Película

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Parte de una serie sobre
Realización cinematográfica
Desarrollo Esquema de pasos Tratamiento de la película Escritura Guión Financiación cinematográfica Presupuesto cinematográfico Luz verde
Preproducción Desglosando el guión Desglose del guión Guión gráfico Tablero de producción Tira de producción Día tras día Programa de producción Horario de una línea Programa de rodaje
Producción Cinematografía Fotografía principal Videografía Guión de rodaje Informe de inventario de películas Hoja de llamadas diarias Informe de producción Informe diario de producción Informe de progreso diario Registro diario del editor Informe de sonido Informe de costos
Postproducción Edición de películas Regrabación Sincronizar sonido Banda sonora Música Efectos especiales ( sonido visual ) Costo negativo
Distribución Distribución Estreno de la película ( ancho limitado demorado ) Espectáculo itinerante
Temas relacionados Historia del cine Filmografía Cine de guerrilla
Glosario
Véase también Película Equipo de filmación Gancho Paso Guión cinematográfico Guión de especificaciones
Portal de cine
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Una película , también llamada película , película cinematográfica , imagen en movimiento , imagen , fototeatro o película , es una obra de arte visual que simula experiencias y comunica ideas, historias, percepciones, emociones o atmósferas mediante el uso de imágenes en movimiento que generalmente están acompañadas de sonido y (con menos frecuencia) otros estímulos sensoriales. ^[1] La palabra "cine" es una abreviatura de la palabra " cinematografía " y se usa para referirse a la realización cinematográfica , la industria cinematográfica , la forma de arte en general o una sala de cine .

Las imágenes en movimiento de una película se crean fotografiando escenas reales con una cámara cinematográfica , fotografiando dibujos o modelos en miniatura utilizando técnicas de animación tradicionales , mediante CGI y animación por computadora , o mediante una combinación de algunas o todas estas técnicas y otros efectos visuales .

Antes de la introducción de la producción digital, se grababan una serie de imágenes fijas en una tira de celuloide (película fotográfica) químicamente sensibilizada , normalmente a una velocidad de 24 fotogramas por segundo. Las imágenes se transmitían a través de un proyector de cine a la misma velocidad a la que se grababan, con un mecanismo de Ginebra que garantizaba que cada fotograma permaneciera estático durante su breve tiempo de proyección. Un obturador giratorio provoca intervalos estroboscópicos de oscuridad, pero el espectador no nota las interrupciones debidas a la fusión de parpadeos . El movimiento aparente en la pantalla es el resultado del hecho de que el sentido visual no puede discernir las imágenes individuales a altas velocidades, por lo que las impresiones de las imágenes se mezclan con los intervalos oscuros y, por lo tanto, se unen para producir la ilusión de una imagen en movimiento. Una banda sonora óptica análoga (una grabación gráfica de las palabras habladas, la música y otros sonidos ) recorre una parte de la película reservada exclusivamente para ella y no se proyecta.

Las películas contemporáneas suelen ser totalmente digitales durante todo el proceso de producción, distribución y exhibición.

El nombre "película" originalmente se refería a la fina capa de emulsión fotoquímica ^[2] en la tira de celuloide que solía ser el medio real para grabar y mostrar imágenes en movimiento.

Existen muchos otros términos para cada película, como "picture", "picture show", "moving picture", "photoplay" y "flick". El término más común en los Estados Unidos es "movie", mientras que en Europa se prefiere "film". Términos arcaicos incluyen "animated pictures" y "animated photography".

"Flick" es, en general, un término del argot, registrado por primera vez en 1926. Tiene su origen en el verbo flicker, debido al aspecto parpadeante de las primeras películas. ^[3]

Los términos comunes para este campo, en general, incluyen "la pantalla grande", "las películas", "la pantalla plateada" y "cine"; este último se usa comúnmente, como término general, en textos académicos y ensayos críticos. En los primeros años, a veces se usaba la palabra "lámina" en lugar de "pantalla".

El arte cinematográfico se ha basado en varias tradiciones anteriores en campos como la narración oral , la literatura , el teatro y las artes visuales . Las formas de arte y entretenimiento que ya presentaban imágenes en movimiento o proyectadas incluyen:

• Sombragrafía , probablemente utilizada desde tiempos prehistóricos.
• Cámara oscura , un fenómeno natural que posiblemente se ha utilizado como ayuda artística desde tiempos prehistóricos.
• Teatro de sombras , posiblemente originado alrededor del año 200 a. C. en Asia Central, India, Indonesia o China.
• La linterna mágica , desarrollada en la década de 1650. La fantasmagoría multimedia muestra que las linternas mágicas fueron populares desde 1790 hasta la primera mitad del siglo XIX y podían presentar diapositivas mecánicas, retroproyección, proyectores móviles, superposición , vistas disueltas , actores en vivo, humo (a veces para proyectar imágenes encima), olores, sonidos e incluso descargas eléctricas.

El principio de animación estroboscópica se introdujo en 1833 con el disco estroboscópico (más conocido como fenakisticope ) y posteriormente se aplicó en el zoótropo (desde 1866), el libro animado (desde 1868) y el praxinoscopio (desde 1877), antes de convertirse en el principio básico de la cinematografía.

Los primeros proyectores de animación basados ​​en fenaquisticópicos se realizaron al menos ya en 1843 y se exhibieron públicamente en 1847. Jules Duboscq comercializó sistemas de proyección fenaquisticópicos en Francia desde aproximadamente  1853 hasta la década de 1890.

La fotografía se introdujo en 1839, pero inicialmente las emulsiones fotográficas necesitaban exposiciones tan largas que la grabación de sujetos en movimiento parecía imposible. Al menos ya en 1844, se crearon series fotográficas de sujetos posados ​​en diferentes posiciones para sugerir una secuencia de movimiento o documentar una gama de diferentes ángulos de visión. La llegada de la fotografía estereoscópica, con experimentos tempranos en la década de 1840 y éxito comercial desde principios de la década de 1850, despertó el interés por completar el medio fotográfico con la adición de medios para capturar el color y el movimiento. En 1849, Joseph Plateau publicó sobre la idea de combinar su invención del fenaquistoscopio con el estereoscopio, como le sugirió el inventor del estereoscopio Charles Wheatstone , y utilizar fotografías de esculturas de yeso en diferentes posiciones para animarlas en el dispositivo combinado. En 1852, Jules Duboscq patentó un instrumento como el "Stéréoscope-fantascope, ou Bïoscope", pero solo lo comercializó muy brevemente, sin éxito. En la colección Plateau de la Universidad de Gante se encuentra un disco de Bïoscope con fotografías estereoscópicas de una máquina, pero todavía no se han encontrado instrumentos ni otros discos.

A finales de la década de 1850 aparecieron los primeros ejemplos de fotografía instantánea que dieron esperanzas de que pronto sería posible la fotografía en movimiento, pero pasaron algunas décadas hasta que se logró combinar con éxito con un método para registrar series de imágenes secuenciales en tiempo real. En 1878, Eadweard Muybridge logró finalmente tomar una serie de fotografías de un caballo corriendo con una batería de cámaras en línea a lo largo de la pista y publicó los resultados como The Horse in Motion en tarjetas de gabinete . Muybridge, así como Étienne-Jules Marey , Ottomar Anschütz y muchos otros, crearían muchos más estudios de cronofotografía . Muybridge hizo trazar los contornos de docenas de sus series cronofotográficas en discos de vidrio y los proyectó con su zoopraxiscopio en sus conferencias de 1880 a 1895.

Anschütz hizo sus primeras fotografías instantáneas en 1881. Desarrolló una cámara portátil que permitía velocidades de obturación tan cortas como 1/1000 de segundo en 1882. La calidad de sus imágenes fue generalmente considerada como mucho más alta que la de las obras de cronofotografía de Muybridge y Étienne-Jules Marey . ^[4] En 1886, Anschütz desarrolló el electrotaquímetro , un dispositivo temprano que mostraba bucles cortos de imágenes en movimiento con 24 fotografías de placas de vidrio en una rueda giratoria de 1,5 metros de ancho que se movía manualmente a una velocidad de aproximadamente 30 fotogramas por segundo. Se mostraron diferentes versiones en muchas exposiciones, ferias, convenciones y galerías internacionales desde 1887 hasta al menos 1894. A partir de 1891, Siemens & Halske fabricó en Berlín unos 152 ejemplos de un modelo de electrotaquímetro con mirilla que funcionaba con monedas y se vendió internacionalmente. ^{[5] [4]} Casi 34.000 personas pagaron para verla en el Parque de Exposiciones de Berlín en el verano de 1892. Otros la vieron en Londres o en la Feria Mundial de Chicago de 1893. El 25 de noviembre de 1894, Anschütz presentó un proyector de electrotaquiscopio con una proyección de 6x8 metros en Berlín. Entre el 22 de febrero y el 30 de marzo de 1895, un total de alrededor de 7.000 clientes que pagaron la entrada vinieron a ver una función de 1,5 horas de duración con unas 40 escenas en una sala de 300 asientos en el antiguo edificio del Reichstag en Berlín. ^[6]

Émile Reynaud ya había mencionado la posibilidad de proyectar las imágenes del praxinoscopio en su solicitud de patente de 1877. El 4 de junio de 1880 presentó un dispositivo de proyección de praxinoscopio en la Société française de photographie , pero no comercializó su praxinoscopio como proyector hasta 1882. Luego perfeccionó el dispositivo hasta convertirlo en el Théâtre Optique , que podía proyectar secuencias más largas con fondos separados, patentado en 1888. Creó varias películas para la máquina pintando imágenes en cientos de placas de gelatina que se montaron en marcos de cartón y se sujetaron a una banda de tela. Desde el 28 de octubre de 1892 hasta marzo de 1900, Reynaud realizó más de 12.800 funciones para un total de más de 500.000 visitantes en el Museo Grévin de París.

A finales de la década de 1880, la introducción de longitudes de película fotográfica de celuloide y la invención de las cámaras cinematográficas , que podían fotografiar una secuencia rápida de imágenes utilizando una sola lente, permitieron capturar y almacenar la acción en un solo carrete compacto de película.

Al principio, las películas se proyectaban en público, una a una, a través de aparatos de "peep show", como el electrotaquímetro , el kinetoscopio y el mutoscopio . Poco después, los exhibidores consiguieron proyectar películas en pantallas gigantes para el público de las salas de cine.

Las primeras proyecciones públicas de películas de pago se realizaron en 1895 por el estadounidense Woodville Latham y sus hijos, con películas producidas por su compañía Eidoloscope , ^[7] por los hermanos Skladanowsky y por los hermanos franceses Auguste y Louis Lumière (quizás más conocidos) con diez de sus propias producciones. ^{[ cita requerida ]} Las proyecciones privadas habían precedido a estas por varios meses, y la de Latham se adelantó ligeramente a las otras. ^{[ cita requerida ]}

Las primeras películas eran simplemente una toma estática que mostraba un evento o acción sin edición ni otras técnicas cinematográficas . Las películas típicas mostraban a empleados saliendo de la puerta de una fábrica, gente caminando por la calle y la vista desde la parte delantera de un tranvía mientras viajaba por la calle principal de una ciudad. Según la leyenda, cuando una película mostraba una locomotora a gran velocidad acercándose al público, el público entraba en pánico y salía corriendo del cine. A principios del siglo XX, las películas comenzaron a unir varias escenas para contar una historia. (Los cineastas que pusieron varias tomas o escenas por primera vez descubrieron que, cuando una toma sigue a otra, ese acto establece una relación entre el contenido de las tomas separadas en la mente del espectador. Es esta relación la que hace posible toda narración cinematográfica. En un ejemplo simple, si se muestra a una persona mirando por una ventana, lo que muestre la siguiente toma se considerará como la vista que la persona estaba viendo). Cada escena era una sola toma fija con la acción ocurriendo antes de ella. Las escenas se dividieron más tarde en múltiples tomas fotografiadas desde diferentes distancias y ángulos. Se desarrollaron otras técnicas, como el movimiento de cámara, como formas efectivas de contar una historia con películas. Hasta que el cine sonoro se volvió comercialmente práctico a fines de la década de 1920, las películas eran un arte puramente visual , pero estas innovadoras películas mudas habían ganado terreno en la imaginación del público. En lugar de dejar al público solo con el ruido del proyector como acompañamiento, los dueños de los cines contrataban a un pianista u organista o, en los grandes cines urbanos, a una orquesta completa para tocar música que se adaptara al estado de ánimo de la película en un momento dado. A principios de la década de 1920, la mayoría de las películas venían con una lista preparada de partituras para usar con este propósito, y se compusieron bandas sonoras completas para las grandes producciones.

El auge del cine europeo se vio interrumpido por el estallido de la Primera Guerra Mundial , mientras que la industria cinematográfica en los Estados Unidos floreció con el auge de Hollywood , ejemplificado de manera más prominente por el trabajo innovador de D. W. Griffith en El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Sin embargo, en la década de 1920, cineastas europeos como Eisenstein , F. W. Murnau y Fritz Lang , en muchos sentidos inspirados por el meteórico progreso del cine en tiempos de guerra a través de Griffith, junto con las contribuciones de Charles Chaplin , Buster Keaton y otros, rápidamente se pusieron al día con el cine estadounidense y continuaron avanzando aún más en el medio.

En la década de 1920, el desarrollo de las tecnologías de grabación electrónica de sonido hizo posible incorporar una banda sonora de voz, música y efectos de sonido sincronizados con la acción en la pantalla. ^{[ cita requerida ]} Las películas sonoras resultantes se diferenciaron inicialmente de las habituales "imágenes en movimiento" o "películas" mudas al llamarlas "películas sonoras" o "talkies". ^{[ cita requerida ]} La revolución que provocaron fue rápida. En 1930, el cine mudo estaba prácticamente extinto en los EE. UU. y ya se lo conocía como "el viejo medio". ^{[ cita requerida ]}

La evolución del sonido en el cine comenzó con la idea de combinar imágenes en movimiento con la tecnología de sonido de los fonógrafos existentes . Los primeros sistemas de cine sonoro, como el kinetoscopio de Thomas Edison y el Vitaphone utilizado por Warner Bros. , sentaron las bases para el sonido sincronizado en el cine. El sistema Vitaphone, producido junto con Bell Telephone Company y Western Electric , enfrentó una resistencia inicial debido a los altos costos de equipamiento, pero el sonido en el cine ganó aceptación con películas como Don Juan (1926) y El cantor de jazz (1927). ^[8]

Los estudios cinematográficos estadounidenses, mientras que Europa estandarizó los sistemas Tobis-Klangfilm y Tri-Ergon, permitieron una mayor fluidez en el cine, dando lugar a películas más complejas y épicas como King Kong (1933). ^[9]

A medida que la amenaza de la televisión emergió en las décadas de 1940 y 1950, la industria cinematográfica necesitaba innovar para atraer audiencias. En términos de tecnología de sonido, esto significó el desarrollo del sonido envolvente y sistemas de audio más sofisticados, como el sistema de siete canales de Cinerama . Sin embargo, estos avances requerían una gran cantidad de personal para operar el equipo y mantener la experiencia de sonido en las salas. ^[9]

En 1966, Dolby Laboratories introdujo el sistema de reducción de ruido Dolby A, que se convirtió en un estándar en la industria discográfica y eliminó el sonido sibilante asociado con los esfuerzos de estandarización anteriores. Luego siguió Dolby Stereo , un sistema de sonido envolvente revolucionario, que permitió a los diseñadores de cine tener en cuenta la acústica al diseñar salas de cine. Esta innovación permitió que el público de lugares más pequeños disfrutara de experiencias de audio comparables a las de los cines de las grandes ciudades. ^[10]

Hoy en día, el futuro del sonido en el cine sigue siendo incierto, con posibles influencias de la inteligencia artificial , el audio remasterizado y las experiencias de visualización personales que dan forma a su desarrollo. ^{[11] [12]} Sin embargo, está claro que la evolución del sonido en el cine ha estado marcada por la innovación continua y el deseo de crear experiencias más inmersivas y atractivas para el público.

Un avance tecnológico significativo en el cine fue la introducción del "color natural", en el que el color se capturaba directamente de la naturaleza a través de la fotografía, en lugar de agregarse manualmente a las impresiones en blanco y negro mediante técnicas como el coloreado a mano o con esténcil. ^{[13] [14]} Los primeros procesos de color a menudo producían colores que parecían muy poco "naturales". ^[15] A diferencia de la rápida transición del cine mudo al cine sonoro, el reemplazo del blanco y negro por el color se produjo de forma más gradual. ^[16]

La innovación crucial fue la versión de tres tiras del proceso Technicolor, utilizado por primera vez en dibujos animados en 1932. ^{[17] [18]} El proceso se aplicó más tarde a cortometrajes de acción en vivo, secuencias específicas en largometrajes y, finalmente, para un largometraje completo, Becky Sharp, en 1935. ^[19] Aunque el proceso era caro, la respuesta positiva del público, como lo demuestra el aumento de los ingresos de taquilla, generalmente justificó el costo adicional. ^[13] En consecuencia, el número de películas realizadas en color aumentó gradualmente año tras año. ^{[20] [21]}

A principios de la década de 1950, la proliferación de la televisión en blanco y negro comenzó a deprimir seriamente la asistencia a los cines norteamericanos. ^{[ cita requerida ]} En un intento de atraer al público de nuevo a los cines, se instalaron pantallas más grandes, se introdujeron procesos de pantalla ancha , proyección 3D polarizada y sonido estereofónico , y se hicieron más películas en color, que pronto se convirtieron en la regla en lugar de la excepción. Algunas películas importantes de Hollywood se seguían haciendo en blanco y negro hasta mediados de la década de 1960, pero marcaron el final de una era. Los receptores de televisión en color habían estado disponibles en los EE. UU. desde mediados de la década de 1950, pero al principio eran muy caros y pocas transmisiones eran en color. Durante la década de 1960, los precios bajaron gradualmente, las transmisiones en color se volvieron comunes y las ventas se dispararon. El veredicto público abrumador a favor del color fue claro. Después de que se estrenara la última oleada de películas en blanco y negro a mediados de la década, todas las producciones de los estudios de Hollywood se filmaron en color, con las excepciones habituales que se hicieron solo por insistencia de cineastas "estrella" como Peter Bogdanovich y Martin Scorsese . ^{[ cita requerida ]}

Las décadas posteriores a la decadencia del sistema de estudios en los años 60 vieron cambios en la producción y el estilo de las películas. Varios movimientos de la Nueva Ola (incluida la Nueva Ola Francesa , la Nueva Ola del Cine Alemán , la Nueva Ola India , la Nueva Ola Japonesa , el Nuevo Hollywood y la Nueva Ola Egipcia ) y el auge de los cineastas independientes formados en escuelas de cine contribuyeron a los cambios que experimentó el medio en la segunda mitad del siglo XX. La tecnología digital ha sido la fuerza impulsora del cambio a lo largo de los años 90 y hasta los años 2000. La proyección digital en 3D reemplazó en gran medida a los sistemas de cine en 3D propensos a problemas anteriores y se hizo popular a principios de la década de 2010. ^{[ cita requerida ]}

La teoría del cine busca desarrollar conceptos concisos y sistemáticos que se apliquen al estudio del cine como arte . El concepto del cine como forma de arte comenzó en 1911 con el manifiesto de Ricciotto Canudo El nacimiento del sexto arte . La Escuela de Cine de Moscú , la escuela de cine más antigua del mundo, fue fundada en 1919, con el fin de enseñar e investigar la teoría del cine. La teoría formalista del cine , liderada por Rudolf Arnheim , Béla Balázs y Siegfried Kracauer , enfatizó cómo el cine se diferenciaba de la realidad y, por lo tanto, podía considerarse un arte válido . André Bazin reaccionó contra esta teoría argumentando que la esencia artística del cine residía en su capacidad de reproducir mecánicamente la realidad, no en sus diferencias con la realidad, y esto dio lugar a la teoría realista . Los análisis más recientes, impulsados ​​por el psicoanálisis de Jacques Lacan y la semiótica de Ferdinand de Saussure , entre otras cosas, han dado lugar a la teoría psicoanalítica del cine , la teoría estructuralista del cine , la teoría feminista del cine y otras. Por otro lado, los críticos de la tradición de la filosofía analítica , influenciados por Wittgenstein , intentan aclarar los conceptos erróneos utilizados en los estudios teóricos y producen análisis del vocabulario de una película y su vínculo con una forma de vida .

Se considera que el cine tiene su propio lenguaje . James Monaco escribió un texto clásico sobre teoría cinematográfica, titulado "Cómo leer una película", que aborda este tema. El director Ingmar Bergman dijo la famosa frase: " Andrei Tarkovski para mí es el mejor director , el que inventó un nuevo lenguaje , fiel a la naturaleza del cine, ya que captura la vida como un reflejo, la vida como un sueño". Un ejemplo de este lenguaje es una secuencia de imágenes de ida y vuelta del perfil izquierdo de un actor que habla, seguida del perfil derecho de otro actor que habla, y luego una repetición de esto, que es un lenguaje que la audiencia entiende para indicar una conversación. Esto describe otra teoría del cine, la regla de los 180 grados , como un dispositivo de narración visual con la capacidad de colocar al espectador en un contexto de estar psicológicamente presente mediante el uso de la composición visual y la edición. El " estilo Hollywood " incluye esta teoría narrativa, debido a la práctica abrumadora de la regla por parte de los estudios cinematográficos con sede en Hollywood, California, durante la era clásica del cine. Otro ejemplo de lenguaje cinematográfico es una toma que se acerca a la frente de un actor con una expresión de reflexión silenciosa y que luego pasa a una toma de un actor más joven que se parece vagamente al primer actor, lo que indica que la primera persona está recordando un yo pasado, una edición de composiciones que provoca una transición temporal.

El montaje es una técnica de edición cinematográfica en la que se seleccionan, editan y ensamblan fragmentos separados de la película para crear una nueva sección o secuencia dentro de una película. Esta técnica se puede utilizar para transmitir una narrativa o para crear un efecto emocional o intelectual mediante la yuxtaposición de diferentes tomas, a menudo con el propósito de condensar el tiempo, el espacio o la información. El montaje puede incluir flashbacks , acción paralela o la interacción de varios elementos visuales para mejorar la narración o crear un significado simbólico . ^[22]

El concepto de montaje surgió en la década de 1920, cuando cineastas soviéticos pioneros como Sergei Eisenstein y Lev Kuleshov desarrollaron la teoría del montaje. La película de Eisenstein El acorazado Potemkin (1925) es un excelente ejemplo del uso innovador del montaje, en el que empleó yuxtaposiciones complejas de imágenes para crear un impacto visceral en el público. ^[23]

A medida que el arte del montaje evolucionó, los cineastas comenzaron a incorporar contrapuntos musicales y visuales para crear una experiencia más dinámica y atractiva para el espectador. El desarrollo de la construcción de escenas a través de la puesta en escena , el montaje y los efectos especiales condujo a técnicas más sofisticadas que pueden compararse con las utilizadas en la ópera y el ballet. ^[24]

El movimiento de la Nouvelle Vague francesa de finales de los años 1950 y 1960 también adoptó la técnica del montaje, y cineastas como Jean-Luc Godard y François Truffaut lo utilizaron para crear películas distintivas e innovadoras. Este enfoque sigue siendo influyente en el cine contemporáneo, y los directores emplean el montaje para crear secuencias memorables en sus películas. ^[25]

En el cine contemporáneo, el montaje sigue desempeñando un papel esencial a la hora de dar forma a las narraciones y crear resonancia emocional. Los cineastas han adaptado la técnica tradicional del montaje para adecuarse a la estética y los estilos narrativos en constante evolución del cine moderno.

1. Edición rápida y montajes de ritmo rápido: con la llegada de las herramientas de edición digital, los cineastas ahora pueden crear montajes rápidos e intrincados para transmitir información o emociones rápidamente. Películas como Réquiem por un sueño (2000) de Darren Aronofsky y Shaun of the Dead (2004) de Edgar Wright emplean técnicas de edición de ritmo rápido para crear experiencias inmersivas e intensas para el público. ^[24]
2. Influencia de los videos musicales: la influencia de los videos musicales en el cine ha llevado a la incorporación de secuencias de montaje estilizadas, a menudo acompañadas de música popular. Películas como Guardianes de la Galaxia (2014) y Baby Driver (2017) utilizan el montaje para crear secuencias visualmente impactantes que son a la vez entretenidas y narrativamente funcionales. ^[26]
3. Montajes de deportes y entrenamiento: Los montajes de deportes y entrenamiento se han convertido en un elemento básico del cine moderno, a menudo utilizados para condensar el tiempo y mostrar el crecimiento o desarrollo de un personaje. Se pueden encontrar ejemplos de esto en películas como Rocky (1976), Karate Kid (1984) y Million Dollar Baby (2004). ^[27]
4. Montajes cruzados y acción paralela: los cineastas contemporáneos suelen utilizar el montaje para crear tensión y suspenso mediante montajes cruzados entre historias paralelas. Origen (2010) y Dunkerque (2017), de Christopher Nolan , emplean técnicas complejas de montaje cruzado para generar impulso narrativo y aumentar la participación emocional del público. ^[28]
5. Montaje temático: el montaje también se puede utilizar para transmitir elementos temáticos o motivos en una película. The Royal Tenenbaums (2001) de Wes Anderson emplea el montaje para crear un lenguaje visual que refleja los temas de la película : la familia, la nostalgia y la pérdida. ^[29]

A medida que el medio cinematográfico continúa evolucionando, el montaje sigue siendo un aspecto integral de la narración visual, y los cineastas encuentran formas nuevas e innovadoras de emplear esta poderosa técnica.

La crítica cinematográfica es el análisis y la evaluación de películas. En general, estos trabajos se pueden dividir en dos categorías: la crítica académica de los estudiosos del cine y la crítica cinematográfica periodística que aparece regularmente en los periódicos y otros medios. Los críticos de cine que trabajan para periódicos, revistas y medios de difusión revisan principalmente los nuevos estrenos. Normalmente, solo ven una película determinada una vez y solo tienen un día o dos para formular sus opiniones. A pesar de esto, los críticos tienen un impacto importante en la respuesta de la audiencia y la asistencia a las películas, especialmente las de ciertos géneros . Las películas de acción , terror y comedia comercializadas en masa tienden a no verse muy afectadas por el juicio general de un crítico sobre una película. El resumen de la trama y la descripción de una película y la evaluación del trabajo del director y los guionistas que componen la mayoría de la mayoría de las reseñas de películas aún pueden tener un impacto importante en si las personas deciden ver una película. Para películas de prestigio, como la mayoría de los dramas y películas de arte , la influencia de las reseñas es importante. Las malas críticas de los principales críticos de los principales periódicos y revistas a menudo reducirán el interés y la asistencia de la audiencia.

El impacto de un crítico en el desempeño de taquilla de una película es un tema de debate. Algunos observadores afirman que el marketing cinematográfico en la década de 2000 es tan intenso, bien coordinado y bien financiado que los críticos no pueden evitar que una superproducción mal escrita o filmada logre el éxito en el mercado. Sin embargo, el fracaso cataclísmico de algunas películas muy promocionadas que recibieron duras críticas, así como el éxito inesperado de películas independientes elogiadas por la crítica, indican que las reacciones críticas extremas pueden tener una influencia considerable. Otros observadores señalan que se ha demostrado que las críticas positivas de películas despiertan el interés por películas poco conocidas. Por el contrario, ha habido varias películas en las que las compañías cinematográficas tienen tan poca confianza que se niegan a permitir que los críticos las vean por adelantado para evitar una crítica generalizada de la película. Sin embargo, esto suele ser contraproducente, ya que los críticos conocen la táctica y advierten al público de que la película puede no valer la pena verla y, como resultado, las películas suelen tener un mal desempeño. A los críticos de cine periodistas a veces se les llama críticos de cine. Los críticos que adoptan un enfoque más académico de las películas, mediante publicaciones en revistas de cine y la redacción de libros sobre películas utilizando la teoría cinematográfica o enfoques de estudios cinematográficos , estudian cómo funcionan las películas y las técnicas de filmación, y qué efecto tienen en las personas. En lugar de publicar sus reseñas en periódicos o en televisión, sus artículos se publican en revistas académicas o de alto nivel. También suelen estar afiliados a colegios o universidades como profesores o instructores.

La producción y exhibición de películas se convirtió en una fuente de ganancias casi tan pronto como se inventó el proceso. Al ver el éxito que había tenido su nuevo invento y su producto en su Francia natal, los Lumières se pusieron rápidamente a recorrer el continente para exhibir las primeras películas en privado a la realeza y en público a las masas. En cada país, normalmente añadían nuevas escenas locales a su catálogo y, con bastante rapidez, encontraron empresarios locales en los distintos países de Europa que compraban su equipo y fotografiaban, exportaban, importaban y proyectaban comercialmente más productos. La Pasión de Oberammergau de 1898 ^[31] fue la primera película comercial jamás producida. Pronto siguieron otras películas y las películas se convirtieron en una industria independiente que eclipsó al mundo del vodevil. Se formaron teatros y compañías dedicados específicamente a producir y distribuir películas, mientras que los actores de cine se convirtieron en grandes celebridades y cobraban enormes honorarios por sus actuaciones. En 1917, Charlie Chaplin tenía un contrato que exigía un salario anual de un millón de dólares. Desde 1931 hasta 1956, la película también fue el único sistema de almacenamiento y reproducción de imágenes para la programación televisiva hasta la introducción de las grabadoras de vídeo .

En los Estados Unidos, gran parte de la industria cinematográfica se centra en Hollywood, California . Existen otros centros regionales en muchas partes del mundo, como Bollywood , con sede en Mumbai , el cine hindi de la industria cinematográfica india que produce la mayor cantidad de películas del mundo. ^[32] Aunque el gasto que implica hacer películas ha llevado a que la producción cinematográfica se concentre bajo los auspicios de los estudios cinematográficos , los avances recientes en equipos de producción cinematográfica asequibles han permitido que florezcan las producciones cinematográficas independientes.

Las ganancias son una fuerza clave en la industria, debido a la naturaleza costosa y arriesgada de la realización cinematográfica; muchas películas tienen grandes sobrecostos , un ejemplo es Waterworld de Kevin Costner . Sin embargo, muchos cineastas se esfuerzan por crear obras de importancia social duradera. Los Premios de la Academia (también conocidos como "los Oscar") son los premios cinematográficos más importantes de los Estados Unidos, que otorgan reconocimiento cada año a las películas, en función de sus méritos artísticos. También existe una gran industria de películas educativas e instructivas realizadas en lugar de o además de conferencias y textos. Los ingresos en la industria a veces son volátiles debido a la dependencia de películas de gran éxito estrenadas en las salas de cine . El auge del entretenimiento doméstico alternativo ha planteado preguntas sobre el futuro de la industria cinematográfica, y el empleo en Hollywood se ha vuelto menos confiable, particularmente para películas de presupuesto medio y bajo. ^[33]

Los campos de estudio académicos derivados pueden interactuar con la producción cinematográfica y desarrollarse independientemente de ella, como en el caso de la teoría y el análisis cinematográficos. Se han creado campos de estudio académico que son derivados o dependientes de la existencia del cine, como la crítica cinematográfica , la historia del cine , las divisiones de la propaganda cinematográfica en los gobiernos autoritarios o la psicología sobre los efectos subliminales (por ejemplo, de una lata de refresco parpadeante durante una proyección). Estos campos pueden crear a su vez campos derivados, como una sección de reseñas de películas en un periódico o una guía de televisión. Las subindustrias pueden derivarse del cine, como las máquinas para hacer palomitas de maíz y los juguetes relacionados con el cine (por ejemplo, las figuras de Star Wars ). Las subindustrias de industrias preexistentes pueden ocuparse específicamente del cine, como la colocación de productos y otra publicidad dentro de las películas.

La terminología utilizada para describir las películas cinematográficas varía considerablemente entre el inglés británico y el estadounidense . En el uso británico, el nombre del medio es film . La palabra movie se entiende pero rara vez se usa. ^{[34] [35]} Además, las imágenes (plural) se utilizan con cierta frecuencia para referirse al lugar donde se exhiben las películas; en inglés estadounidense esto puede llamarse the movies , pero ese término se está volviendo obsoleto. En otros países, el lugar donde se exhiben las películas puede llamarse cinema o movie theatre .

En cambio, en Estados Unidos, el término predominante para este medio es película . Aunque las palabras film y movie se usan a veces indistintamente, film se usa más a menudo cuando se consideran aspectos artísticos , teóricos o técnicos . El término movies se refiere más a menudo a aspectos comerciales o de entretenimiento , como dónde ir para divertirse por la noche en una cita. Por ejemplo, un libro titulado How to Understand a Film probablemente trataría sobre la estética o la teoría del cine, mientras que un libro titulado Let's Go to the Movies probablemente trataría sobre la historia de las películas de entretenimiento y los éxitos de taquilla .

Se utiliza una terminología adicional para distinguir las diversas formas y medios utilizados en la industria cinematográfica. Las películas y las imágenes en movimiento son términos que se utilizan con frecuencia para las producciones cinematográficas y cinematográficas destinadas específicamente a la exhibición en salas, como La guerra de las galaxias . El DVD , el disco Blu-ray y la cinta de vídeo son formatos de vídeo que pueden reproducir una película fotoquímica. Una reproducción basada en ellos se denomina transferencia . Después de la aparición del cine teatral como industria, la industria de la televisión comenzó a utilizar la cinta de vídeo como medio de grabación. Durante muchas décadas, la cinta fue únicamente un medio analógico en el que se podían grabar o transferir imágenes en movimiento. Película y filmación se refieren al medio fotoquímico que registra químicamente una imagen visual y al acto de grabar respectivamente. Sin embargo, el acto de capturar imágenes con otros medios visuales, como con una cámara digital, todavía se llama filmación , y las obras resultantes a menudo se denominan películas como intercambiables a películas , a pesar de no estar filmadas en película. Las películas mudas no necesitan ser completamente mudas, sino que son películas y películas sin un diálogo audible, incluidas las que tienen un acompañamiento musical. La palabra talkies hace referencia a las primeras películas sonoras creadas para tener diálogos audibles grabados para su reproducción junto con la película, independientemente de un acompañamiento musical. El término cine engloba en sentido amplio tanto películas como filmes, o es aproximadamente sinónimo de cine y exhibición en salas de cine, y ambos se escriben con mayúscula cuando se hace referencia a una categoría de arte. La pantalla de cine hace referencia a la pantalla de proyección que se utiliza para exhibir películas y, por extensión, también se utiliza como metonimia para toda la industria cinematográfica.

El término pantalla ancha se refiere a un ancho mayor en relación con la altura del marco , en comparación con las relaciones de aspecto históricas anteriores . ^[36] Un largometraje o película de ficción es una película de larga duración convencional, generalmente de 60 minutos o más, que puede exhibirse por sí sola sin otras películas en una proyección con entrada. ^[37] Un cortometraje es una película que no es tan larga como un largometraje, que a menudo se proyecta con otros cortos o que precede a un largometraje. Una película independiente es una película realizada fuera de la industria cinematográfica convencional.

En el uso estadounidense, se habla de una proyección de una película o un vídeo en una pantalla de un teatro público o privado . En inglés británico, la proyección de una película se realiza en un cine (nunca en un teatro , que es un medio y un lugar totalmente diferentes). ^[35] El cine suele referirse a un recinto diseñado específicamente para exhibir películas, donde la pantalla está fijada a una pared, mientras que el teatro suele referirse a un lugar donde se produce una acción en directo, no grabada, o una combinación de ellas, desde un podio u otro tipo de escenario, incluido el anfiteatro. Los teatros todavía pueden proyectar películas en ellos, aunque el teatro se acondicionaría para hacerlo. Uno podría proponer ir al cine cuando se hace referencia a la actividad, o a veces a las imágenes en inglés británico, mientras que la expresión estadounidense suele ser ir al cine . Un cine suele mostrar una película comercializada en masa utilizando un proceso de pantalla de proyección frontal con un proyector de películas o, más recientemente, con un proyector digital. Sin embargo, los cines también pueden proyectar películas de sus transferencias de video domésticas, que incluyen discos Blu-ray, DVD y videocasetes, cuando poseen una calidad de proyección suficiente o según la necesidad, como películas que existen solo en su estado transferido, lo que puede deberse a la pérdida o deterioro del master de la película y las copias de las que originalmente existía la película. Debido al advenimiento de la producción y distribución de películas digitales , la película física podría desaparecer por completo.

Una función doble es la proyección de dos largometrajes independientes comercializados de forma independiente. Una proyección es la visualización de una película. Las ventas y la taquilla se refieren a las entradas vendidas en un cine o, más actualmente, a los derechos vendidos para funciones individuales. Un estreno es la distribución y, a menudo, la proyección simultánea de una película. Un preestreno es una proyección previa al estreno principal.

Cualquier película también puede tener una secuela , que retrata eventos posteriores a los de la película. La novia de Frankenstein es un ejemplo temprano. Cuando hay más de una película con los mismos personajes, arcos argumentales o temas temáticos, estas películas se convierten en una serie , como la serie de James Bond . Existir fuera de una línea de tiempo de historia específica generalmente no excluye que una película sea parte de una serie. Una película que retrata eventos que ocurren antes en una línea de tiempo con los de otra película, pero que se estrena después de esa película, a veces se llama precuela , un ejemplo es Butch y Sundance: The Early Days .

Los créditos , o créditos finales , son una lista que da crédito a las personas involucradas en la producción de una película. Las películas de antes de la década de 1970 generalmente comienzan una película con créditos, a menudo terminando solo con una tarjeta de título, diciendo "El final" o algún equivalente, a menudo un equivalente que depende del idioma de la producción. ^{[ cita requerida ]} A partir de entonces, los créditos de una película suelen aparecer al final de la mayoría de las películas. Sin embargo, las películas con créditos que terminan una película a menudo repiten algunos créditos al comienzo o cerca del comienzo de una película y, por lo tanto, aparecen dos veces, como los protagonistas de esa película, mientras que con menos frecuencia algunos que aparecen cerca o al comienzo solo aparecen allí, no al final, lo que a menudo sucede con el crédito del director. Los créditos que aparecen al comienzo o cerca del comienzo de una película generalmente se denominan títulos o títulos iniciales . Una escena posterior a los créditos es una escena que se muestra después del final de los créditos. Ferris Bueller's Day Off tiene una escena posterior a los créditos en la que Ferris le dice a la audiencia que la película terminó y que deberían irse a casa.

El reparto de una película se refiere a una colección de actores y actrices que aparecen, o protagonizan , una película. Una estrella es un actor o actriz, a menudo popular, y en muchos casos, una celebridad que interpreta a un personaje central en una película. Ocasionalmente, la palabra también se puede usar para referirse a la fama de otros miembros del equipo, como un director u otra personalidad, como Martin Scorsese . Un equipo generalmente se interpreta como las personas involucradas en la construcción física de una película fuera de la participación del elenco, y podría incluir directores, editores de películas, fotógrafos, maquinistas, jefes de iluminación, decoradores de escenarios, maestros de utilería y diseñadores de vestuario. Una persona puede ser parte del elenco y el equipo de una película, como Woody Allen , quien dirigió y protagonizó Take the Money and Run .

Un aficionado al cine , aficionado al cine o cinéfilo es una persona a la que le gustan las películas o asiste a ellas con frecuencia, y cualquiera de estos, aunque más a menudo el último, también podría considerarse un estudioso de las películas o del proceso cinematográfico. El interés intenso por las películas, la teoría cinematográfica y la crítica cinematográfica se conoce como cinefilia . Un entusiasta del cine se conoce como cinéfilo o cinéfilo .

El preestreno se refiere a la proyección de una película a una audiencia seleccionada, generalmente con fines de promociones corporativas, antes del estreno público de la película en sí. Los preestrenos a veces se utilizan para juzgar la reacción de la audiencia, que si es inesperadamente negativa, puede resultar en la repetición de cortes o incluso la refilmación de ciertas secciones en función de la respuesta de la audiencia . Un ejemplo de una película que se modificó después de una respuesta negativa de la proyección de prueba es First Blood de 1982. Después de que la audiencia de prueba respondió muy negativamente a la muerte del protagonista John Rambo , un veterano de Vietnam , al final de la película, la compañía escribió y volvió a filmar un nuevo final en el que el personaje sobrevive. ^[38]

Los tráilers o avances son anuncios de películas que se exhibirán en un cine en uno o tres meses. En los primeros tiempos del cine, cuando los cines tenían solo una o dos pantallas, solo se mostraban ciertos tráilers de las películas que se iban a exhibir allí. Más tarde, cuando los cines agregaron más pantallas o se construyeron nuevos cines con muchas pantallas, se mostraban todos los tráilers diferentes, incluso si no se proyectaba esa película en ese cine. Los estudios cinematográficos se dieron cuenta de que cuantos más tráilers se mostraban (incluso si no se proyectaban en ese cine en particular), más espectadores irían a un cine diferente para ver la película cuando se estrenara. El término tráiler proviene de que originalmente se mostraban al final de un programa de películas. Esa práctica no duró mucho porque los espectadores tendían a abandonar el cine después de que terminaban las películas, pero el nombre se ha mantenido. Ahora los tráilers se muestran antes de que comience la película (o la "película A" en un programa de funciones dobles). Los tráilers de películas también son comunes en DVD y discos Blu-ray, así como en Internet y dispositivos móviles. Los tráilers se crean para que resulten atractivos e interesantes para los espectadores. Como resultado, en la era de Internet, los espectadores suelen buscar tráilers para verlos. De los diez mil millones de vídeos vistos en línea anualmente en 2008, los tráilers de películas ocuparon el tercer lugar, después de las noticias y los vídeos creados por los usuarios. ^[39] Un teaser es un avance o anuncio mucho más corto que dura solo entre 10 y 30 segundos. Los teasers se utilizan para entusiasmar a los espectadores con una película que se estrenará en los próximos seis a doce meses. Los teasers pueden producirse incluso antes de que se complete la producción de la película.

Las películas son artefactos culturales creados por culturas específicas que facilitan el diálogo intercultural. Se considera una forma de arte importante que brinda entretenimiento y valor histórico, y que a menudo documenta visualmente un período de tiempo. La base visual del medio le otorga un poder universal de comunicación, que a menudo se extiende aún más mediante el uso del doblaje o los subtítulos para traducir el diálogo a otros idiomas. ^[42] El solo hecho de ver una ubicación en una película está vinculado a un mayor turismo hacia esa ubicación, lo que demuestra cuán poderosa puede ser la naturaleza sugerente del medio. ^[43]

El cine se utiliza con diversos fines, entre ellos la educación y la propaganda, debido a su capacidad para entablar un diálogo intercultural eficaz. Cuando el propósito es principalmente educativo, una película se denomina " película educativa ". Algunos ejemplos son las grabaciones de conferencias y experimentos académicos, o una película basada en una novela clásica. Una película puede ser propagandística , en su totalidad o en parte, como las películas realizadas por Leni Riefenstahl en la Alemania nazi, los avances de películas de guerra estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial o las películas artísticas realizadas bajo Stalin por Sergei Eisenstein . También pueden ser obras de protesta política, como en las películas de Andrzej Wajda , o más sutilmente, las películas de Andrei Tarkovsky . Una misma película puede ser considerada educativa por algunos, y propagandística por otros, ya que la categorización de una película puede ser subjetiva.

En esencia, los medios para producir una película dependen del contenido que el cineasta desea mostrar y del aparato para exhibirlo: el zoótropo simplemente requiere una serie de imágenes en una tira de papel. La producción cinematográfica, por lo tanto, puede requerir tan solo una persona con una cámara (o incluso sin cámara, como en la película de Stan Brakhage de 1963 Mothlight ), o miles de actores, extras y miembros del equipo para una epopeya de acción en vivo de larga duración. Los pasos necesarios para casi cualquier película se pueden resumir en concepción, planificación, ejecución, revisión y distribución. Cuanto más compleja sea la producción, más importante se vuelve cada uno de los pasos. En un ciclo de producción típico de una película de estilo Hollywood, estas etapas principales se definen como desarrollo , preproducción , producción , posproducción y distribución .

Este ciclo de producción suele durar tres años. El primer año se dedica al desarrollo . El segundo año comprende la preproducción y la producción . El tercer año, la posproducción y la distribución . Cuanto mayor sea la producción, más recursos se necesitan y más importante se vuelve la financiación ; la mayoría de los largometrajes son obras artísticas desde la perspectiva de los creadores (por ejemplo, director de cine , director de fotografía , guionista ) y entidades comerciales con fines de lucro para las compañías de producción.

Un equipo de filmación es un grupo de personas contratadas por una compañía cinematográfica, empleadas durante la fase de "producción" o "fotografía", con el propósito de producir una película o una película. El equipo se distingue del elenco , que son los actores que aparecen frente a la cámara o brindan voces para los personajes de la película. El equipo interactúa con el personal de producción , pero también es distinto de él , que consiste en productores, gerentes, representantes de la compañía, sus asistentes y aquellos cuya responsabilidad principal recae en las fases de preproducción o posproducción, como guionistas y editores de películas . La comunicación entre producción y equipo generalmente pasa por el director y su personal de asistentes. Los equipos medianos a grandes generalmente se dividen en departamentos con jerarquías bien definidas y estándares para la interacción y cooperación entre los departamentos. Aparte de la actuación, el equipo maneja todo en la fase de fotografía: accesorios y vestuario, rodaje, sonido, electricidad (es decir, luces), decorados y efectos especiales de producción. Los proveedores de catering (conocidos en la industria cinematográfica como "servicios artesanales") generalmente no se consideran parte del equipo.

La película se compone de celuloide transparente , acetato o base de poliéster recubierta de una emulsión que contiene sustancias químicas sensibles a la luz. El nitrato de celulosa fue el primer tipo de base de película utilizada para grabar películas, pero debido a su inflamabilidad fue finalmente reemplazado por materiales más seguros. Los anchos de la película y el formato de la película para las imágenes en el carrete tienen una rica historia, aunque la mayoría de las grandes películas comerciales todavía se filman (y se distribuyen a los cines) como copias de 35 mm . Originalmente, la película de imágenes en movimiento se filmaba y proyectaba a varias velocidades utilizando cámaras y proyectores accionados manualmente ; aunque 1000 fotogramas por minuto ( 162/3⁠ fotograma/s) se cita generalmente como una velocidad muda estándar, la investigación indica que la mayoría de las películas se filmaron entre 16 fotograma/s y 23 fotograma/s y se proyectaron desde 18 fotograma/s en adelante (a menudo, los carretes incluían instrucciones sobre qué tan rápido se debía mostrar cada escena). ^{[44] Cuando se introdujo} la película con sonido sincronizado a fines de la década de 1920, se requirió una velocidad constante para el cabezal de sonido. Se eligieron 24 fotogramas por segundo porque era la velocidad más lenta (y, por lo tanto, la más barata) que permitía una calidad de sonido suficiente. ^[45] El estándar se estableció con The Jazz Singer de Warner Bros. y su sistema Vitaphone en 1927. ^{[46] [47]} Las mejoras desde finales del siglo XIX incluyen la mecanización de las cámaras, lo que les permite grabar a una velocidad constante, el diseño silencioso de la cámara, lo que permite que el sonido grabado en el set se pueda utilizar sin necesidad de grandes "dirigibles" para encerrar la cámara, la invención de películas y lentes más sofisticados , lo que permite a los directores filmar en condiciones cada vez más oscuras, y el desarrollo del sonido sincronizado, lo que permite grabar el sonido exactamente a la misma velocidad que su acción correspondiente. La banda sonora se puede grabar por separado del rodaje de la película, pero para las películas de acción en vivo, muchas partes de la banda sonora generalmente se graban simultáneamente.

Como medio, el cine no se limita a las películas, ya que la tecnología se desarrolló como base para la fotografía . Puede usarse para presentar una secuencia progresiva de imágenes fijas en forma de presentación de diapositivas. El cine también se ha incorporado a presentaciones multimedia y a menudo tiene importancia como documentación histórica primaria. Sin embargo, las películas históricas tienen problemas en términos de conservación y almacenamiento, y la industria cinematográfica está explorando muchas alternativas. La mayoría de las películas a base de nitrato de celulosa se han copiado en películas de seguridad modernas. Algunos estudios guardan las películas en color mediante el uso de másters de separación : tres negativos en blanco y negro, cada uno expuesto a través de filtros rojo, verde o azul (esencialmente un proceso inverso al Technicolor ). Los métodos digitales también se han utilizado para restaurar películas, aunque su continuo ciclo de obsolescencia los convierte (a partir de 2006) en una mala opción para la conservación a largo plazo. La conservación de películas en descomposición es un tema de preocupación tanto para los historiadores y archivistas de cine como para las empresas interesadas en preservar sus productos existentes para ponerlos a disposición de las generaciones futuras (y, por lo tanto, aumentar los ingresos). La conservación es generalmente una preocupación mayor en el caso de las películas de nitrato y de color de una sola tira, debido a sus altas tasas de descomposición; las películas en blanco y negro sobre bases de seguridad y las películas en color conservadas en impresiones de imbibición Technicolor tienden a conservarse mucho mejor, suponiendo un manejo y almacenamiento adecuados.

Algunas películas de las últimas décadas se han grabado utilizando tecnología de vídeo analógica similar a la que se utiliza en la producción de televisión . Las cámaras de vídeo digitales modernas y los proyectores digitales también están ganando terreno. Estos enfoques son los preferidos por algunos cineastas, especialmente porque el material grabado con cine digital se puede evaluar y editar con sistemas de edición no lineal (NLE) sin tener que esperar a que se procese la película. La migración fue gradual y, en 2005, la mayoría de las películas más importantes todavía se filmaban en película. ^{[ necesita actualización ]}

La producción cinematográfica independiente suele tener lugar fuera de Hollywood u otros grandes estudios cinematográficos . Una película independiente (o película indie) es una película producida inicialmente sin financiación ni distribución de un gran estudio cinematográfico . Las razones creativas, comerciales y tecnológicas han contribuido al crecimiento de la escena cinematográfica independiente a finales del siglo XX y principios del XXI. Desde el punto de vista comercial, los costes de las películas de estudio de gran presupuesto también conducen a elecciones conservadoras en cuanto a reparto y equipo. En Hollywood hay una tendencia hacia la cofinanciación (más de dos tercios de las películas estrenadas por Warner Bros. en 2000 fueron empresas conjuntas, frente al 10% en 1987). ^[48] A un director aspirante casi nunca se le da la oportunidad de conseguir un trabajo en una película de estudio de gran presupuesto a menos que tenga una experiencia significativa en la industria del cine o la televisión. Además, los estudios rara vez producen películas con actores desconocidos, especialmente en papeles principales.

Antes de la llegada de las alternativas digitales , el coste de los equipos y el material cinematográficos profesionales también era un obstáculo para poder producir, dirigir o protagonizar una película de estudio tradicional. Pero la llegada de las videocámaras de consumo en 1985 y, lo que es más importante, la llegada del vídeo digital de alta resolución a principios de los años 90, han reducido significativamente la barrera tecnológica para la producción cinematográfica. Tanto los costes de producción como de posproducción se han reducido significativamente; en la década de 2000, el hardware y el software para la posproducción se pueden instalar en un ordenador personal de consumo . Tecnologías como los DVD , las conexiones FireWire y una amplia variedad de software de edición de vídeo de calidad profesional y de consumo hacen que la realización de películas sea relativamente asequible.

Desde la introducción de la tecnología de vídeo digital (DV) , los medios de producción se han democratizado. Es posible que los cineastas filmen una película con una cámara de vídeo digital y editen la película, creen y editen el sonido y la música, y mezclen el corte final en un ordenador doméstico de alta gama. Sin embargo, aunque los medios de producción se hayan democratizado, la financiación, la distribución y la comercialización siguen siendo difíciles de conseguir fuera del sistema tradicional. La mayoría de los cineastas independientes dependen de los festivales de cine para que sus películas sean conocidas y vendidas para su distribución. La llegada de sitios web de vídeo basados ​​en Internet, como YouTube y Veoh, ha cambiado aún más el panorama cinematográfico, permitiendo a los cineastas independientes poner sus películas a disposición del público.

Una película de contenido abierto es muy similar a una película independiente, pero se produce a través de colaboraciones abiertas; su material original está disponible bajo una licencia lo suficientemente permisiva como para permitir que otras partes creen fan fiction o trabajos derivados en lugar de un copyright tradicional. Al igual que el cine independiente, el cine de código abierto se realiza fuera de Hollywood y otros sistemas de estudios importantes . Por ejemplo, la película Balloon se basó en un evento real durante la Guerra Fría . ^[49]

Una película de fans es una película o un vídeo inspirado en una película, un programa de televisión , un cómic o una fuente similar, creada por fans en lugar de por los titulares de los derechos de autor o los creadores de la fuente. Los cineastas de fans han sido tradicionalmente aficionados , pero algunas de las películas más notables han sido producidas por cineastas profesionales como proyectos de clase de la escuela de cine o como carretes de demostración. Las películas de fans varían enormemente en duración, desde pequeños avances falsos de películas inexistentes hasta películas de larga duración más raras.

La distribución de películas es el proceso mediante el cual una película se pone a disposición del público para su visualización . Normalmente, esta es la tarea de un distribuidor de películas profesional , que determinaría la estrategia de marketing de la película, los medios por los que se exhibirá o se pondrá a disposición para su visualización, y puede establecer la fecha de estreno y otros asuntos. La película puede exhibirse directamente al público ya sea a través de una sala de cine (históricamente, la principal forma de distribución de películas) o de la televisión para su visualización en el hogar (incluidos los formatos DVD-Video o Blu-ray Disc , video a pedido , descarga en línea , programas de televisión a través de sindicación de transmisión , etc.). Otras formas de distribuir una película incluyen el alquiler o la compra personal de la película en una variedad de medios y formatos, como cintas VHS o DVD , o la descarga o transmisión por Internet mediante una computadora.

La animación es una técnica en la que cada fotograma de una película se produce individualmente, ya sea generado como un gráfico de computadora, o fotografiando una imagen dibujada, o haciendo pequeños cambios repetidamente a una unidad de modelo (ver claymation y stop motion ), y luego fotografiando el resultado con una cámara de animación especial . Cuando los fotogramas se encadenan y la película resultante se ve a una velocidad de 16 o más fotogramas por segundo, existe una ilusión de movimiento continuo (debido al fenómeno phi ). Generar una película de este tipo es muy laborioso y tedioso, aunque el desarrollo de la animación por computadora ha acelerado enormemente el proceso. Debido a que la animación requiere mucho tiempo y a menudo es muy cara de producir, la mayoría de la animación para televisión y películas proviene de estudios de animación profesionales. Sin embargo, el campo de la animación independiente ha existido al menos desde la década de 1950, con animación producida por estudios independientes (y a veces por una sola persona). Varios productores de animación independientes han pasado a ingresar a la industria de la animación profesional.

La animación limitada es una forma de aumentar la producción y disminuir los costos de animación mediante el uso de "atajos" en el proceso de animación. Este método fue iniciado por UPA y popularizado por Hanna-Barbera en los Estados Unidos y por Osamu Tezuka en Japón, y adaptado por otros estudios a medida que los dibujos animados pasaron de los cines a la televisión . ^[50] Aunque la mayoría de los estudios de animación ahora utilizan tecnologías digitales en sus producciones, existe un estilo específico de animación que depende de la película. La animación sin cámara, que se hizo famosa por cineastas como Norman McLaren , Len Lye y Stan Brakhage , se pinta y dibuja directamente sobre trozos de película y luego se proyecta a través de un proyector.

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• Plataformas
  • Película para televisión
  • Película web

• Burton, Gideon O. y Randy Astle, editores adjuntos (2007). "Mormones y cine", número especial completo, BYU Studies (Universidad Brigham Young), vol. 46 (2007), núm. 2. 336 págs., il. ISSN  0007-0106.
• Hickenlooper, George (1991). Reel [sic] Conversations: Candid Interviews with Film's Foremost Directors and Critics , en serie, Citadel Press Book[s] . Nueva York: Carol Publishing Group. xii, 370 pág. ISBN 0-8065-1237-7 . 
• Thomson, David (2002). El nuevo diccionario biográfico del cine (4.ª ed.). Nueva York: AA Knopf. ISBN 0-375-41128-3.
• Jeffrey Zacks (2014). Flicker: Tu cerebro en las películas . Oxford University Press . ISBN 978-0-19-998287-5.

• Allmovie – Información sobre películas: actores, directores, biografías, críticas, elenco y créditos de producción, ventas de taquilla y otros datos de películas.
• Sitio de películas: reseñas de películas clásicas
• Rottentomatoes.com – Reseñas de películas, avances, foros, fotos, información del elenco y más.
• IMDb : La base de datos de películas de Internet: información sobre películas actuales e históricas y listas de actores (archivada el 22 de enero de 1997)