Arte italiano

Desde la antigüedad, los griegos , los etruscos y los celtas han habitado el sur, el centro y el norte de la península italiana respectivamente. Los numerosos dibujos rupestres de Valcamonica datan de hace 8000 a. C. y hay ricos restos de arte etrusco en miles de tumbas, así como ricos restos de las colonias griegas de Paestum , Agrigento y otros lugares. La antigua Roma finalmente emergió como la potencia dominante italiana y europea. Los restos romanos en Italia son de una riqueza extraordinaria, desde los grandes monumentos imperiales de la propia Roma hasta la supervivencia de edificios ordinarios excepcionalmente conservados en Pompeya y sitios vecinos. Después de la caída del Imperio Romano , en la Edad Media Italia siguió siendo un centro importante, no solo del arte carolingio , el arte otoniano de los emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico , el arte normando , sino también del arte bizantino de Rávena y otros sitios.

Italia fue el principal centro de desarrollo artístico durante el Renacimiento (1300-1600), comenzando con el Proto-Renacimiento de Giotto y alcanzando un pico particular en el Alto Renacimiento de Antonello da Messina , Leonardo da Vinci , Miguel Ángel y Rafael , cuyas obras inspiraron la fase posterior del Renacimiento, conocida como Manierismo . Italia mantuvo su dominio artístico hasta el siglo XVII con el Barroco (1600-1750), y hasta el siglo XVIII con el Neoclasicismo (1750-1850). En este período, el turismo cultural se convirtió en un importante soporte de la economía italiana. Tanto el Barroco como el Neoclasicismo se originaron en Roma ^{[1] [2]} y se extendieron a todo el arte occidental . Italia mantuvo una presencia en la escena artística internacional desde mediados del siglo XIX en adelante, con movimientos como los Macchiaioli , el Futurismo , la Metafísica , el Novecento Italiano , el Espacialismo , el Arte Povera y la Transvanguardia .

El arte italiano ha influido en varios movimientos importantes a lo largo de los siglos y ha producido varios grandes artistas, incluidos pintores, arquitectos y escultores. Hoy en día, Italia ocupa un lugar importante en la escena artística internacional, con varias galerías de arte, museos y exposiciones importantes; los principales centros artísticos del país incluyen Roma, Florencia, Venecia, Milán, Turín, Génova, Nápoles, Palermo, Siracusa y otras ciudades. Italia alberga 58 sitios Patrimonio de la Humanidad , la mayor cantidad de cualquier país del mundo.

Las figuras de bronce etruscas y los relieves funerarios de terracota incluyen ejemplos de una vigorosa tradición del centro de Italia que había decaído cuando Roma comenzó a construir su imperio en la península.

Las pinturas etruscas que han sobrevivido hasta nuestros días son en su mayoría frescos murales procedentes de tumbas, sobre todo de Tarquinia . Se trata del ejemplo más importante de arte figurativo prerromano en Italia conocido por los estudiosos.

Los frescos se realizan sobre yeso fresco, de modo que cuando éste se seca, la pintura pasa a formar parte del yeso y de la pared, lo que le permite sobrevivir tan bien (de hecho, casi toda la pintura etrusca y romana que se conserva es al fresco). Los colores se hacían a partir de piedras y minerales de diferentes colores que se molían y mezclaban en un medio, y los pinceles finos se hacían con pelo de animal (incluso los mejores pinceles se fabrican con pelo de buey). A partir de mediados del siglo IV a. C., se empezó a utilizar el claroscuro para representar profundidad y volumen. A veces se representan escenas de la vida cotidiana, pero más a menudo escenas mitológicas tradicionales. El concepto de proporción no aparece en ningún fresco que se haya conservado y con frecuencia encontramos representaciones de animales u hombres con algunas partes del cuerpo desproporcionadas. Uno de los frescos etruscos más conocidos es el de la Tumba de la Leona en Tarquinia.

Los etruscos fueron los responsables de la construcción de los primeros edificios monumentales de Roma. Los templos y casas romanos se basaron estrechamente en modelos etruscos. Los elementos de influencia etrusca en los templos romanos incluían el podio y el énfasis en el frente a expensas de los tres lados restantes. Las grandes casas etruscas se agrupaban alrededor de un salón central de la misma manera que las ciudades romanas. Posteriormente, las casas grandes se construyeron alrededor de un atrio . La influencia de la arquitectura etrusca disminuyó gradualmente durante la república frente a las influencias (particularmente griegas ) de otros lugares. La arquitectura etrusca en sí misma fue influenciada por los griegos, de modo que cuando los romanos adoptaron los estilos griegos, no era una cultura totalmente ajena. Durante la república, probablemente hubo una absorción constante de influencias arquitectónicas, principalmente del mundo helenístico, pero después de la caída de Siracusa en 211 a. C., las obras de arte griegas inundaron Roma. Durante el siglo II a. C., el flujo de estas obras, y más importante, de artesanos griegos, continuó, influyendo así decisivamente en el desarrollo de la arquitectura romana . Al final de la República, cuando Vitruvio escribió su tratado sobre arquitectura, la teoría y el ejemplo arquitectónico griegos eran dominantes. Con la expansión del imperio, la arquitectura romana se extendió por una amplia zona, utilizándose tanto para edificios públicos como para algunos privados de mayor tamaño. En muchas zonas, los elementos de estilo estaban influenciados por los gustos locales, en particular la decoración, pero la arquitectura seguía siendo reconociblemente romana. Los estilos de arquitectura vernácula estaban influenciados en diversos grados por la arquitectura romana, y en muchas regiones, se encuentran elementos romanos y nativos combinados en el mismo edificio.

En el siglo I d. C., Roma se había convertido en la ciudad más grande y avanzada del mundo. Los antiguos romanos idearon nuevas tecnologías para mejorar los sistemas de saneamiento, las carreteras y los edificios de la ciudad. Desarrollaron un sistema de acueductos que transportaban agua dulce a la ciudad y construyeron alcantarillas para eliminar los desechos de la ciudad. Los romanos más ricos vivían en grandes casas con jardines. Sin embargo, la mayoría de la población vivía en edificios de apartamentos hechos de piedra, hormigón o piedra caliza. Los romanos desarrollaron nuevas técnicas y utilizaron materiales como el suelo volcánico de Pozzuoli, un pueblo cerca de Nápoles, para hacer que su cemento fuera más duro y resistente. Este hormigón les permitió construir grandes edificios de apartamentos llamados insulae .

Las pinturas murales decoraban las casas de los ricos. A menudo, las pinturas mostraban paisajes de jardines, acontecimientos de la mitología griega y romana, escenas históricas o escenas de la vida cotidiana. Los romanos decoraban los suelos con mosaicos, imágenes o diseños creados con pequeñas baldosas de colores. Las pinturas y los mosaicos de colores intensos contribuían a que las habitaciones de las casas romanas parecieran más grandes y luminosas y mostraban la riqueza del propietario. ^[3]

En la era cristiana del Imperio tardío, de 350 a 500 d. C., la pintura mural, los trabajos en mosaicos de techos y suelos y la escultura funeraria prosperaron, mientras que la escultura de tamaño natural en bulto redondo y la pintura sobre tabla se extinguieron, muy probablemente por razones religiosas. ^[4] Cuando Constantino trasladó la capital del imperio a Bizancio (rebautizada como Constantinopla ), el arte romano incorporó influencias orientales para producir el estilo bizantino del Imperio tardío. Cuando Roma fue saqueada en el siglo V, los artesanos se trasladaron y encontraron trabajo en la capital oriental. La iglesia de Santa Sofía en Constantinopla empleó a casi 10.000 trabajadores y artesanos, en un estallido final del arte romano bajo el emperador Justiniano I , que también ordenó la creación de los famosos mosaicos de Rávena . ^[5]

Durante la Edad Media , el arte italiano se componía principalmente de decoraciones arquitectónicas (frescos y mosaicos). El arte bizantino en Italia era una decoración muy formal y refinada con una caligrafía estandarizada y un uso admirable del color y el oro. Hasta el siglo XIII, el arte en Italia era casi totalmente regional, afectado por corrientes externas europeas y orientales. Después de c. 1250, el arte de las diversas regiones desarrolló características en común, de modo que se observa una cierta unidad, así como una gran originalidad.

Con la caída de su capital occidental, el Imperio Romano continuó durante otros 1000 años bajo el liderazgo de Constantinopla . ^[6] Los artesanos bizantinos fueron utilizados en proyectos importantes en toda Italia, y lo que se denomina estilos de pintura italo-bizantinos se pueden encontrar hasta el siglo XIV.

El estilo italo-bizantino abarca inicialmente pinturas religiosas que copian o imitan los tipos de iconos bizantinos estándar , pero pintadas por artistas sin formación en técnicas bizantinas. Se trata de versiones de iconos bizantinos, la mayoría de la Virgen con el Niño , pero también de otros temas; esencialmente introdujeron la pintura portátil relativamente pequeña con un marco en Europa occidental. Muy a menudo están sobre un fondo dorado . Fue el estilo dominante en la pintura italiana hasta finales del siglo XIII , cuando Cimabue y Giotto comenzaron a llevar la pintura italiana, o al menos florentina, a un nuevo territorio. Pero el estilo continuó hasta el siglo XV y más allá en algunas áreas y contextos. ^[7]

Duecento es el término italiano para la cultura del siglo XIII. El período vio la arquitectura gótica , que había comenzado en el norte de Europa y se extendió hacia el sur hasta Italia, al menos en el norte. Las órdenes de frailes dominicos y franciscanos , fundadas por Santo Domingo y San Francisco de Asís respectivamente, se hicieron populares y bien financiadas en el período, y se embarcaron en grandes programas de construcción, en su mayoría utilizando una versión más barata y menos decorada del gótico. Los grandes esquemas de murales al fresco eran baratos y podían usarse para instruir a las congregaciones. La Basílica de San Francisco de Asís , en realidad dos grandes iglesias, una sobre la otra en un sitio montañoso, es uno de los mejores ejemplos, iniciado en 1228 y pintado con frescos de Cimabue , Giotto , Simone Martini , Pietro Lorenzetti y posiblemente Pietro Cavallini , la mayoría de los pintores más destacados de la época.

Trecento es el término italiano para la cultura del siglo XIV. El período se considera el comienzo del Renacimiento italiano o al menos el Proto-Renacimiento en la historia del arte. Entre los pintores del Trecento se encuentran Giotto di Bondone , así como pintores de la Escuela de Siena , que se convirtió en la más importante de Italia durante el siglo, incluidos Duccio di Buoninsegna , Simone Martini , Lippo Memmi , Ambrogio Lorenzetti y su hermano Pietro . Entre los escultores importantes se encuentran dos alumnos de Giovanni Pisano : Arnolfo di Cambio y Tino di Camaino , y Bonino da Campione .

Durante la Edad Media, los pintores y escultores intentaron dar a sus obras una cualidad espiritual. Querían que los espectadores se concentraran en el profundo significado religioso de sus pinturas y esculturas. Pero los pintores y escultores del Renacimiento, al igual que los escritores del Renacimiento, querían retratar a las personas y la naturaleza de manera realista. Los arquitectos medievales diseñaron enormes catedrales para enfatizar la grandeza de Dios y humillar el espíritu humano. Los arquitectos renacentistas diseñaron edificios cuyas proporciones se basaban en las del cuerpo humano y cuya ornamentación imitaba los diseños antiguos.

A principios del siglo XIV, el pintor florentino Giotto se convirtió en el primer artista en representar la naturaleza de forma realista desde la caída del Imperio Romano. Realizó magníficos frescos (pinturas sobre yeso húmedo) para iglesias de Asís, Florencia, Padua y Roma. Giotto intentó crear figuras realistas que mostraran emociones reales. Retrató muchas de sus figuras en escenarios realistas.

A principios del siglo XV, trabajó un grupo notable de arquitectos, pintores y escultores florentinos , entre ellos el pintor Masaccio , el escultor Donatello y el arquitecto Filippo Brunelleschi .

La obra más destacada de Masaccio fue una serie de frescos que pintó alrededor de 1427 en la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmine en Florencia. Los frescos muestran escenas bíblicas de gran intensidad emocional de forma realista. En estas pinturas, Masaccio utilizó el sistema de Brunelleschi para lograr la perspectiva lineal.

En sus esculturas, Donatello intentó retratar la dignidad del cuerpo humano con detalles realistas y a menudo dramáticos. Entre sus obras maestras se encuentran tres estatuas del héroe bíblico David. En una versión terminada en la década de 1430, Donatello retrató a David como un joven elegante y desnudo, momentos después de haber matado al gigante Goliat. La obra, que mide aproximadamente 1,5 metros de alto, fue el primer desnudo exento de gran tamaño creado en el arte occidental desde la antigüedad clásica.

Brunelleschi fue el primer arquitecto renacentista que revivió el estilo arquitectónico romano antiguo. Utilizó arcos, columnas y otros elementos de la arquitectura clásica en sus diseños. Uno de sus edificios más conocidos es la Capilla Pazzi , de proporciones hermosas y armoniosas , en Florencia. La capilla, que se comenzó a construir en 1442 y se terminó alrededor de 1465, fue uno de los primeros edificios diseñados en el nuevo estilo renacentista. Brunelleschi también fue el primer artista renacentista en dominar la perspectiva lineal , un sistema matemático con el que los pintores podían mostrar el espacio y la profundidad en una superficie plana.

Las artes de finales del siglo XV y principios del XVI estuvieron dominadas por tres hombres: Leonardo da Vinci , Miguel Ángel y Rafael .

Leonardo da Vinci pintó dos de las obras más famosas del arte renacentista, el mural La última cena y el retrato de Mona Lisa . Leonardo tenía una de las mentes más inquisitivas de toda la historia. Quería saber cómo funcionaba todo lo que veía en la naturaleza. En más de 4.000 páginas de cuadernos, dibujó diagramas detallados y escribió sus observaciones. Leonardo hizo dibujos cuidadosos de esqueletos y músculos humanos, tratando de aprender cómo funcionaba el cuerpo. Debido a su mente inquisitiva, Leonardo se ha convertido en un símbolo del espíritu renacentista de aprendizaje y curiosidad intelectual. ^[8]

Miguel Ángel destacó como pintor, arquitecto y poeta. Además, se le ha llamado el mayor escultor de la historia. ^[9] Miguel Ángel fue un maestro en la representación de la figura humana. Por ejemplo, su famosa estatua del líder israelita Moisés (1516) da una abrumadora impresión de poder físico y espiritual. Estas cualidades también aparecen en los frescos de temas bíblicos y clásicos que Miguel Ángel pintó en el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano . Los frescos, pintados entre 1508 y 1512, se encuentran entre las mayores obras de arte del Renacimiento.

Las pinturas de Rafael son más suaves en sus contornos y más poéticas que las de Miguel Ángel. Rafael era hábil en la creación de perspectiva y en el uso delicado del color. Pintó numerosos cuadros de la Virgen María y muchos retratos excepcionales. Una de sus obras más importantes es el fresco La Escuela de Atenas . La pintura está influenciada por los modelos clásicos griegos y romanos. Retrata a los grandes filósofos y científicos de la antigua Grecia en un entorno de arcos clásicos. De este modo, Rafael estaba estableciendo una conexión entre la cultura de la antigüedad clásica y la cultura italiana de su tiempo.

El creador de la arquitectura del Alto Renacimiento fue Donato Bramante , que llegó a Roma en 1499, cuando tenía 55 años. Su primera obra maestra romana, el Tempietto (1502) en San Pietro in Montorio, es una estructura de cúpula centralizada que recuerda la arquitectura de los templos clásicos. El papa Julio II eligió a Bramante como arquitecto papal y juntos idearon un plan para reemplazar la antigua basílica de San Pedro del siglo IV por una nueva iglesia de dimensiones gigantescas. Sin embargo, el proyecto no se completó hasta mucho después de la muerte de Bramante.

El manierismo fue un estilo elegante y cortesano que floreció en Florencia, Italia, donde sus principales representantes fueron Giorgio Vasari y Bronzino . El estilo fue introducido en la corte francesa por Rosso Fiorentino y Francesco Primaticcio . El pintor veneciano Tintoretto se vio influenciado por el estilo.

El enfoque manierista de la pintura también influyó en otras formas de arte. En arquitectura, la obra de Giulio Romano es un ejemplo notable. El italiano Benvenuto Cellini y el flamenco Giambologna fueron los principales representantes del estilo en escultura. ^[10]

Algunos historiadores consideran este período como una degeneración del clasicismo del Alto Renacimiento o incluso como un interludio entre el Alto Renacimiento y el Barroco, en cuyo caso las fechas suelen ser de alrededor de 1520 a 1600, y se considera un estilo positivo y completo en sí mismo.

A principios del siglo XVII, Roma se convirtió en el centro de una renovación del dominio italiano en las artes. En Parma, Antonio da Correggio decoró las bóvedas de las iglesias con figuras animadas que flotaban suavemente sobre las nubes, un esquema que tendría una profunda influencia en las pinturas de los techos barrocos. Las tormentosas pinturas de claroscuro de Caravaggio y las robustas e ilusionistas pinturas de la familia boloñesa Carracci dieron origen al período barroco en el arte italiano. Domenichino , Francesco Albani y más tarde Andrea Sacchi estuvieron entre quienes llevaron a cabo las implicaciones clásicas en el arte de los Carracci.

Por otra parte, Guido Reni , Guercino , Orazio Gentileschi , Giovanni Lanfranco y, más tarde , Pietro da Cortona y Andrea Pozzo , aunque estaban completamente formados en un estilo clásico-alegórico, al principio se inclinaron a pintar composiciones dinámicas llenas de figuras gesticulantes de una manera más cercana a la de Caravaggio. El virtuoso imponente de la exuberancia y la grandeza barrocas en la escultura y la arquitectura fue Gian Lorenzo Bernini . Hacia 1640, muchos de los pintores se inclinaron hacia el estilo clásico que había cobrado protagonismo en Roma gracias al expatriado francés Nicolas Poussin . Los escultores Alessandro Algardi y François Duquesnoy también tendieron hacia el clasicismo. Entre los artistas notables del barroco tardío se incluyen el genovés Giovanni Battista Gaulli y los napolitanos Luca Giordano y Francesco Solimena .

Las principales figuras del siglo XVIII procedieron de Venecia. Entre ellos se encontraban el brillante exponente del estilo rococó, Giovanni Battista Tiepolo ; los pintores arquitectónicos Francesco Guardi , Canaletto , Giovanni Battista Piazzetta y Bernardo Bellotto ; y el grabador de antigüedades romanas, Giovanni Battista Piranesi .

El neoclasicismo italiano fue la manifestación más temprana del período general conocido como neoclasicismo y duró más que las otras variantes nacionales del neoclasicismo. Se desarrolló en oposición al estilo barroco alrededor de 1750 y duró hasta 1850 aproximadamente. El neoclasicismo comenzó alrededor del período del redescubrimiento de Pompeya y se extendió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte regresó a sus países del Grand Tour en Italia con ideales grecorromanos redescubiertos.

Al igual que en otras partes de Europa, el arte neoclásico italiano se basó principalmente en los principios del arte y la arquitectura de la Antigua Roma y la Antigua Grecia , pero también en la arquitectura renacentista italiana y sus conceptos básicos, como en la Villa Capra "La Rotonda" . ^[11] El clasicismo y el neoclasicismo en el arte y la arquitectura italianos se desarrollaron durante el Renacimiento italiano , especialmente en los escritos y diseños de Leon Battista Alberti y la obra de Filippo Brunelleschi .

Pone énfasis en la simetría , la proporción, la geometría y la regularidad de las partes tal como se demuestran en la arquitectura de la Antigüedad Clásica y en particular, la arquitectura de la Antigua Roma , de la que quedaron muchos ejemplos. Las disposiciones ordenadas de columnas , pilastras y dinteles , así como el uso de arcos de medio punto, cúpulas semiesféricas , nichos y edículos reemplazaron los sistemas proporcionales más complejos y los perfiles irregulares de los edificios medievales . Este estilo se extendió rápidamente a otras ciudades italianas y más tarde al resto de la Europa continental.

El neoclasicismo se centró en Roma, donde artistas como Antonio Canova y Jacques-Louis David estuvieron activos en la segunda mitad del siglo XVIII, antes de trasladarse a París. Los pintores de Vedute , como Canaletto y Giovanni Paolo Panini , también disfrutaron de un gran éxito durante el Grand Tour. El escultor Antonio Canova fue un destacado exponente del estilo neoclásico. Famoso internacionalmente, fue considerado el escultor más brillante de Europa. ^[12] Francesco Hayez es el mayor exponente del romanticismo en Italia: muchas de sus obras, generalmente de ambientación medieval , contienen un mensaje patriótico cifrado del Risorgimento . El neoclasicismo fue el último estilo nacido en Italia, después del Renacimiento y el Barroco , en extenderse a todo el arte occidental.

Italia produjo su propia forma de impresionismo , los artistas Macchiaioli , que en realidad estuvieron allí primero, antes de los impresionistas más famosos: Giovanni Fattori , Silvestro Lega , Telemaco Signorini , Giuseppe Abbati . Los artistas Macchiaioli fueron precursores del impresionismo en Francia. Creían que las áreas de luz y sombra, o macchie (literalmente parches o manchas) eran los componentes principales de una obra de arte. La palabra macchia fue utilizada comúnmente por los artistas y críticos italianos en el siglo XIX para describir la calidad brillante de un dibujo o pintura, ya sea debido a una ejecución esquemática y espontánea o a la amplitud armoniosa de su efecto general.

Una crítica hostil publicada el 3 de noviembre de 1862 en la revista Gazzetta del Popolo marca la primera aparición impresa del término Macchiaioli. ^[13] El término tenía varias connotaciones: implicaba burlonamente que las obras terminadas de los artistas no eran más que bocetos y recordaba la frase "darsi alla macchia", que significa, idiomáticamente, esconderse en los arbustos o en la maleza. De hecho, los artistas pintaron gran parte de su obra en estas áreas salvajes. Este sentido del nombre también identificaba a los artistas con proscritos, lo que reflejaba la opinión de los tradicionalistas de que la nueva escuela de artistas estaba trabajando fuera de las reglas del arte, de acuerdo con las estrictas leyes que definían la expresión artística en ese momento.

A principios del siglo XX, los exponentes del futurismo desarrollaron una visión dinámica del mundo moderno, mientras que Giorgio de Chirico expresó una extraña quietud metafísica y Amedeo Modigliani se unió a la escuela de París. Entre los talentosos artistas modernos posteriores se incluyen los escultores Giacomo Manzù , Marino Marini , el pintor de naturalezas muertas Giorgio Morandi y el pintor iconoclasta Lucio Fontana . En la segunda mitad del siglo XX, los diseñadores italianos, en particular los de Milán, han influido profundamente en los estilos internacionales con sus obras funcionales imaginativas e ingeniosas.

El futurismo fue un movimiento artístico italiano que floreció entre 1909 y 1916 aproximadamente. Fue el primero de muchos movimientos artísticos que intentaron romper con el pasado en todos los ámbitos de la vida. El futurismo glorificó el poder, la velocidad y la emoción que caracterizaban a la era de las máquinas. De los pintores cubistas franceses y la fotografía de exposición múltiple, los futuristas aprendieron a descomponer formas realistas en múltiples imágenes y fragmentos de color superpuestos. De ese modo, intentaron retratar la energía y la velocidad de la vida moderna. En la literatura, el futurismo exigió la abolición de las estructuras oracionales y las formas de verso tradicionales. ^[15]

El futurismo se anunció por primera vez el 20 de febrero de 1909, cuando el periódico parisino Le Figaro publicó un manifiesto del poeta y editor italiano Filippo Tommaso Marinetti (véase el Manifiesto del futurismo ). Marinetti acuñó la palabra futurismo para reflejar su objetivo de descartar el arte del pasado y celebrar el cambio, la originalidad y la innovación en la cultura y la sociedad. El manifiesto de Marinetti glorificaba la nueva tecnología del automóvil y la belleza de su velocidad, potencia y movimiento. Exaltando la violencia y el conflicto, exigía el repudio radical de los valores tradicionales y la destrucción de instituciones culturales como museos y bibliotecas. La retórica del manifiesto era apasionadamente grandilocuente; su tono agresivo tenía la intención de inspirar la ira pública y suscitar controversias.

El manifiesto de Marinetti inspiró a un grupo de jóvenes pintores de Milán a aplicar las ideas futuristas a las artes visuales. Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo , Giacomo Balla y Gino Severini publicaron varios manifiestos sobre pintura en 1910. Al igual que Marinetti, glorificaron la originalidad y expresaron su desdén por las tradiciones artísticas heredadas.

Boccioni también se interesó por la escultura y publicó un manifiesto sobre el tema en la primavera de 1912. Se considera que realizó más plenamente sus teorías en dos esculturas, Desarrollo de una botella en el espacio (1912), en la que representó tanto los contornos internos como externos de una botella, y Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), en la que una figura humana no se retrata como una forma sólida sino que se compone de los múltiples planos en el espacio a través de los cuales se mueve la figura. Los principios realistas se extendieron también a la arquitectura. Antonio Sant'Elia formuló un manifiesto futurista sobre arquitectura en 1914. Sus dibujos visionarios de ciudades altamente mecanizadas y rascacielos audazmente modernos prefiguran algunas de las planificaciones arquitectónicas más imaginativas del siglo XX.

Boccioni, que había sido el artista más talentoso del grupo, ^[16] y Sant'Elia murieron durante el servicio militar en 1916. La muerte de Boccioni, combinada con la expansión del personal del grupo y las duras realidades de la devastación causada por la Primera Guerra Mundial , efectivamente puso fin al movimiento futurista como una fuerza histórica importante en las artes visuales.

La pintura metafísica es un movimiento artístico italiano que nació en 1917 con la obra de Carlo Carrà y Giorgio de Chirico en Ferrara. La palabra metafísica, adoptada por el propio De Chirico, es central para la poética del movimiento.

Representaban imágenes oníricas, con figuras y objetos que parecían congelados en el tiempo. Los artistas de la pintura metafísica aceptan la representación del mundo visible en un espacio de perspectiva tradicional, pero la disposición inusual de seres humanos como modelos ficticios, objetos en contextos extraños e ilógicos, las luces y colores irreales, la estática antinatural de las figuras inmóviles.

Movimiento Novecento , grupo de artistas italianos, formado en 1922 en Milán, que propugnaba un retorno al gran arte figurativo italiano del pasado.

Los miembros fundadores del movimiento Novecento ( en italiano : siglo XX) fueron la crítica Margherita Sarfatti y siete artistas: Anselmo Bucci , Leonardo Dudreville , Achille Funi , Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi y Mario Sironi. Bajo el liderazgo de Sarfatti, el grupo buscó renovar el arte italiano rechazando los movimientos de vanguardia europeos y abrazando las tradiciones artísticas de Italia.

Otros artistas asociados con el Novecento fueron los escultores Marino Marini y Arturo Martini y los pintores Ottone Rosai , Massimo Campigli , Carlo Carrà y Felice Casorati .

Movimiento fundado por el artista italiano Lucio Fontana como Espacialismo , sus postulados fueron repetidos en manifiestos entre 1947 y 1954.

Combinando elementos del arte concreto, el dadaísmo y el taquismo, los seguidores del movimiento rechazaron la pintura de caballete y adoptaron nuevos avances tecnológicos, buscando incorporar el tiempo y el movimiento en sus obras. Las pinturas acuchilladas y perforadas de Fontana ejemplifican sus tesis.

Parte de una serie sobre el
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El arte povera es un movimiento artístico que se originó en Italia en la década de 1960 y que combina aspectos del arte conceptual, minimalista y de performance, y que hace uso de materiales inútiles o comunes, como tierra o periódicos, con la esperanza de subvertir la comercialización del arte. La frase es italiana y significa literalmente "arte empobrecido".

El término Transvanguardia es una invención del crítico italiano Achille Bonito Oliva , quien definió el arte de la Transvanguardia como tradicional en su formato (es decir, principalmente pintura o escultura), apolítico y, sobre todo, ecléctico.

Según las modificaciones de 2017 al Codice dei beni culturali e del paesaggio italiano , ^{[17] [18]} una obra de arte puede definirse legalmente como de interés público y cultural si se completó al menos 70 años antes. El límite anterior era de 50 años. Para facilitar las exportaciones y el comercio internacional de bienes de arte como reserva de valor , por primera vez se dio a los propietarios privados y sus comerciantes la facultad de autocertificar un valor comercial inferior a 13.500 euros, para poder ser autorizados a transportar bienes fuera de las fronteras del país y dentro de la Unión Europea, sin necesidad de un permiso administrativo público. ^{[19] [20]} El proyecto de ley fue aprobado y entró en vigor el 29 de agosto de 2017. ^[18] Se proporcionará una autorización pública para los restos arqueológicos descubiertos bajo tierra o bajo el nivel del mar. ^[17]

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• Historia de Italia
• Cultura de Italia

• [2] Arte italiano. kdfineart-italia.com. Web. 5 de octubre de 2011.
• [3] Archivado el 15 de junio de 2020 en Wayback Machine. Bellas artes de estilo italiano y toscano. italianartstudio.com. Web. 5 de octubre de 2011.
• [4] Notas sobre el arte italiano