vacía, que un crítico señala es "el vacío que viene con la belleza extraordinaria y la voluntad del espectador de proyectar cualquier combinación de angelical y diabólico sobre ella". ^[30] Un análisis del personaje de Rita afirma que sus acciones son las más genuinas de la primera parte de la película, ya que no tiene memoria ni nada que usar como marco de referencia para saber cómo comportarse. ^[29] Sin embargo, Todd McGowan, autor de un libro sobre temas en las películas de Lynch, afirma que la primera parte de Mulholland Drive puede interpretarse como la fantasía de Rita, hasta que se revela a Diane Selwyn; Betty es el objeto que supera la ansiedad de Rita por su pérdida de identidad. ^[60] Según el historiador de cine Steven Dillon, Diane hace la transición de una ex compañera de habitación a Rita: después de una escena tensa en la que la compañera de habitación recoge sus pertenencias restantes, Rita aparece en el apartamento, sonriéndole a Diane. ^[42]

Después de que Betty y Rita encuentran el cuerpo en descomposición, huyen del apartamento y sus imágenes se separan y se reintegran. David Roche señala que la falta de identidad de Rita provoca un colapso que "ocurre no solo a nivel del personaje sino también a nivel de la imagen; la toma está sujeta a efectos especiales que fragmentan su imagen y sus voces se ahogan en la reverberación, la cámara parece escribir el estado mental de los personajes". ^[35] Inmediatamente regresan al apartamento de la tía de Betty, donde Rita se pone una peluca rubia, aparentemente para disfrazarse, pero que la hace lucir notablemente como Betty. Es esta transformación lo que un analista de cine sugiere que es la fusión de ambas identidades. Esto se apoya en pistas visuales, como ángulos de cámara particulares que hacen que sus rostros parezcan fusionarse en uno. Esto se ilustra aún más poco después por su intimidad sexual, seguida por la personalidad de Rita que se vuelve más dominante cuando insiste en que vayan al Club Silencio a las 2 am, lo que finalmente conduce a la dominación total por parte de Camilla. ^[39]

Diane Selwyn (Watts) es la mujer palpablemente frustrada y deprimida, que parece haberse aprovechado de Camilla, a quien idolatra y adora, pero que no le corresponde su afecto. Se la considera la realidad de la Betty demasiado buena para ser verdad, o una versión posterior de Betty después de vivir demasiado tiempo en Hollywood. ^[5] Para Steven Dillon, la trama de la película "convierte a Rita en el recipiente vacío perfecto para las fantasías de Diane", pero como Rita es solo una "chica de portada en blanco", Diane se ha "invertido en el vacío", lo que la lleva a la depresión y aparentemente al suicidio. ^[61] Por lo tanto, Diane es la personificación de la insatisfacción, dolorosamente ilustrada cuando es incapaz de alcanzar el clímax mientras se masturba, en una escena que indica "a través de tomas borrosas y entrecortadas del muro de piedra, no solo sus lágrimas y humillación, sino la desintegración de su fantasía y su creciente deseo de venganza". ^[33] Un análisis de Diane sugiere que su devoción por Camilla se basa en una manifestación de narcisismo , ya que Camilla encarna todo lo que Diane quiere y quiere ser. ^[62] Aunque se la retrata como débil y la perdedora definitiva, para Jeff Johnson, autor de un libro sobre la moralidad en las películas de Lynch, Diane es el único personaje de la segunda parte de la película cuyo código moral permanece intacto. Ella es "una persona decente corrompida por los malhechores diversos que pueblan la industria cinematográfica". ^[63] Su culpa y arrepentimiento son evidentes en su suicidio y en las pistas que surgen en la primera parte de la película. El miedo de Rita, el cadáver y la ilusión en el Club Silencio indican que algo está oscuro y mal en el mundo de Betty y Rita. Al liberarse de Camilla, su condicionamiento moral la mata. ^[64]

Camilla Rhodes (Melissa George, Laura Elena Harring) es poco más que un rostro en una foto y un nombre que ha inspirado a muchos representantes de algún poder vagamente amenazante a colocarla en una película en contra de los deseos de Adam. Un crítico la describió como una "chica insulsa" ^[65] , pero apenas causa una buena impresión en la primera parte de la película, pero después de que se abre la caja azul y es interpretada por Harring, se convierte en una persona completa que simboliza "traición, humillación y abandono", ^[30] y es el objeto de la obsesión y frustración sexual de Diane. Diane es un marcado contraste con Camilla, que es más voluptuosa que nunca y parece haber "sorbido la vida de Diane". ^[49] Inmediatamente después de decirle a Diane que "la vuelve loca", Camilla le dice que deben terminar su relación. En un set de filmación en el que Adam dirige a Camilla, ordena que se despeje el lugar, excepto para Diane (a pedido de Camilla), donde Adam le muestra a otro actor cómo besar a Camilla correctamente. En lugar de castigar a Camilla por tal humillación pública, como sugiere la conversación de Diane con el asesino torpe, un crítico ve a Rita como la representación vulnerable del deseo de Diane por Camilla. ^[66]

Adam Kesher (Justin Theroux) se presenta en la primera parte de la película como un director "vagamente arrogante", ^[67] pero aparentemente exitoso, que soporta una humillación tras otra. Theroux dijo sobre su papel: "Es una especie de personaje único en la película que no sabe qué diablos está pasando. Creo que es el único tipo al que el público le dice: 'Soy un poco como tú ahora mismo. No sé por qué estás siendo sometido a todo este dolor ' " . ^[68] Después de ser despojado del control creativo de su película, el limpiador de piscinas (interpretado por Billy Ray Cyrus ) le pone los cuernos y lo echa de su propia casa opulenta en lo alto de Hollywood. Después de registrarse en un motel de mala muerte y pagar en efectivo, el gerente llega para decirle que su crédito no es bueno. Ante la mirada de Diane, Adam es pomposo y engreído. Es el único personaje cuya personalidad no parece cambiar por completo de la primera parte de la película a la segunda. ^[69] Un análisis del personaje de Adam sostiene que debido a que capituló y eligió a Camilla Rhodes para su película, ese es el fin de la alegría de Betty y la capacidad de ayudar a Rita, echando la culpa de su tragedia a los representantes del poder del estudio. ^[39] Otro análisis sugiere que "Adam Kesher no tiene el control, quiere y está dispuesto a pasar por encima de quién o qué sea necesario para consolidar su carrera. Hambriento de poder, utiliza la apariencia del amor o la seducción solo como una herramienta más. El amor por el poder justifica que todo lo demás se olvide, ya sea el orgullo, el amor o cualquier otra consideración. No hay remordimientos, es Mulholland Drive en Los Ángeles". ^[70]

Entre los personajes secundarios se encuentran El Vaquero (Monty Montgomery), los Hermanos Castigliani (Dan Hedaya y Angelo Badalamenti) y el Sr. Roque (Michael J. Anderson), todos ellos de alguna manera involucrados en presionar a Adam para que escoja a Camilla Rhodes en su película. Estos personajes representan la muerte de la creatividad para los estudiosos del cine, ^{[62] [71]} y retratan una "visión de la industria como un sistema jerárquico cerrado en el que la fuente última de poder permanece oculta detrás de una serie de representantes". ^[54] Ann Miller interpreta a Coco, la casera que da la bienvenida a Betty a su maravilloso nuevo apartamento. Coco, en la primera parte de la película, representa a la vieja guardia de Hollywood, que da la bienvenida y protege a Betty. En la segunda parte de la película, sin embargo, aparece como la madre de Adam, que regaña con impaciencia a Diane por llegar tarde a la fiesta y apenas presta atención a la vergonzosa historia de Diane sobre cómo se inició en la actuación. ^[62]

Se ha escrito mucho sobre el estilo cinematográfico de David Lynch, con descripciones como "ultraextraño", ^[45] "oscuro" ^[39] y "extraño". ^[72] Todd McGowan escribe: "No se puede ver una película de Lynch de la misma manera que se ve una película negra estándar de Hollywood ni de la misma manera que se ven las películas más radicales". ^[73] A través de la yuxtaposición de clichés y surrealismo, pesadillas y fantasías, líneas argumentales no lineales, trabajo de cámara, sonido e iluminación, Lynch presenta una película que desafía a los espectadores a suspender la creencia de lo que están experimentando. ^[38] Muchos de los personajes de Mulholland Drive son arquetipos que solo pueden percibirse como clichés: la nueva promesa de Hollywood, la femme fatale, el director inconformista y los poderosos turbios que Lynch nunca parece explorar por completo. ^[49] Lynch coloca a estos personajes a menudo trillados en situaciones extremas, creando cualidades oníricas. Al utilizar estos personajes en escenarios que tienen componentes y referencias a sueños, fantasías y pesadillas, los espectadores tienen que decidir, entre los extremos, qué es la realidad. Una analista cinematográfica, Jennifer Hudson, escribe sobre él: "Como la mayoría de los surrealistas, el lenguaje de lo inexplicable de Lynch es el lenguaje fluido de los sueños". ^[29]

David Lynch utiliza varios métodos de engaño en Mulholland Drive . Una figura sombría llamada Mr. Roque, que parece controlar los estudios cinematográficos, es interpretada por el actor enano Michael J. Anderson (también de Twin Peaks ). Anderson, que solo tiene dos líneas y está sentado en una enorme silla de ruedas de madera, fue equipado con brazos y piernas protésicos de espuma de gran tamaño para retratar su cabeza como anormalmente pequeña. ^[74] Durante la fiesta de Adam y Camilla, Diane observa a Camilla (interpretada por Harring) con Adam en un brazo, inclinarse y besar profundamente a la misma mujer que apareció como Camilla (Melissa George) antes de que se abriera la caja azul. Ambos se giran y sonríen intencionadamente a Diane. El crítico de cine Franklin Ridgway escribe que la representación de un acto tan deliberado "cruel y manipulador " no deja claro si Camilla es tan caprichosa como parece, o si la paranoia de Diane está permitiendo que la audiencia solo vea lo que ella siente. ^[62] En una escena inmediatamente posterior a la audición de Betty, la película muestra a una mujer cantando sin acompañamiento aparente, pero cuando la cámara se aleja, el público ve que se trata de un estudio de grabación. En realidad, se trata de un plató de sonido al que Betty acaba de llegar para encontrarse con Adam Kesher, como se da cuenta el público cuando la cámara se aleja aún más. Ridgway insiste en que ese engaño mediante un trabajo de cámara ingenioso llena al espectador de dudas sobre lo que se está presentando: "Es como si la cámara, en su elegante fluidez de movimiento, nos asegurara que (cree que) ve todo, que tiene todo bajo control, incluso si nosotros (y Betty) no lo hacemos". ^[62]

Según Stephen Dillon, el uso que hace Lynch de diferentes posiciones de cámara a lo largo de la película, como puntos de vista cámara en mano, hace que el espectador "se identifique con el suspenso del personaje en su espacio particular", pero que Lynch en momentos también "desconecta la cámara de cualquier punto de vista particular, desconectando así una perspectiva única o incluso humana" de modo que las múltiples perspectivas impiden que los contextos se fusionen, perturbando significativamente "nuestro sentido de lo individual y lo humano". ^[75] Andrew Hageman señala de manera similar que el trabajo de cámara en la película "genera una sensación muy perturbadora de lugar y presencia", como la escena en Winkie's donde la "cámara flota irregularmente durante el diálogo plano-contraplano" por el cual el "espectador se da cuenta de que un conjunto de planos normalmente objetivos se han vuelto inquietantemente subjetivos". ^[34] El académico Curt Hersey reconoce varias técnicas de vanguardia utilizadas en la película, incluyendo la falta de transiciones, transiciones abruptas, velocidad de movimiento, movimiento de cámara no tradicional, imágenes generadas por computadora , imágenes no diegéticas, narración no lineal e intertextualidad . ^[76]

La primera parte de la película, que establece los personajes de Betty, Rita y Adam, presenta una de las realizaciones cinematográficas más lógicas de la carrera de Lynch. ^{[29] [77]} Sin embargo, la última parte de la película, que representa la realidad para muchos espectadores, exhibe un marcado cambio en el efecto cinematográfico que le da una calidad tan surrealista como la primera parte. Las escenas de Diane presentan una edición más entrecortada y una iluminación más sucia que simbolizan su empobrecimiento físico y espiritual, ^[39] lo que contrasta con la primera parte de la película donde "incluso la decoración más sencilla parece brillar", Betty y Rita brillan con luz y las transiciones entre escenas son suaves. ^[78] Lynch se mueve entre escenas en la primera parte de la película utilizando tomas panorámicas de las montañas, palmeras y edificios de Los Ángeles. En la parte más oscura de la película, el sonido pasa a la siguiente escena sin una referencia visual de dónde está ocurriendo. En la fiesta de Camilla, cuando Diane está más humillada, se oye el sonido de platos chocando que lleva inmediatamente a la escena donde los platos han caído en el restaurante, y Diane está hablando con el asesino. Sinnerbrink también señala que varias escenas de la película, como la que muestra la alucinación de Camilla por parte de Diane después de que Diane se despierta, la imagen del ser detrás de Winkie's después del suicidio de Diane, o la "repetición, inversión y desplazamiento de elementos que estaban configurados de manera diferente" en la primera parte de la película, crean el efecto extraño donde a los espectadores se les presentan personajes o situaciones familiares en tiempos o lugares alterados. ^[33] De manera similar, Hageman ha identificado la primera escena en Winkie's como "extremadamente extraña", porque es una escena donde los "límites que separan la realidad física de las realidades imaginarias del inconsciente se desintegran". ^[34] El autor Valtteri Kokko ha identificado tres grupos de "metáforas extrañas"; el doble de múltiples personajes interpretados por los mismos actores, sueños y un objeto cotidiano (principalmente la caja azul) que inicia la desaparición de Rita y la vida real de Diane. ^[79]

Otro elemento recurrente en las películas de Lynch es su experimentación con el sonido. En una entrevista afirmó: "Miras la imagen y la escena en silencio, está haciendo el trabajo que se supone que debe hacer, pero el trabajo no está hecho. Cuando empiezas a trabajar en el sonido, sigues trabajando hasta que parezca correcto. Hay tantos sonidos incorrectos y al instante lo sabes. A veces es realmente mágico". ^[80] En la escena inicial de la película, cuando la mujer de cabello oscuro tropieza en Mulholland Drive, en silencio sugiere que es torpe. Sin embargo, después de que Lynch añadiera "un toque de vapor [del accidente] y los niños gritando", transformó a Laura Elena Harring de torpe a aterrorizada. ^[67] Lynch también infundió retumbos sutiles en partes de la película que, según los críticos, añadieron efectos inquietantes y espeluznantes. ^[81] Hageman también identifica un "sonido ambiental perpetuo y extraño", y pone un énfasis particular en la escena donde el hombre se derrumba detrás de Winkie's mientras el sonido normal es ahogado por un rugido zumbante, señalando que el ruido "crea una disonancia y un suspenso que atrae al espectador como detective para ubicar el sonido y restablecer el orden". ^{[34] El final} de Mulholland Drive con la mujer en el Club Silencio susurrando es un ejemplo del engaño auditivo y la surrealidad de Lynch, según Ruth Perlmutter, quien escribe: "La actuación, los sueños, la búsqueda de identidad, los miedos y terrores del yo indefinido terminan cuando la película termina, y por lo tanto, solo hay silencio y enigma". ^[31]

Concebida originalmente como una serie de televisión, Mulholland Drive comenzó como un piloto de 90 minutos producido para Touchstone Television y destinado a la cadena de televisión ABC . Tony Krantz , el agente responsable del desarrollo de Twin Peaks , estaba "entusiasmado" con la idea de hacer otra serie de televisión. Lynch vendió la idea a los ejecutivos de ABC basándose únicamente en la historia de Rita saliendo del accidente de coche con su bolso que contenía 125.000 dólares en efectivo y la llave azul, y Betty tratando de ayudarla a averiguar quién era. Un ejecutivo de ABC recordó: "Recuerdo lo espeluznante que era esta mujer en este horrible, horrible accidente, y a David burlándose de nosotros con la idea de que la gente la estaba persiguiendo. No sólo está 'en' problemas, ella está en problemas. Obviamente, preguntamos: '¿Qué pasa después?' Y David dijo: 'Tienes que comprar el discurso para que te lo diga ' " . Lynch le mostró a ABC un borrador del piloto. La persona que lo vio, según Lynch, lo estaba viendo a las seis de la mañana y estaba tomando café y de pie. Odiaba el piloto y ABC lo canceló inmediatamente. Pierre Edleman, un amigo de París, vino a visitarlo y empezó a hablar con él sobre la posibilidad de que la película fuera un largometraje. Edleman regresó a París. Canal+ quería darle dinero a Lynch para convertirla en un largometraje y tardaron un año en negociar. ^{[82] [83]}

Lynch describió el atractivo de la idea de un piloto, a pesar de saber que el medio de la televisión sería restrictivo: "Soy un tonto por una historia continua... Teóricamente, puedes conseguir una historia muy profunda y puedes llegar tan profundo y abrir el mundo tan hermosamente, pero lleva tiempo hacer eso". ^[80] La historia incluía elementos surrealistas , muy parecidos a la serie anterior de Lynch, Twin Peaks . Se sentaron las bases para los arcos argumentales , como el misterio de la identidad de Rita, la carrera de Betty y el proyecto cinematográfico de Adam Kesher. ^[84]

La actriz Sherilyn Fenn declaró en una entrevista de 2014 que la idea original surgió durante el rodaje de Twin Peaks , como una película derivada de su personaje de Audrey Horne . ^[85]

Lynch eligió a Naomi Watts y Laura Harring por sus fotografías. Las llamó por separado para entrevistas de media hora y les dijo que no había visto ninguno de sus trabajos anteriores en cine o televisión. ^[86] Harring consideró fatídico que estuviera involucrada en un pequeño accidente automovilístico de camino a la primera entrevista, solo para enterarse de que su personaje también estaría involucrado en un accidente automovilístico en la película. ^[87] Watts llegó con jeans para la primera entrevista, directamente desde el avión desde la ciudad de Nueva York. Lynch le pidió que regresara al día siguiente "más glamorosa". Le ofrecieron el papel dos semanas después. Lynch explicó su selección de Watts: "Vi a alguien que sentí que tenía un talento tremendo, y vi a alguien que tenía un alma hermosa, una inteligencia, posibilidades para muchos papeles diferentes, así que fue un paquete completo hermoso". ^[40] Justin Theroux también conoció a Lynch directamente después de su vuelo en avión. Después de un largo vuelo con poco sueño, Theroux llegó vestido todo de negro, con el cabello despeinado. A Lynch le gustó el look y decidió elegir a Adam con ropa similar y el mismo peinado. ^[68]

El rodaje del piloto de televisión comenzó en Los Ángeles en febrero de 1999 y duró seis semanas. Finalmente, la cadena no quedó satisfecha con el piloto y decidió no incluirlo en su programación. ^{[88] [89]} Entre las objeciones se encontraban la historia no lineal, las edades de Harring y Watts (a quienes consideraban demasiado mayores), el hecho de que el personaje de Ann Miller fumara cigarrillos y una toma de primer plano de heces de perro en una escena. Lynch recordó: "Todo lo que sé es que me encantó hacerlo, a ABC le desagradó y no me gusta el corte que entregué. Estuve de acuerdo con ABC en que el corte más largo era demasiado lento, pero me vi obligado a destrozarlo porque teníamos una fecha límite y no había tiempo para retocar nada. Perdió textura, grandes escenas y tramas, y hay 300 copias en cinta de la versión mala circulando por ahí. Mucha gente la ha visto, lo que es vergonzoso, porque también son cintas de mala calidad. No quiero pensar en eso". ^[90]

El guion fue reescrito y ampliado más tarde cuando Lynch decidió transformarlo en un largometraje. Al describir la transición de un piloto abierto a un largometraje con una especie de resolución, Lynch dijo: "Una noche, me senté, surgieron las ideas y fue una experiencia muy hermosa. Todo se vio desde un ángulo diferente... Ahora, mirando hacia atrás, veo que [la película] siempre quiso ser así. Solo hizo falta este extraño comienzo para que fuera lo que es". ^[16] El resultado fueron dieciocho páginas adicionales de material que incluían la relación romántica entre Rita y Betty y los eventos que ocurrieron después de que se abrió la caja azul. Watts se sintió aliviada de que ABC abandonara el piloto. Encontró que Betty era demasiado unidimensional sin la parte más oscura de la película que se armó después. ^[24] La mayoría de las nuevas escenas se filmaron en octubre de 2000, financiadas con $ 7 millones de la productora francesa StudioCanal . ^[86]

Theroux describió cómo se enfrentó al rodaje sin entender del todo la trama: "Te llega el guion completo, pero él bien podría retener las escenas en las que no estás, porque el conjunto resulta ser más desconcertante que las partes. David acepta las preguntas, pero no responde a ninguna de ellas... Trabajas como con los ojos medio vendados. Si fuera un director debutante y no hubiera demostrado ningún dominio de este método, probablemente tendría mis reservas. Pero obviamente le funciona". ^[18] Theroux señaló que la única respuesta que dio Lynch fue que estaba seguro de que el personaje de Theroux, un director de Hollywood, no estaba destinado a ser Lynch. Watts declaró que ella trató de engañar a Lynch fingiendo que tenía la trama resuelta, y que él se deleitaba con la frustración del elenco. ^[86]

"No voy a mentir: me sentí muy vulnerable", dijo Laura Harring sobre el rodaje de la escena de sexo entre los personajes de Harring y Watts. "Estaba en mi camerino y estaba al borde de las lágrimas. Es duro. Hay mucha gente allí... Naomi y yo éramos amigas. Fue bastante incómodo". ^[91]

La banda sonora de Mulholland Drive fue supervisada por Angelo Badalamenti , quien colaboró ​​en proyectos anteriores de Lynch, Blue Velvet y Twin Peaks . ^[93] Badalamenti, quien fue nominado a premios del American Film Institute (AFI) y la British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) por su trabajo en la película, ^{[94] [95]} también tiene un cameo como aficionado al espresso y mafioso.

Los críticos señalan que la siniestra banda sonora de Badalamenti, descrita como la "más oscura hasta ahora", ^[96] contribuye a la sensación de misterio cuando la película comienza en la limusina de la mujer de cabello oscuro, ^[97] que contrasta con los tonos brillantes y esperanzadores de la primera llegada de Betty a Los Ángeles, ^[93] con la banda sonora "actuando como una guía emocional para el espectador". ^[96] El periodista de música de cine Daniel Schweiger señala que la contribución de Badalamenti a la banda sonora alterna desde el "miedo de cuerdas casi inmóviles hasta el jazz negro y la retroalimentación de audio ", con "los ritmos que se acumulan hasta una explosión de oscuridad infinita". ^[98] Badalamenti describió una técnica particular de diseño de sonido aplicada a la película, mediante la cual le proporcionaría a Lynch múltiples pistas de diez a doce minutos a un ritmo lento, que llamaron "leña", ^[98] de las cuales Lynch "tomaría fragmentos y experimentaría con ellos, lo que daría como resultado muchos de los paisajes sonoros inquietantes de la película". ^[96]

Lynch utiliza dos canciones pop de los años 60 directamente una tras otra, que se reproducen mientras dos actrices hacen una audición haciendo playback . Según un analista de la música utilizada en las películas de Lynch, los personajes femeninos de Lynch a menudo no pueden comunicarse a través de los canales normales y se ven reducidos a hacer playback o ser reprimidos de alguna otra manera. ^{[99] "} Sixteen Reasons " de Connie Stevens es la canción que se canta mientras la cámara se desplaza hacia atrás para revelar varias ilusiones, y la versión de Linda Scott de " I've Told Ev'ry Little Star " es la audición para la primera Camilla Rhodes, que el estudioso del cine Eric Gans considera una canción de empoderamiento para Betty. ^[100] Originalmente escrita por Jerome Kern como un dueto, cantada por Linda Scott en esta interpretación por sí misma, Gans sugiere que adquiere un tono homosexual en Mulholland Drive . ^[100] Sin embargo, a diferencia de "Sixteen Reasons", partes de "I've Told Ev'ry Little Star" están distorsionadas para sugerir "una identidad sonora dividida" para Camilla. ^[99] Cuando suena la canción, Betty acaba de entrar al estudio de sonido donde Adam está audicionando actrices para su película, y ve a Adam, lo mira fijamente y huye abruptamente después de que Adam haya declarado "Esta es la chica" sobre Camilla, evitando así su inevitable rechazo.

En el eje central de la película hay una escena en un inusual teatro nocturno llamado Club Silencio donde un intérprete anuncia " No hay banda (no hay banda) ... pero aun así escuchamos una banda", variando entre inglés, español y francés. Descrita como "la secuencia más original e impactante en una película original e impactante", ^{[39] la interpretación} a capela en español de Rebekah Del Rio de " Crying ", llamada "Llorando", es elogiada como "sorprendente ... excepto que no hay espectáculo que pare" en el escasamente concurrido Club Silencio. ^[54] Lynch quería usar la versión de Roy Orbison de "Crying" en Blue Velvet , pero cambió de opinión cuando escuchó " In Dreams " de Orbison. ^[16] Del Rio, quien popularizó la versión en español y que recibió su primer contrato de grabación sobre la base de la canción, declaró que Lynch voló a Nashville donde ella vivía, y ella cantó la canción para él una vez y no sabía que la estaba grabando. Lynch escribió una parte para ella en la película y usó la versión que ella cantó para él en Nashville. ^[101] La canción canta trágicamente a las amantes Betty y Rita, quienes se sientan hechizadas y llorando, momentos antes de que su relación desaparezca y sea reemplazada por la disfunción de Diane y Camilla. Según un estudioso del cine, la canción y toda la escena teatral marcan la desintegración de las personalidades de Betty y Rita, así como su relación. ^[39] Con el uso de múltiples idiomas y una canción para retratar emociones tan primarias, un analista de cine afirma que Lynch exhibe su desconfianza en el discurso intelectual y elige dar sentido a través de imágenes y sonidos. ^[29] El efecto desorientador de la música que suena aunque Del Río ya no está allí se describe como "la versión musical de la pintura de Magritte Ceci n'est pas une pipe ". ^[102]

Mulholland Drive se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2001 en mayo y recibió grandes elogios de la crítica. Lynch recibió el premio al Mejor Director en el festival, que compartió con el co-ganador Joel Coen por El hombre que nunca estuvo allí . ^[103] Recibió críticas positivas de muchos críticos y algunas de las reacciones del público más fuertes de la carrera de Lynch.

La película se publicitó con carteles crípticos que llevaban la abreviatura "Mulholland Dr."

Universal Pictures estrenó Mulholland Drive en 66 salas de cine de Estados Unidos el 12 de octubre de 2001, recaudando 587.591 dólares en su primer fin de semana. Con el tiempo, se estrenó en 247 salas, con lo que recaudó 7.220.243 dólares en taquilla en Estados Unidos. TVA Films estrenó la película en Canadá el 26 de octubre de 2001. En otros territorios fuera de Estados Unidos, la película recaudó 12.897.096 dólares, lo que supone un total mundial de 20.117.339 dólares en el estreno original de la película, además de sumas mucho menores en relanzamientos posteriores. ^[14]

Desde su estreno, Mulholland Drive ha recibido "tanto algunos de los epítetos más duros como algunos de los elogios más generosos en la historia cinematográfica reciente". ^[104] En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación de aprobación del 84% basada en 262 reseñas, con una calificación promedio de 7.8/10. El consenso crítico del sitio web dice: "La onírica y misteriosa Mulholland Drive de David Lynch es un neo-noir retorcido con una estructura poco convencional que presenta una actuación fascinante de Naomi Watts como una mujer en los márgenes oscuros de Hollywood". ^[22] En Metacritic , que asigna una calificación normalizada a las reseñas, la película tiene una puntuación promedio ponderada de 87 sobre 100 basada en 37 críticos, lo que indica "aclamación universal". ^[105]

Roger Ebert, del Chicago Sun-Times , que a menudo había desdeñado el trabajo de Lynch, le otorgó a la película cuatro estrellas de cuatro, escribiendo: "David Lynch ha estado trabajando para Mulholland Drive toda su carrera, y ahora que ha llegado allí lo perdono por Corazón salvaje e incluso Carretera perdida . Por fin su experimento no hace añicos los tubos de ensayo. La película es un paisaje onírico surrealista en forma de cine negro de Hollywood , y cuanto menos sentido tiene, más no podemos dejar de verla". ^[55] En The New York Times , Stephen Holden escribió que la película "se sitúa junto a 8½ de Fellini y otras fantasías de autor como una autorreflexión monumental" y agregó: "Mirada a la ligera, es el carnaval cinematográfico más grandioso y tonto que haya surgido en mucho tiempo... en un nivel más serio, su investigación sobre el poder de las películas perfora un vacío desde el cual se pueden escuchar los gritos de un demonio voraz cuyos apetitos nunca pueden ser saciados". ^[5] Edward Guthmann del San Francisco Chronicle lo llamó "estimulante... por sus imágenes oníricas y su imaginación feroz, frecuentemente temeraria" y agregó, "hay una cualidad hipnótica en su ritmo lánguido, su sensación de aprensión y su atmósfera perdida en el tiempo... nos mantiene, hechizados y divertidos, durante todos sus locos y deliciosos, exasperantes 146 minutos [y] demuestra que Lynch está en forma sólida, y sigue siendo un experto en pinchar nuestros nervios". ^[106]

En Rolling Stone , Peter Travers observó: " Mulholland Drive hace que las películas vuelvan a sentirse vivas. Este placer pecaminoso es un nuevo triunfo para Lynch y una de las mejores películas de un año lamentable. Para la osadía visionaria, el erotismo deslumbrante y los colores que resaltan como el brillo de labios de una prostituta, no hay nada como esta belleza en ningún lado". ^[107] J. Hoberman de The Village Voice afirmó: "Esta voluptuosa fantasmagoría... es sin duda la película más fuerte de Lynch desde Blue Velvet y tal vez Eraserhead . Las mismas cosas que le fallaron en la debacle del rockabilly de chico malo de Lost Highway -la atmósfera de amenaza flotante, transmigración sin sentido de almas, puntos de trama provocadoramente descartados, universos alternativos de mala calidad- están aquí brillantemente rehabilitados". ^[36] AO Scott del New York Times escribió que, si bien algunos podrían considerar la trama como una "ofensa contra el orden narrativo", la película es "una liberación embriagadora del sentido, con momentos de sentimiento aún más poderosos por parecer emerger del turbio mundo nocturno del inconsciente". ^[108]

Mulholland Drive no estuvo exenta de detractores. Rex Reed, de The New York Observer, dijo que era la peor película que había visto en 2001, calificándola de "un montón de basura estúpida e incoherente". ^[109] En New York , Peter Rainer observó: "Aunque me gusta más que algunas de sus otras películas de ensueño, sigue siendo un viaje bastante moribundo... Lynch necesita renovarse con un influjo del profundo sentimiento que tiene por la gente, por los marginados, y dejar de lado a los cretinos, duendes y zombis por un tiempo". ^[110] En The Washington Post , Desson Howe la llamó "una ópera de estado de ánimo extendida, si quieres ponerle una etiqueta artística a la incoherencia". ^[111] Todd McCarthy de Variety encontró mucho que elogiar: "Lynch aumenta los niveles de humor extraño, incidente dramático y misterio genuino con una sucesión de escenas memorables, algunas de las cuales están a la altura de sus mejores"; pero también señaló que "la película salta del terreno sólido de la coherencia narrativa relativa hacia el mundo de la fantasía lynchiana... durante los últimos 45 minutos, Lynch está en un modo de torsión mental que presenta una forma de realidad alternativa sin significado aparente o conexión lógica con lo que vino antes. Aunque tales tácticas son familiares en Twin Peaks y en otros lugares, el cambio repentino a los juegos mentales es decepcionante porque, hasta este punto, Lynch había tenido un éxito maravilloso en crear una participación genuina". ^[77] James Berardinelli también lo criticó, diciendo: "Lynch engaña a su audiencia, quitándonos la alfombra de debajo de nuestros pies. Arroja todo a la mezcla con el único objetivo de confundirnos. Nada tiene sentido porque no se supone que tenga sentido. No hay ningún propósito ni lógica en los eventos. Lynch nos está gastando una gran broma". ^[112] El teórico cinematográfico Ray Carney señala: "No necesitarías todos esos saltos emocionales y trampas narrativas si tuvieras algo que decir. No necesitarías dobles y figuras de sombras si tus personajes tuvieran alma". ^[113]

Más tarde, Mulholland Drive fue nombrada la mejor película de la década por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles , ^[114] Cahiers du cinéma , ^[115] IndieWire , ^[116] Slant Magazine , ^[117] Reverse Shot , ^[118] The Village Voice ^[119] y Time Out New York , quienes preguntaron retóricamente en referencia a los ataques del 11 de septiembre : "¿Puede haber otra película que hable de manera tan resonante, aunque involuntariamente, del terrible momento que marcó nuestra década? ... Mulholland Drive es el monstruo detrás del restaurante; es el sueño autodelirante convertido en pesadilla". ^[120] También fue votada como la mejor de la década en una encuesta de Film Comment a "críticos, programadores, académicos, cineastas y otros" internacionales, ^[121] y por los lectores de la revista. ^[122] Apareció en listas entre las diez mejores películas de la década, quedando en tercer lugar según The Guardian , ^{[123] el crítico} de Rolling Stone Peter Travers, ^[124] Canadian Press, ^[125] el crítico de Access Hollywood Scott Mantz , ^[126] y octavo en la lista del crítico Michael Phillips . ^[127] En 2010 fue nombrada la segunda mejor película de arte y ensayo de la historia por The Guardian . ^[128] La película fue votada como la undécima mejor película ambientada en Los Ángeles en los últimos 25 años por un grupo de escritores y editores de Los Angeles Times con el criterio principal de comunicar una verdad inherente sobre la experiencia de Los Ángeles. ^{[129] La revista} Empire colocó a Mulholland Drive en el número 391 en su lista de las quinientas mejores películas de la historia. ^[130] También ha sido clasificada en el número 38 en el programa de Channel 4 50 Films to See Before You Die . ^[131] En 2011, la revista en línea Slate nombró a Mulholland Drive en su artículo sobre "Nuevos clásicos" como la película más duradera desde 2000. ^[132] Ebert agregó Mulholland Drive a su canon de "Grandes películas": "David Lynch ama las películas, los géneros, los arquetipos y las tomas obligatorias. Mulholland Drive"El cine negro emplea las convenciones del cine negro en una forma pura. Una definición útil del cine negro es que trata sobre personajes que han cometido un crimen o un pecado, están inmersos en la culpa y temen recibir lo que merecen. Otra es que no han hecho nada malo, pero sin embargo parece que lo han hecho. La segunda describe la trama favorita de Hitchcock , el inocente injustamente acusado. La primera describe el dilema central de Mulholland Dr. Sin embargo, flota en un espacio psíquico incómodo, sin definir nunca quién pecó. La película evoca el sentimiento de culpa del cine negro sin vincularse nunca a nada específico. Un truco ingenioso. Cine puro". ^[133]

En la encuesta Sight & Sound de 2012 del British Film Institute , Mulholland Drive fue clasificada como la 28.ª mejor película jamás realizada, y en la encuesta de 2022, su clasificación subió al octavo lugar. ^{[134] [135]} Habiendo recibido 40 votos de los críticos, es una de las dos únicas películas del siglo XXI incluidas en la lista, junto con In the Mood for Love de 2000. En una encuesta de la BBC de 2015 , ocupó el puesto 21 entre todas las películas estadounidenses. ^[136] Al año siguiente, Mulholland Drive fue nombrada como la mejor película del siglo XXI en una encuesta realizada por BBC Culture . ^[137] En julio de 2021, la versión restaurada en 4K de Mulholland Drive se mostró en la sección Cannes Classics en el Festival de Cine de Cannes de 2021. ^{[138] [139]}

La película fue lanzada en formato VHS y DVD por Universal Studios Home Video el 9 de abril de 2002, ^[140] en Estados Unidos y Canadá, con pocas características especiales. Fue lanzada sin paradas de capítulos, una característica a la que Lynch se opone porque considera que "desmitifica" la película. ^[141]

Nick Coccellato de Eccentric Cinema le dio a la película una calificación de nueve sobre diez y al lanzamiento en DVD un ocho sobre diez, diciendo que la falta de características especiales "solo se suma al misterio que la película en sí posee, en abundancia". ^[142] Las características especiales en versiones posteriores y versiones extranjeras del DVD incluyen una entrevista a Lynch en el Festival de Cine de Cannes y los momentos destacados del debut de la película en Cannes.

Optimum Home Entertainment lanzó Mulholland Drive al mercado europeo en Blu-ray como parte de su colección StudioCanal el 13 de septiembre de 2010. ^[143] Las nuevas características especiales exclusivas de este lanzamiento incluyen: una introducción de Thierry Jousse; In the Blue Box , un documental retrospectivo con directores y críticos; dos documentales de making-of: On the Road to Mulholland Drive y Back to Mulholland Drive , y varias entrevistas con personas involucradas en la realización de la película. ^[144] Es la segunda película de David Lynch en esta línea de Blu-ray después de The Elephant Man . ^[145]

El 15 de julio de 2015, The Criterion Collection anunció que lanzaría Mulholland Drive , recientemente restaurada a través de una transferencia digital 2K, ^[139] en DVD y Blu-ray el 27 de octubre de 2015, los cuales incluyen nuevas entrevistas con el equipo de la película y la edición de 2005 del libro Lynch on Lynch de Chris Rodley , junto con el tráiler original y otros extras. ^{[146] [147]} Fue la segunda película de Lynch en recibir un lanzamiento de Criterion Collection en DVD y Blu-ray, después de Eraserhead , que se lanzó en septiembre de 2014. ^[148] Este lanzamiento en Blu-ray/DVD estuvo bajo la licencia de Focus Features y Universal Studios Home Entertainment . ^{[149] [150]}

Universal aparentemente ha perdido los derechos de distribución de la película en Estados Unidos desde entonces, que ahora recaen en Janus Films , la empresa matriz de Criterion. ^[151] El 11 de agosto de 2021, Criterion anunció que sus primeros lanzamientos en 4K Ultra HD, una lista de seis películas, incluirán Mulholland Drive . Criterion indicó que cada título estará disponible en un paquete combinado 4K UHD + Blu-ray que incluye un disco 4K UHD del largometraje, así como la película y características especiales en el Blu-ray complementario. ^[152] Criterion confirmó el 16 de agosto de 2021 que Mulholland Drive se lanzará el 16 de noviembre de 2021 como un paquete de disco 4K y Blu-ray.

Lynch fue nominado a un premio Óscar al mejor director por la película. ^[153] De la prensa extranjera de Hollywood , la película recibió cuatro nominaciones al Globo de Oro en las categorías de Mejor película (drama), Mejor director, Mejor guion y Mejor banda sonora original. ^[154] Fue nombrada Mejor Película por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 2001 y la Online Film Critics Society .

• Lista de películas con personajes en miniatura

• Dillon, Steven (2006). El efecto Solaris: arte y artificio en el cine estadounidense contemporáneo . University of Texas Press. ISBN 978-0-292-71345-1.
• Filippo, Maria San (2013). La palabra B: bisexualidad en el cine y la televisión contemporáneos . Indiana University Press. ISBN 978-0-253-00892-3.
• Johnson, Jeff (2004). Pervertido en el púlpito: la moral en las obras de David Lynch . McFarland & Company. ISBN 978-0-7864-1753-7.
• McGowan, Todd (2007). Lo imposible David Lynch . Columbia University Press. ISBN 978-0-231-13955-7.
• Odell, Colin; Le Blanc, Michelle (2007). David Lynch . Libros de cámara. ISBN 978-1-84243-225-9.
• Sheen, Erica; Davison, A., eds. (2004). El cine de David Lynch: sueños americanos, visiones de pesadilla . Wallflower Press. ISBN 978-1-903364-85-7.
• Woods, Paul, ed. (2000). Weirdsville USA: El universo obsesivo de David Lynch . Plexus Publishing. ISBN 978-0-85965-291-9.

• Mulholland Drive en LynchNet.com: incluye entrevistas, dossier de prensa y clips de películas
• Perdido en Mulholland Drive: análisis integral y centro de recursos
• "Descifrando las 10 pistas de David Lynch". Archivado desde el original el 26 de enero de 2007. Consultado el 1 de febrero de 2005 .– encontrado dentro del DVD [enlace archivado; original muerto]
• Mulholland Drive en IMDb 
• Mulholland Drive en AllMovie
• Mulholland Drive en Box Office Mojo
• Mulholland Drive en Metacritic
• Mulholland Drive en Rotten Tomatoes