El combate: la mujer que aboga por los vencidos

El combate: Mujer suplicando por los vencidos es una gran pintura al óleo sobre lienzo del artista inglés William Etty , exhibida por primera vez en 1825 y ahora en la Galería Nacional de Escocia . Inspirada en los mármoles de Elgin y con la intención del artista de brindar una lección moral sobre "la belleza de la misericordia", muestra a un guerrero casi desnudo cuya espada se ha roto, obligado a arrodillarse frente a otro soldado casi desnudo que se prepara para infligir un golpe mortal. Una mujer, también casi desnuda, agarra al guerrero victorioso para suplicarle misericordia . Inusualmente para una pintura histórica de la época, El combate no representa una escena de la historia, la literatura o la religión y no se basa en una obra de arte existente, sino que es una escena de la propia imaginación del artista.

Cuando se mostró en la Exposición de Verano de la Real Academia de 1825, recibió elogios casi universales de los críticos por su excelencia técnica, su fusión de estilos de diferentes escuelas de pintura y su temática. Sin embargo, no logró encontrar comprador en la Exposición de Verano y, en su lugar, fue comprado por su colega artista John Martin . La pintura resultó demasiado grande para la casa de Martin y, en 1831, la vendió a la Real Academia Escocesa . En 1910 fue transferida a la Galería Nacional de Escocia, donde permanece.

William Etty nació en 1787, hijo de un panadero y un molinero de York . ^[1] Comenzó como aprendiz de impresor en Hull . ^[2] Al completar su aprendizaje de siete años, se mudó a la edad de 18 años a Londres "con algunos trozos de crayones de tiza", ^[3] con la intención de convertirse en un pintor de historia en la tradición de los Viejos Maestros . ^[4] Fuertemente influenciado por las obras de Tiziano y Rubens , presentó pinturas a la Royal Academy of Arts y a la British Institution , todas las cuales fueron rechazadas o recibieron escasa atención cuando se exhibieron. ^[5]

En 1821, la Royal Academy aceptó y exhibió una de las obras de Etty, La llegada de Cleopatra a Cilicia (también conocida como El triunfo de Cleopatra ). ^[5] La pintura fue muy bien recibida y muchos de los artistas colegas de Etty lo admiraban profundamente. Después de los elogios a Cleopatra , Etty intentó replicar su éxito pintando figuras desnudas en escenarios bíblicos, literarios y mitológicos, ^[6] más notablemente Un boceto de una de las odas de Gray (Juventud en la proa) en 1822, ^{[7] [A]} y la controvertida Pandora coronada por las estaciones en 1824. Etty había viajado mucho por Italia en 1823 y pintó Pandora apresuradamente a su regreso como un "testimonio del progreso reciente" que había hecho mientras estudiaba pinturas en colecciones italianas. ^[9] La opinión crítica sobre Pandora estuvo muy dividida: algunos críticos la elogiaron enormemente como un logro técnico, mientras que otros la vieron como un pastiche apresurado de Tiziano y Rubens. ^{[10] [11]} Pandora coronada por las estaciones se vendió por 300  guineas (alrededor de £ 35,000 en términos de 2024 ^[12] ), ^[11] y le aseguró a Etty el puesto de asociada en la Real Academia de las Artes. ^[13]

Aunque algunos desnudos de artistas extranjeros se conservaban en colecciones privadas inglesas, el país no tenía tradición de pintura de desnudos y la exhibición y distribución de material de desnudos al público había sido suprimida desde la Proclamación para el Desaliento del Vicio de 1787. ^[14] Etty fue el primer artista británico en especializarse en el desnudo, y la reacción de las clases bajas a estas pinturas causó preocupación durante todo el siglo XIX. ^[15] Muchos críticos condenaron sus repetidas representaciones de desnudez femenina como indecentes, aunque sus retratos de desnudos masculinos fueron generalmente bien recibidos. ^[16]

Etty estaba fascinado con las obras de arte clásicas como las que había visto durante sus recientes viajes a Italia, y en particular con los mármoles de Elgin , un conjunto de importantes esculturas griegas antiguas llevadas a Londres en circunstancias controvertidas a principios del siglo XIX. ^[17]

El combate: Mujer suplicando por los vencidos es una pintura de gran tamaño, de 399 cm (13 pies 1 pulgada) de ancho. ^[18] Representa a un soldado derrotado, arrodillado frente a otro soldado. El combatiente derrotado se esfuerza por liberarse del agarre del guerrero victorioso, que está de pie, levantando una espada. Una mujer arrodillada agarra la cintura del soldado victorioso, levantando su rostro hacia él para rogarle que perdone a su enemigo derrotado. ^[17] El guerrero derrotado tiene un cuerpo más fuerte, un rostro más acorde con las convenciones de atractivo de la época y una expresión más comprensiva, mientras que el hombre victorioso tiene la piel más oscura y una expresión de fiereza vacía. La espada del soldado vencido se ha roto y yace a su lado en el suelo. ^[19]

Etty no basó El combate en ningún incidente aislado de la historia o la literatura, ni en ninguna obra de arte existente, sino en su propia imaginación; ^[17] este fue un paso muy inusual para tomar con respecto a las pinturas históricas, que generalmente representaban temas de la literatura o la religión. ^{[20] [B]} Había estado considerando el tema ya en 1821, y sus planes tomaron forma después de su visita a Italia. ^[20] Durante esta visita Etty había conocido a Antonio Canova y había quedado muy impresionado por él; El combate está claramente influenciado por su trabajo. ^[22] Además de inspirarse en la escultura clásica, también estuvo fuertemente influenciado por la composición de las obras de los viejos maestros que había visto mientras estaba en Italia. ^[17] Como ocurre con muchas de las obras de Etty, los modelos posaron para él por separado en su estudio, en lugar de hacerlo en grupo. ^[23]

Etty, escribiendo en 1849, describió el propósito de El combate como "pintar una gran moraleja sobre el corazón [de] la belleza de la misericordia". ^[24] El biógrafo de Etty de 1958, Dennis Farr, señala similitudes en la composición de El combate y el dibujo de John Flaxman Heracles matando a un hombre al que se aferra una mujer , pero aunque Etty y Flaxman fueron contemporáneos en la Royal Academy, no se sabe si Etty conocía este dibujo. ^{[25] [C]}

En el estudio al óleo inicial del guerrero derrotado ( York Art Gallery ), Etty le dio al personaje una apariencia más desafiante que la que se ve en la versión final. En este boceto preliminar, no está de rodillas, sino que extiende la pierna para sostenerse. Tiene una expresión de desafío y determinación, en lugar de la súplica de misericordia y la postura de derrota total que se muestran en la obra final. ^[27]

La obra terminada El combate: la mujer abogando por los vencidos se exhibió en la Exposición de Verano de la Real Academia en 1825. ^[11]

En su exposición, El combate fue en general muy elogiado por los críticos por su excelencia técnica, su combinación de los estilos de pintura veneciano e inglés, y como una indicación de que Etty se estaba alejando de la desnudez y acercándose a la pintura histórica. ^[18] La revista europea y la London Review comentaron que "en color, este cuadro nos recuerda fuertemente a los grandes héroes de la escuela veneciana, mientras que en inteligencia erudita de la forma y energía de la acción, los supera ampliamente", observando que "no deberíamos tener la menor objeción a ver este cuadro colocado en una de las primeras galerías, al lado de Tiziano y Paul Veronese ". ^[19]

En la misma línea, The Lady's Magazine consideró que El combate "demuestra claramente el progreso de [Etty] hacia la excelencia", y señaló que "nunca hubo un grupo más preparado para mostrar la acción en la que el poder de la conquista se delinea de manera tan eminente y temible" y que "tenemos pocas dudas de que las obras de Tiziano fueron, en su primera aparición... lo que esta pieza es ahora". El mismo corresponsal encontró algunos defectos en los músculos demasiado pronunciados del muslo del vencedor y la falta de definición de los músculos en las piernas del hombre derrotado, pero consideró que, a pesar de esto, El combate era "una de las obras más finas y magistrales que jamás adornaron las paredes de la Royal Academy". ^[28]

La revista London Magazine fue igualmente efusiva sobre la pintura, admirando la capacidad de Etty para fusionar su propia imaginación con temas derivados de los mármoles de Elgin y de los viejos maestros venecianos, ^[29] y comentando que "siempre es gratificante para aquellos que sienten el honor y la independencia de la pintura cuando, como en el presente caso, un artista confía con éxito en la naturaleza y los recursos de su propia mente para su tema, y ​​en la apreciación de las mentes colegiales para su modo de tratarlo". ^[30] The Times , un periódico que había condenado previamente a Etty como "ofensivo e indecente", ^[31] consideró que "aunque defectuoso en algunos aspectos" El combate fue "un esfuerzo magistral" que fusionó con éxito "las floridas bellezas de la escuela veneciana" con la "sobria dignidad y poder de la escuela romana" y que, en comparación con sus pinturas anteriores, que eran "demasiado uniformemente débiles en carácter y meretrices en efecto para merecer un elogio muy decidido", la pintura demostró que Etty era "capaz de mantener una posición mucho más alta en el arte de lo que nos habían hecho esperar". ^[32]

Un crítico anónimo del primer número de la efímera revista ^[33] The Parthenon elogió enormemente El Combate , en particular el pie derecho de la figura femenina:

[Etty es] un artista que hasta ahora sólo se ha presentado al público en unos pocos cuadros de caballete pequeños, sorprendentes por su disposición y su aproximación al sistema de color veneciano, pero carentes de interés particular. Ahora se presenta con un nuevo carácter: como pintor en el gran estilo de la composición épica; y si sus futuros esfuerzos igualan las expectativas que suscitó su primer ensayo, tendremos motivos para alegrarnos por el cambio. Su grupo ideal de "El combate", en la presente exposición en la Royal Academy, es particularmente sorprendente por su combinación poco común de bellezas, sin poseer ningún mérito extraordinario en ninguna cualidad individual, tomada por separado. Su estilo de colorido, tal vez, constituye su característica más distintiva; y en este sentido, el artista todavía se ha adherido estrechamente al sistema seguido por la escuela veneciana. La disposición de sus colores es admirablemente lograda, y podríamos citar pasajes individuales de extraordinaria belleza. De ellos, ninguno es más merecedor que el pie derecho de la mujer, que parece realmente brillar con el rico jugo de la vida. En general, las extremidades están bien entendidas y cuidadosamente ejecutadas, y la composición de las figuras es del estilo más magistral.

—  Reseña de The Combat en The Parthenon , 11 de junio de 1825 ^[34]

El pie en cuestión no fue universalmente admirado por los críticos; el corresponsal anónimo de The London Magazine , que por lo demás fue efusivo en sus elogios a The Combat , consideró que dicho pie "parece demasiado pintado a partir de un pie moderno acostumbrado a la compresión de un zapato, para el carácter heroico y el aire clásico del resto de la obra" y que su pierna parecía demasiado corta. ^{[35] [D]}

Wikisource tiene el texto original relacionado con este artículo:

'El Combate, de Etty', un poema de LEL

El cuadro es el tema de uno de los Poetical Sketches of Modern Pictures de Letitia Elizabeth Landon en su colección de 1826, The Troubadour.

Al no poder venderse en la Exposición de Verano, ^[37] El Combate fue comprado a Etty por su compañero artista John Martin por 300 guineas (alrededor de £31,000 en términos de 2024 ^[12] ), siguiendo una promesa que Martin le había hecho a Etty antes de que la pintura estuviera terminada. ^{[38] [E]} La pintura era demasiado grande para la casa de Martin, y en 1831 la vendió a la Real Academia Escocesa . ^[38] Fue transferida en 1910 a la cercana Galería Nacional de Escocia, donde permanece. ^[40] Una de las principales obras de Etty, fue exhibida en numerosas exposiciones importantes, incluida la influyente Exposición de Tesoros de Arte de 1857, antes de que Etty pasara de moda en la segunda mitad del siglo XIX. ^[40]

A lo largo de su vida, El combate siguió siendo considerada una de las pinturas más poderosas de Etty. ^[24] En 1845, Etty tomó una copia más pequeña de 89 por 118 cm (35 por 46 pulgadas) de El combate , que había sido pintada por un artista desconocido de Edimburgo, y la reelaboró ​​​​por completo para que sirviera como base para un grabado de George Thomas Doo . ^[25] El grabado se publicó tres años después, ^[41] y la pintura utilizada como modelo pasó por las manos de varios coleccionistas en los años posteriores, antes de ingresar a la colección del Museo Ringling en 1934. ^[25] También están en circulación varios bocetos atribuidos a Etty, bajo el nombre de Un estudio para la misericordia intercediendo por los vencidos . ^[25]

Después del éxito de El combate , Etty continuó con su tema preferido de pinturas históricas que contenían desnudez; de las 15 imágenes que exhibió en la Royal Academy durante la década de 1820 (incluidas Cleopatra , Pandora y El combate ), todas menos una contenían una figura desnuda. ^[42] Fue elegido académico real de pleno derecho en 1828, ^[9] en ese momento el honor más prestigioso disponible para un artista. ^{[43] [F]} El combate fue la primera obra de gran tamaño que intentó realizar Etty, y su éxito lo impulsó a producir más obras en una escala similar durante el resto de su carrera; produjo nueve pinturas de gran tamaño que ilustraban temas morales a lo largo de su carrera. A medida que pasaba el tiempo, sus lienzos comenzaron a estar cada vez más dominados por mujeres desnudas. ^[24]

La exposición de 1832 de Jóvenes en la proa y placer al timón , una pintura que contenía figuras desnudas aparentemente gratuitas, tuvo una recepción hostil por parte de los críticos. ^[44] A partir de entonces, mientras Etty continuó pintando figuras desnudas durante el resto de su carrera, hizo un esfuerzo consciente para tratar de ilustrar lecciones morales con su trabajo. ^[45] Este esfuerzo no fue del todo exitoso y algunos siguieron considerándolo un pornógrafo durante toda su carrera. Murió a fines de 1849 y, después de su muerte, las pinturas de desnudos pasaron rápidamente de moda en Gran Bretaña. ^[46]

• Burnage, Sarah (2011a). "Etty y los maestros". En Burnage, Sarah; Hallett, Mark; Turner, Laura (eds.). William Etty: arte y controversia . Londres: Philip Wilson Publishers. págs. 154–97. ISBN 978-0-85667-701-4.OCLC 800599710  .
• Burnage, Sarah (2011b). "La pintura histórica y los críticos". En Burnage, Sarah; Hallett, Mark; Turner, Laura (eds.). William Etty: Art & Controversy . Londres: Philip Wilson Publishers. págs. 106–54. ISBN 978-0-85667-701-4.OCLC 800599710  .
• Burnage, Sarah (2011c). "La clase de vida". En Burnage, Sarah; Hallett, Mark; Turner, Laura (eds.). William Etty: Art & Controversy . Londres: Philip Wilson Publishers. págs. 198–227. ISBN 978-0-85667-701-4.OCLC 800599710  .
• Burnage, Sarah (2011d). “Pintar desnudos e infligir venganza divina a los malvados”". En Burnage, Sarah; Hallett, Mark; Turner, Laura (eds.). William Etty: Art & Controversy . Londres: Philip Wilson Publishers. págs. 31–46. ISBN 978-0-85667-701-4.OCLC 800599710  .
• Burnage, Sarah; Bertram, Beatrice (2011). "Cronología". En Burnage, Sarah; Hallett, Mark; Turner, Laura (eds.). William Etty: Art & Controversy . Londres: Philip Wilson Publishers. págs. 20–30. ISBN 978-0-85667-701-4.OCLC 800599710  .
• Farr, Dennis (1958). William Etty . Londres: Routledge y Kegan Paul. OCLC  2470159.
• Gilchrist, Alexander (1855). Vida de William Etty, RA . Vol. 2. Londres: David Bogue. OCLC  2135826.
• Robinson, Leonard (2007). William Etty: La vida y el arte . Jefferson, Carolina del Norte: McFarland & Company. ISBN 978-0-7864-2531-0.OCLC 751047871  .
• Smith, Alison (1996). El desnudo victoriano . Manchester: Manchester University Press. ISBN 978-0-7190-4403-8.OCLC 36208423  .
• Smith, Alison (2001a). Exposed: The Victorian Nude [Expuesto: el desnudo victoriano] . Londres: Tate Publishing. ISBN 978-1-85437-372-4.OCLC 52102470  .
• Smith, Alison (2001b). “¿Placeres privados?”. En Bills, Mark (ed.). El arte en la época de la reina Victoria: una riqueza de representaciones . Bournemouth: Galería de arte y museo Russell–Cotes. ISBN 978-0-905173-65-8.OCLC 50312858  .