Días del futuro pasados

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Días del futuro pasados
Álbum de estudio de El blues melancólico
Grabado	9 de mayo – 3 de noviembre de 1967
Estudio	Decca , Londres
Género	Rock progresivo [1] [2] arte rupestre [3] rock psicodélico [4] pop barroco
Longitud	41:34​​
Etiqueta	Deram
Productor	Tony Clarke Michael Dacre-Barclay
Cronología de The Moody Blues
Los magníficos Moodies (1965) Los días del futuro han pasado ( error en el módulo de cadena: la cadena de destino está vacía ) En busca del acorde perdido (1968)
Sencillos de Days of Future Passed
" Noches de satén blanco " Fecha de estreno: 10 de noviembre de 1967 " Martes por la tarde " Fecha de estreno: 19 de julio de 1968

Days of Future Passed es el segundo álbum de estudio dela banda inglesa de rock progresivo Moody Blues de Deram Records . ^[5] Ha sido citado por el Salón de la Fama del Rock and Roll y otros como uno de los primeros álbumes del género del rock progresivo y uno de los primeros álbumes conceptuales de la música rock. ^{[6] [7]}

El álbum representa un punto de inflexión creativo significativo para la banda. El álbum es el primero con el guitarrista y cantante Justin Hayward en lugar de Denny Laine y el bajista John Lodge en lugar de Clint Warwick . El álbum también es el primero en el que aparece el productor y colaborador de toda la vida Tony Clarke y el primero en el que aparece el tecladista Mike Pinder en Mellotron . Estos cambios, combinados con un alejamiento de las versiones de R&B hacia composiciones originales y un concepto temático, ayudaron a definir el sonido de la banda para los siguientes álbumes y le valieron al grupo un nuevo éxito comercial y de crítica.

El álbum fue grabado para mostrar las técnicas de grabación estéreo del nuevo sello de Decca Records , Deram . El sello había solicitado al grupo portadas de discos de música pop y clásica junto con una orquesta. En cambio, el álbum presenta composiciones originales que expresan el día a día de una persona común, intercaladas con interludios orquestales arreglados y dirigidos por Peter Knight e interpretados por la London Festival Orchestra .

El álbum tuvo un éxito moderado tras su lanzamiento, pero la constante difusión en la radio FM y el éxito del sencillo " Nights in White Satin " hicieron que el álbum se convirtiera en uno de los diez mejores éxitos de Estados Unidos en 1972. Desde entonces, ha sido incluido entre los álbumes más importantes de 1967 por Rolling Stone .

Los Moody Blues habían comenzado como una banda de rhythm and blues , y habían logrado un éxito comercial a finales de 1964/principios de 1965 con el sencillo « Go Now », que llegó al número uno en el Reino Unido y al Top 10 en Estados Unidos, pero a finales de 1966, se encontraron con dificultades financieras y cambios de personal, y decidieron cambiar de rumbo creativo. El guitarrista Denny Laine y el bajista Clint Warwick dejaron el grupo para perseguir otros intereses, lo que permitió que John Lodge , ex compañero de banda y amigo de Ray Thomas, se uniera al grupo como bajista. La banda encontraría al guitarrista y cantante Justin Hayward a través de Eric Burdon de los Animals , que había publicado un anuncio buscando un nuevo miembro para su propia banda. Thomas recuerda: «Había puesto un anuncio en la prensa musical local y encontró a alguien. Estaba tomando una copa con él en un club y me dijo: «Tengo un montón de respuestas en mi oficina; si quieres revisarlas, eres más que bienvenido». ^[8]

La incorporación de Lodge y Hayward supuso la incorporación de dos compositores más al grupo, lo que permitió a la banda seguir una nueva dirección creativa. El nuevo cantante y guitarrista Justin Hayward explica: "Al principio éramos una banda de rhythm and blues, vestíamos trajes azules y cantábamos sobre la gente y los problemas del sur profundo. Estaba bien, pero era incongruente, no nos llevaba a ninguna parte y, al final, no teníamos dinero ni nada. Cuando me uní a la banda como compositor a principios de 1966, Mike era el único de la banda que escribía, y las canciones que escribíamos juntos no se parecían en nada a lo que hacíamos en directo. Y entonces, literalmente un día, dijimos que teníamos que hacer algo completamente diferente. Así que decidimos escribir nuestro propio material y hacer sólo nuestras propias canciones". ^[9] El nuevo cantante y bajista John Lodge continúa: "No habíamos estado en Estados Unidos. Ese fue el problema asombroso porque, antes de hacer Days of Future Passed , cantábamos canciones que se originaron en Estados Unidos y, como nunca habíamos estado allí, parecía algo realmente extraño de hacer: cantar sobre un país o un entorno del que no tenía conocimiento de primera mano. Por eso dijimos: 'Está bien, escribamos sobre el blues inglés. Escribamos sobre nosotros'". ^[10]

Una experiencia particular en un concierto le dio a la banda una nueva determinación y la impulsó a romper con su estilo anterior. Justin Hayward recuerda: "Estábamos recibiendo menos público y menos dinero. Todo llegó a un punto crítico cuando dimos un concierto en Stockton en marzo de 1967. Éramos tan malos que un fan nos abordó después y nos dijo que éramos la peor banda que había visto en su vida, ¡y que le habíamos arruinado la noche a él y a su esposa, que habían pagado 12 libras por salir y habían visto los terribles Moody Blues! De regreso en la camioneta, Graeme, que estaba dormido tumbado sobre el equipo en la parte trasera, de repente se despertó y dijo en voz baja: "Ese tipo tenía razón. ¡Somos basura!". Fue el momento en que nos deshicimos de las versiones de R&B, nos deshicimos de nuestros trajes de Moody Blues y decidimos mantenernos o caer con nuestras propias canciones. ¿Qué teníamos que perder?" ^[11] Hayward continúa: "Habíamos estado tocando música que no se adaptaba a nuestros personajes. Éramos chicos ingleses de clase media baja que cantábamos sobre la vida en el sur profundo de los EE. UU. y no era honesto. Tan pronto como comenzamos a expresar nuestros propios sentimientos y a crear nuestra propia música, nuestra suerte cambió". ^[12] "Nuestro público de repente era diferente. La gente comenzó a gustarnos por las razones correctas. Había una honestidad en nuestra forma de tocar que era completamente evidente". ^[13]

Un elemento destacado de la nueva dirección musical del grupo fue el uso del mellotron . Lodge recuerda: "Cuando nos juntamos en 1966, estábamos tratando de encontrar el teclado adecuado para Mike. Probamos el piano y no era realmente lo que queríamos en cuanto a sonido. Luego probamos un órgano Hammond , un órgano de caja , un piano Rhodes . Probamos un órgano Farfisa y eso no funcionó y luego Mike dijo: 'Sabes, solía trabajar para una empresa llamada Mellotron y ellos inventaron esta máquina que simula cuerdas'. Así que fuimos en busca de uno". ^[10] El mellotron es un instrumento de teclado donde cada tecla reproduce un bucle de cinta de una grabación de otro instrumento, coro u orquesta. Desarrollado por la empresa de West Midlands Streetly Electronics a principios de la década de 1960, el instrumento sirvió como precursor de los teclados y sintetizadores de muestreo. Mike Pinder, un empleado anterior de Streetly, utilizó sus conexiones para comprar uno de los instrumentos para el grupo. Lodge recuerda: "Había un club social en una de las fábricas de Birmingham, llamado Dunlop ^{[ es necesaria una aclaración ]} - 'Fort Dunlop', fabricaban neumáticos - y tenían uno de esos Mellotrons que nadie podía tocar. Así que fuimos a verlos. Creo que Mike y yo fuimos a hablar con ellos y se lo compramos. Nunca lo habían tocado. Así que Mike se puso a averiguar cómo hacerlo funcionar". ^[10] Pinder continúa: "Les Bradley, de Streetly Electronics, me llamó y me dijo que había encontrado un instrumento adecuado para mí en el club social de la fábrica de neumáticos Dunlop . Fui a verlo y simplemente tuve que tenerlo. A trescientas libras, en lugar de las tres mil libras habituales, el instrumento era una ganga". ^[14]

Aunque el instrumento podía resultar inestable en concierto, la experiencia de Pinder le permitió superar cualquier desafío. Explica: "Sabía cómo se construían. Sabía cómo montar el Mellotron y cómo desmontarlo". ^[15] Lodge continúa: "Básicamente, se trataba de bucles de cinta en cada nota y después de cada 12 segundos, las notas se detenían. Así que tuvo que encontrar una manera de tocar otras notas hasta que el resorte lo devolviera al modo de reproducción nuevamente. Todo era bastante complicado y Mike lo resolvió. El Mellotron tenía dos teclados. Uno era para tocar solos y el otro tenía todas las secciones rítmicas. Entonces, Mike quitó todas las secciones rítmicas y duplicó las partes solistas, de modo que pudiera usar dos lados del Mellotron como instrumento. Eso fue muy inteligente". ^[10] Edge recuerda: "Mike se las arregló para agregarle trompetas, cuerdas, gaitas y todo ese tipo de cosas detrás y convertirlo en un instrumento musical más natural". ^[16] La capacidad del instrumento para reproducir sonidos de cuerdas orquestales en el estudio y en concierto combinaba bien con la flauta de Ray Thomas, que había adoptado recientemente en lugar de la armónica. Explica: "Había estado tocando la flauta, así que era una combinación ideal para la flauta y las cuerdas. Decidimos hacerlo realmente como una fusión de rock clásico, supongo que lo llamarías así". ^[17]

Hayward reflexiona sobre el impacto general del mellotrón en la música de la banda: "Mike y el mellotrón hicieron que mis canciones funcionaran. Esa es la forma más sencilla en que puedo expresarlo. Cuando él tocaba el piano, me resultaba difícil encontrar algo que pudiera ser percusivo en el piano y que fuera interesante. Y particularmente porque Mike ya había tocado, ya sabes, el mejor single de piano de todos los tiempos , así que iba a ser un acto imposible de seguir. Pero cuando encontró el mellotrón, de repente mis canciones funcionaron, ya sabes. Cuando les toqué a los otros chicos 'Nights in White Satin' no se impresionaron tanto hasta que Mike se puso el mellotrón y entonces todos se interesaron. (risas). Porque realmente empezó a encajar con el mellotrón". ^[18] Edge reflexiona sobre tres desarrollos distintos que impulsaron el cambio de sonido y el desarrollo creativo de la banda: "Creo que fueron tres fuerzas diferentes que se unieron. Una fue Tony Clarke , el productor. La otra fue el Mellotron, que tocaba Mike Pinder. Y la otra fue Justin Hayward, que se unió a la banda, porque él no venía de la ruta del rock 'n' roll , venía de la ruta del folk inglés . Así que su sentido de la estructura de acordes era un poco diferente". ^[19]

En octubre de 1966, el grupo se trasladó a Mouscron, Bélgica, para escribir nuevo material y embarcarse en una gira belga. Sus espectáculos normalmente consistían en dos sets, el primero compuesto por versiones de rhythm and blues, incluida " Go Now ", y el segundo compuesto por canciones originales de nueva composición. Lodge dice: "Nos encantaba tocar juntos. Era realmente bueno. Era emocionante cuando se trataba de nuestras propias canciones, no tocábamos una canción que alguien hubiera escrito para nosotros. Así que cada parte de cada canción la habíamos inventado nosotros mismos. Queríamos tocar cada parte exactamente bien y de forma nueva y como nadie más había tocado esa parte en particular de una canción antes. Eso fue emocionante de Days of Future Passed , crear algo que nadie más había creado antes. Eso dio una gran sensación". ^[20] Lodge continúa: "Fuimos a un pequeño pueblo en Mouscron para comenzar a escribir nuestras propias canciones y escribimos muchas canciones antes de Days of Future Passed . Pero Days of Future Passed dictó su propio álbum, realmente. Cuando supimos lo que queríamos hacer con Days of Future Passed , dedicamos la composición de canciones exactamente a ese álbum. Y todo lo que hicimos antes simplemente se dejó en paz. ^[21]

Graeme Edge recuerda: "Diseñamos un espectáculo que iba a ser '24 horas': luz del día 12 y noche 12, y teníamos "Tuesday Afternoon" y "Nights" y creo que "Peak Hour", todas escritas para eso". ^[22] Lodge continúa: "Finalmente, se acordó que el disco sería un álbum conceptual que rastrearía un día en la vida de Everyman, con canciones originales relacionadas con diferentes partes del día interpretadas en orden cronológico, introducidas e intercaladas con música orquestal. Teniendo en cuenta que los cinco miembros del grupo escribieron material para el álbum antes de que se estableciera el concepto, es notable lo perfecta que fue la ejecución". ^[23] Pinder explica el deseo de un tema cohesivo: "Siempre había querido crear algo que fuera conceptual. Me encantaban las obras de Mantovani . Quería tener nuestros álbumes en las estanterías de la gente... álbumes que la gente quisiera coleccionar y reproducir en su totalidad". ^[24]

El tecladista Mike Pinder escribió "Dawn Is a Feeling" y Hayward escribió "Nights in White Satin", que sirvieron como primeros puntos de apoyo para el concepto. Hayward explica que "Nights In White Satin" se había grabado mucho tiempo antes de que se grabara para Days of Future Passed. "Nights In White Satin" y "Dawn Is A Feeling" fueron las dos canciones clave que nos dieron la idea de la historia de un día en la vida de un tipo, y de eso trataba nuestro espectáculo en el escenario antes de que se mencionara o pensara en Days of Future Passed . Así que teníamos esos dos momentos del día y la idea, luego fue solo una cuestión de buscar diferentes momentos del día sobre los que escribir; era bastante frívolo, realmente... nada demasiado serio. Simplemente levanté la mano para la tarde. Así que terminé con "Tuesday Afternoon", y Ray Thomas escribió "Twilight Time". ^[25]

"Dawn is a Feeling" de Mike Pinder abre el concepto con una sensación de optimismo. Su letra reconoce el espíritu del Verano del Amor en curso y abraza la sensación de que la sociedad se estaba acercando a un nuevo sentido de iluminación, una nueva espiritualidad. ^[26] Lodge recuerda la canción como un paso en una nueva dirección para el grupo y para la composición de Pinder: "Creo que fue como un despertar para él también. Quería ser un escritor creativo. Mike escribió canciones fabulosas. Hay algo especial en la mañana. Y creo que ese fue el amanecer del Moody Blues, realmente". ^[27]

La caprichosa "Another Morning" fue escrita por el flautista Ray Thomas. Lodge recuerda: "Él me cantó la canción. Ray toca la flauta y la armónica. No toca ningún instrumento de cuerdas. Así que recuerdo que me la cantó. Y recuerdo que saqué la guitarra y la toqué con él en la casa. Ray tiene una actitud maravillosa y sonriente ante la vida. Es una mirada infantil a la vida, lo cual es realmente agradable". ^[28]

El bajista John Lodge recuerda la inspiración para "Peak Hour": "Escribí "Peak Hour" en la parte trasera de un camión. Regresábamos de un concierto y el ritmo de las ruedas en el asfalto marcaba un ritmo muy fuerte. Estaba golpeando el suelo con el pie y le dije a Graeme: '¿Podrías mantener este ritmo durante unos tres minutos? Creo que he escrito una canción'". ^[29] Continúa: "Ahí es donde básicamente la escribí. Saqué la parte principal, la parte de rock and roll, de ahí. Y trabajé la parte del bajo. Pero realmente quería hacer algo diferente en la canción. Por eso la dividí en una parte tipo coro de catedral en el medio. Para que pudiera volver a construirse como una canción de rock and roll. Una parte de ella subiría el ritmo y luego se detendría y se volvería muy, muy tranquila con los sonidos del órgano y luego comenzaría de nuevo con rock and roll". ^[30]

Hayward recuerda haber escrito " Tuesday Afternoon ": "Estaba un poco obsesionado con hacer cambios de ritmo en medio de las canciones. Si me aburría, para abrir otra puerta dentro de la canción, quería simplemente pasar a un tipo de estado de ánimo diferente. De hecho, "Tuesday Afternoon" fue la primera vez que hicimos eso. Para entonces, cuando había escrito "Tuesday Afternoon", ya sabía que íbamos a hacer este espectáculo en el escenario que se basaba en un día en la vida de un tipo, incluso antes de grabar el álbum. Ya tenía "Nights in White Satin" y ya estábamos empezando a aprenderla y a tocarla. Pero había un vacío en esta historia del día, así que fui a la casa de mis padres en el oeste del país, y tenía un perro llamado Tuesday en ese momento. No es que el perro esté en la canción, de ninguna manera. Fumé un pequeño porro al costado de un campo con una guitarra, y esa canción simplemente salió". ^[31] Continúa: "Se trataba simplemente de buscar algún tipo de iluminación o algún tipo de experiencia religiosa o psicodélica en la vida. En realidad no quería que se lo tomaran demasiado en serio, pero seis meses después, ahí estaba: nuestro primer sencillo en Estados Unidos". ^[32]

Lodge explica el tema de "(Evening) Time to Get Away": "Se trata realmente de que si puedes lograr algo todos los días, no importa lo pequeño que sea, simplemente te da la energía para seguir adelante y tener una vida agradable. En cuanto a "The Sun Set" y "Twilight Time", Lodge recuerda: "Estábamos tratando de asegurarnos de que cada canción del álbum tuviera un aspecto diferente. Eso era lo más importante. Que en cada canción del álbum nadie pudiera decir: 'Oh, eso suena así'". ^[33]

Hayward escribió " Noches de satén blanco " sobre los cambios entre una relación y otra, utilizando las sábanas como metáfora. Recuerda la inspiración: "Yo era el final de una gran historia de amor y el comienzo de otra. Cuando tienes sólo 20 años, como yo, eso es bastante importante en tu vida. Una amiga me había regalado sábanas de satén blanco... Fue un bonito gesto romántico, y eso fue lo que pensé. Llegué a casa una noche después de un concierto, me senté en el borde de la cama y me vinieron muchos de estos pensamientos. Escribo cartas sin tener la intención de enviarlas. Me parece algo catártico. Si tengo un problema con alguien o sobre algo, me resulta más fácil escribirlo y sacarlo en lugar de darle vueltas en mi mente. Es una serie de pensamientos e ideas al azar de un joven de 20 años muy drogado que estaba desesperadamente triste por sí mismo por una historia de amor y desesperadamente emocionado por la siguiente". ^[34] Hayward continúa: "Una noche volví de un concierto y me senté en el borde de mi cama. En ese momento compartía piso con Graeme. Era muy temprano, casi había amanecido. Los versos de las canciones simplemente salieron. Me los llevé a la sala de ensayo al día siguiente y se los toqué al resto del grupo. Llegué al final y todos dijeron: 'Bueno, está bien'. Mike Pinder dijo: 'Tócala de nuevo'. La toqué de nuevo y él tocó la línea del mellotrón y de repente todos se interesaron. Le puso ese tipo de orquestación y de repente funcionó". ^[35]

El álbum comienza con el poema de Graeme Edge "Morning Glory" y concluye con su "Late Lament". Edge recuerda: "Había escrito ambos versos porque la sección 'Morning' parecía bastante vacía cuando la escuchamos por primera vez. La última parte del poema parecía un final perfecto para el disco. Originalmente había escrito las palabras como letras para que alguien más les pusiera música, pero la poesía tiene una estructura rítmica que hace que sea difícil convertirla en una canción, así que Tony Clarke sugirió grabarla como una pieza de palabra hablada". ^[36] En otra entrevista, él explica más detalladamente: "Como músicos, sabíamos mucho sobre la vida después del mediodía. Pero no habíamos visto tantas mañanas a lo largo de los años (risas). Así que estábamos un poco en blanco. Y me propuse escribir una canción que cubriera las mañanas, "Morning Glory", y a medida que avanzaba, también hice una parte de la noche, que se convirtió en "Late Lament", pero tenía la intención de escribir la letra de una canción. La tomé y se la presenté a los chicos y les dije: '¿Alguien puede ponerle música a esto?' Todos la leyeron y dijeron: 'Esto es fantástico, pero hay demasiadas palabras, simplemente no puedes cantar eso. Tienes que tener espacios donde puedan sostener una vocal y cantar en lugar de solo hablar'. Dije 'Oh, sí, veamos, puedo acortarlo'. Y Tony Clarke dijo: "No, no, no, eso es fantástico. Léelo y le pondremos música, algunas cuerdas, lo convertiremos en algo", y así lo hicieron. Y luego se me acercaron y me dijeron: "Sabes, es genial, pero es un poco mejor con la voz de Mike". ¡Como si me fuera a enojar! Estaba absolutamente emocionado de tener algo en el álbum". ^[37]

En el verano de 1967, el grupo hizo varias apariciones en la BBC, debutando con " Nights in White Satin " y "Peak Hour". Escuchar la mezcla final de la BBC de "Nights in White Satin" aumentó el entusiasmo de la banda por la canción y su nuevo material. Hayward recuerda: "Mucho tiempo antes de grabarla para Decca, la grabamos para la BBC. La grabamos y no nos invitaron a la sala de control para escucharla de nuevo. Y luego, en nuestra camioneta, de camino a un concierto, la escuchamos, porque estaba en un programa llamado Saturday Club (un sábado, por supuesto) e íbamos por la autopista y la escuchamos en la radio. Y detuvimos el auto, o la camioneta, a un lado de la carretera y dijimos: 'Oye, tal vez haya algo en esa canción', porque había algo en ella, sonaba realmente bien. No nos dimos cuenta hasta que la escuchamos nosotros mismos". ^[38]

En octubre, el grupo obtuvo tiempo en el estudio para grabar un disco de demostración para la recién formada división Deram Records de Decca . La compañía estaba ansiosa por demostrar sus últimas técnicas de grabación, que se denominaron "Deramic Sound". ^[5] Decca había experimentado con el sonido estereofónico para grabaciones clásicas y esperaba capturar el mercado pop de la misma manera, entrelazando grabaciones clásicas con la interpretación del grupo de la misma música. ^[39] Hayward recuerda: "Estaban lanzando un sello llamado Deramic Sound System que luego se convertiría en Deram y cada grabación era en estéreo, no solo remasterizada más tarde en estéreo, como los Beatles, sino grabada con un sonido estéreo amplio, todo en su lugar estéreo apropiado. El estéreo entonces se limitaba a la música clásica y querían demostrar que el estéreo podía ser tan interesante para el rock and roll como lo era para la música clásica". ^[40]

Para el disco de demostración, se pidió a Knight y al grupo que grabaran material no original para demostrar la nueva tecnología estéreo, incorporando tanto música orquestal como popular. Los miembros de la banda recuerdan que el sello les pidió que grabaran un álbum que incorporara elementos de la Sinfonía n.º 9 de Antonín Dvorák . Thomas explica: "Querían un disco de demostración hecho para todos los vendedores para intentar vender Deramic Sound y nunca pudimos conseguir tiempo en el estudio. Estábamos desarrollando Days of Future Passed como un espectáculo en el escenario. Querían que tocáramos melodías como " Blue Suede Shoes ", " Rock Around the Clock " y cosas así, y querían que Peter Knight y la London Festival Orchestra tocaran la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorák. Dijimos que iba a sonar terriblemente horrible. Un minuto están escuchando "Blue Suede Shoes" y luego al minuto siguiente la sinfonía y nosotros tocando a otra persona". ^[41]

Ansiosos por aprovechar la oportunidad de pasar tiempo en el estudio y confiados en la calidad de su nuevo material, la banda aceptó el plan del sello y luego silenciosamente decidió grabar su set en vivo de canciones originales en su lugar. ^{[39] [38]} John Lodge recuerda: "La compañía discográfica Decca Records se acercó a nosotros y dijo que querían hacer lo que ellos llamaban un álbum de samplers para su nuevo sistema de sonido de rango de cuatro frecuencias en estéreo, y querían incorporar lo que ellos llamaban una banda 'pop'. Querían que grabáramos la 'Sinfonía del Nuevo Mundo' de Dvorak y dijimos: 'Sí, ¡fantástico!' Pero no les dijimos que íbamos al estudio con el director, Peter Knight, y básicamente grabaríamos nuestro espectáculo en el escenario. Eso fue lo que hicimos". ^[42] Hayward recuerda: "Dijimos que sí, que seguro que lo haríamos, y después de decir que sí, fuimos al pub y decidimos hacer nuestras propias canciones. Fue una conspiración entre todos los músicos que estábamos presentes, y simplemente entramos al estudio y grabamos nuestro propio espectáculo en el escenario". ^[43] El ingeniero de sesión y colaborador de estudio de larga data, Derek Varnals, confirma que ni la banda ni Knight y la orquesta hicieron ningún esfuerzo por grabar material no original durante las sesiones. ^[38]

Las sesiones de grabación del álbum se llevaron a cabo en los Decca Studios en West Hampstead , Londres, comenzando con "Dawn Is a Feeling" el 18 de octubre y concluyendo el 27, con la mezcla completada el 3 de noviembre. ^[38] "Nights in White Satin" se grabó antes del resto del álbum, el 8 de octubre. ^{[38] [44] [45]} Lodge recuerda: "Tomó siete días. Así que nos llevó una semana entera grabar Days of Future Passed". ^[46] Thomas recuerda: "Estábamos grabando una y dos canciones al día, lo que estábamos acostumbrados a hacer. Porque no teníamos tiempo para nada en el estudio en esos días". ^[47]

La banda trabajó con el productor de discos Tony Clarke , el ingeniero Derek Varnals y el director Peter Knight . ^[4] Hayward recuerda: "Tuvimos suerte. Teníamos a Decca, que tenía ingenieros con formación clásica, y nuestro material se grabó de forma maravillosa. El ingeniero, Derek Varnals, y Tony Clarke influyeron en la forma en que se presentaban nuestras canciones. Si nos fijamos en otras cosas que hicimos en ese momento que no se hacían en los estudios Decca, eran mucho más rock 'n' roll y se basaban en el piano y trataban de ser un poco más directos y pensar en los singles. Pero todo el material que hacíamos en Decca tenía un sonido particular y una calidad particular que tenía ese toque orquestal. Ellos sabían cómo combinarlo. Decca era una empresa que estaba realmente comprometida con la venta de álbumes, no de singles. Tenían toda una división de consumo para sistemas estéreo que estaban tratando de impulsar. Eso fue de gran ayuda para nosotros en los primeros días porque querían que hiciéramos hermosos discos estéreo que pudieran demostrar que el estéreo podía ser interesante para el rock 'n' roll. Simplemente coincidió con nuestra partida a Estados Unidos y el nacimiento de la radio FM. Muchas cosas se unieron". ^[48]

A diferencia de lo habitual, la banda pudo reservar el estudio durante las sesiones durante días enteros, en lugar de sesiones intermitentes. Las sesiones prolongadas facilitaron su trabajo, lo que permitió al grupo grabar hasta altas horas de la noche. Lodge explica: "En aquella época, los estudios [siguieron un formato] de tres sesiones de grabación al día. Como de 10:00 a 13:00, de 14:00 a 17:00 y de 18:00 a 22:00. Solíamos reservar nuestras sesiones y, cuando terminaban, teníamos que abandonar el estudio o esperar a que volvieran los ingenieros. Sabíamos que si queríamos hacer algo diferente, queríamos un "cierre patronal" de 24 horas. Fuimos a ver al presidente de la empresa y le dijimos que nos gustaría un "cierre patronal". Y no creo que nunca antes hubieran recibido una solicitud así, pero, afortunadamente, aceptaron. Y fue maravilloso, porque estábamos grabando una canción al día y, cuando llegaba la noche, nos relajábamos un rato. Llegaba la medianoche y luego empezábamos de nuevo. Cuando llegaban las primeras horas de la mañana (las 2:00, las 3:00, las 4:00 de la mañana), nos dimos cuenta de que era un buen momento para ser constructivos y creativos. Fue genial poder para hacer eso." ^[49]

El grupo grabó y mezcló sus sesiones primero, luego le pasó las cintas terminadas a Knight para que las arreglara y grabara los interludios orquestales. ^[39] Hayward explica: "Nos tomó cinco días terminarlas, y, después de cada día, se las enviábamos al director de la orquesta, Peter Knight, y él escribía estos arreglos orquestales. Habíamos editado todas las cintas para que tuvieran la duración adecuada, y simplemente las tocamos en vivo en los espacios vacíos". ^[50] Pinder recuerda: "No estábamos allí cuando terminaron las partes de la orquesta. Pero tuvimos una maravillosa sesión de escucha grupal después de que agregaron sus contribuciones. Nos encantó lo que habían hecho". ^[51]

Los interludios orquestales se grabaron durante una única sesión el 3 de noviembre ^[38] y fueron interpretados por la London Festival Orchestra dirigida por Peter Knight . La orquesta era una agrupación ad hoc de músicos profesionales que actuaban como orquesta de la casa para Decca Records. Hayward explica: "Eran sólo un grupo de gitanos, lo que llamaban a los músicos de cuerda en Londres en ese momento. Estaban formados por unas pocas orquestas diferentes; eran grandes músicos. Pero lo más importante de eso fue que Peter Knight, que orquestó y arregló las partes clásicas del disco, fue en mi opinión el mejor arreglista de cuerdas romántico de la época. Fue una inspiración para nosotros. Su trabajo en el álbum perdurará por siempre". ^[52] Las partes orquestales se grabaron en una única sesión. Hayward recuerda: "La orquesta se grabó en una sesión de tres horas: un ensayo y luego una toma. Yo estaba en el estudio. No me invitaron a entrar en la sala de control. En aquellos tiempos, el artista no era invitado a entrar en la sala de control para dar su opinión. Pero estuve allí en la sesión de Peter Knight y fue maravilloso". ^[53]

Un momento memorable fue la grabación de los coros en "Nights in White Satin". Thomas recuerda: "Cuando hicimos "Nights in White Satin", los cuatro nos pusimos alrededor de un micrófono y cantamos en armonía. Y entonces Tony dijo: 'Hagamos otra toma'. ¡La estaba duplicando! Cuando escuché la reproducción, era como un mini coro. Se derramaron algunas lágrimas". ^[54] Lodge recuerda haber grabado la canción de manera que cada elemento, cada instrumento, tuviera su propio espacio: "Dijimos que teníamos que hacer que en partes de la canción, excepto por la voz de Justin, se pudiera escuchar un alfiler caer. Era muy importante que el bajo tuviera su propio espacio y la guitarra acústica tuviera su propio espacio en los versos, que no sonara nada más. De modo que cuando entrara el mellotrón, se escuchara la dimensión". ^[55] La banda estaba satisfecha con los resultados. El baterista Edge recuerda: "Cuando grabamos la canción para Decca, todos sentimos que habíamos creado algo maravilloso. Fue una experiencia bastante emotiva escuchar la mezcla final de la canción por primera vez". ^[56] Continúa y compara el momento con "el polvo de hadas. La cosa invisible, incognoscible. Es simplemente una de esas canciones en las que todo encajaba correctamente". ^[57]

El grupo celebró una sesión de reproducción a la que asistieron el grupo, los ejecutivos de Decca y varios asociados en un estudio de grabación con poca luz. Lodge recuerda el momento: "Después de que la sesión de reproducción terminó y las luces del estudio se encendieron una vez más, las sonrisas en nuestras caras lo decían todo. Sabíamos que habíamos hecho bien en ceñirnos a nuestros principios y grabar nuestra propia música". ^[58] Los Moody Blues no tocaron ninguna de las canciones a los ejecutivos de Decca hasta que estuvo completa. Tras la primera reproducción, se sintieron decepcionados con el resultado, ya que no eran los arreglos de Dvorak que esperaban. Sin embargo, Walt Maguire, representante de London Records (la división norteamericana de Decca), pensó que sería un éxito de ventas en los EE. UU., por lo que se acordó lanzar el álbum tal como estaba grabado. ^[39] Hayward recuerda: "Cuando les mostramos el producto terminado a todos estos viejos directores de Decca, que es una excelente y respetable firma de música inglesa antigua, dijeron: 'Esto no es Dvorak', y nosotros dijimos: 'No, pero esto es lo que es'". "Tuvimos un aliado allí, y realmente nos defendió; dijo: 'Creo que podría ser bastante interesante', y además, habíamos hecho un disco de demostración en estéreo; simplemente no era Dvorak. Así que finalmente logramos que un número suficiente de ellos creyera en él y lo publicara, y fue un éxito instantáneo". ^[59]

La portada del álbum fue diseñada por David Anstey y fue un encargo para el álbum. Hayward recuerda: "Se le ocurrió esta idea, nos encontramos con él en un pub y le contamos nuestras canciones, y él la elaboró ​​y la usaron. Era una imagen reducida a escala de la imagen original de David Anstey". ^[60] La portada presenta un collage pintado de varias imágenes relacionadas con el tiempo inspiradas en las canciones del álbum, incluyendo un reloj de arena, una puesta de sol, fases lunares y caballeros montados. ^[61]

Days of Future Passed fue lanzado el 10 de noviembre de 1967 en el Reino Unido y llegó a los EE. UU. en marzo de 1968. ^[62] Alcanzó el puesto número 27 en la lista de álbumes del Reino Unido . ^[63] En los EE. UU., fue un éxito de ventas constante a fines de la década de 1960, ayudado por la reproducción de radio FM de "Nights in White Satin", y finalmente alcanzó el puesto número 2 en la lista Billboard de EE. UU . en 1972. ^{[39] [64]}

La versión mono (Deram DE-16012) se prensó en una cantidad limitada ya que se lanzó durante la "eliminación progresiva" de los lanzamientos de LP mono por parte de las principales compañías discográficas, por lo que es un artículo muy buscado entre los coleccionistas de discos.

Days of Future Passed se publicó como una cinta abierta cuadrafónica discreta en 1977. Este master también se utilizó para un lanzamiento en CD de audio de 5.1 canales dts en 2001 y nuevamente para un lanzamiento en SACD de edición Deluxe de dos discos en 2006.

El 17 de noviembre de 2017, esta mezcla original estuvo disponible por primera vez en CD como Days of Future Passed 50th Anniversary Deluxe Edition . ^[65] También se lanzó The Moody Blues Days of Future Past Live que se grabó en vivo en Toronto el 13 de julio de 2017 con un respaldo de orquesta completo. ^[66]

Calificaciones profesionales

Revisar puntuaciones
Fuente	Clasificación
Toda la música	[4]
La caja de música	[67]
Asuntos Pop	9/10 [68]
Piedra rodante (1968)	(mixto) [69]
Piedra rodante (2007)	(favorable) [5]
Girar	(favorable) [70]
Música Sputnik	5/5 [1]
Sin cortar	[71]
Música de Yahoo!	(favorable) [72]

Tras su lanzamiento, la revista Rolling Stone le dio al álbum una crítica poco entusiasta, escribiendo "The Moody Blues [...] han madurado considerablemente desde ' Go Now ', pero su música está constantemente empañada por una de las concepciones más sorprendentemente empalagosas de 'belleza' y 'misticismo' que cualquier grupo de rock haya tenido jamás". ^{[69] La revista} New York lo descartó como "un pesado montículo de gelatina de pensamientos". ^[73] Sin embargo, el álbum ha recibido desde entonces elogios; por ejemplo, Spin lo citó como un clásico del rock progresivo. ^[70] En 2007, Rolling Stone -que originalmente había descrito Days of Future Passed como "un grupo de rock inglés que se estrangulaba en una sustancia conceptual" ^[73] - lo incluyó en su lista de los álbumes esenciales de 1967. ^[74]

Los escritores musicales citan el álbum como un ejemplo temprano de música rock progresiva . ^{[1] [71] [75]} Bill Holdship de Yahoo! Music comenta que la banda "creó un género entero aquí". ^[72] David Fricke lo cita como uno de los álbumes esenciales de 1967 y lo encuentra "más cercano a la pompa del alto arte que a la psicodelia. Pero hay una marcada discreción pop en la escritura y un romanticismo psicodélico en el efecto espejo de las cuerdas y el Mellotron de Mike Pinder". ^[5] Will Hermes cita el álbum como un disco esencial de rock progresivo y opina que su uso del Mellotron, un teclado de reproducción de cintas, lo convirtió en un elemento "signatario" del género. ^[70] Una obra influyente del período de la contracultura , ^{[76] El editor} de AllMusic Bruce Eder llama al álbum "uno de los documentos definitorios de la floreciente era psicodélica, y uno de los álbumes más populares y duraderos de su era". ^[4]

En julio de 1978, se descubrió que las cintas maestras británicas de Days of Future Passed se habían deteriorado. Como resultado de esto, el álbum fue remezclado en su totalidad en agosto de 1978, ^[77] que se utilizó para reediciones entre 1978 y 2017. ^[65] Sin embargo, algunas compilaciones continuaron usando la mezcla estéreo original de 1967 para ciertas canciones. ^[78] La mezcla original del álbum finalmente se lanzó en su totalidad en disco compacto en noviembre de 2017. ^[65]

Las formas en que la mezcla posterior se aleja más notablemente del original son:

• Después de la introducción orquestal, "Dawn Is a Feeling" comienza más abruptamente, y hay menos eco en la voz de Mike Pinder en el puente, lo que la hace más prominente.
• En "Another Morning", la voz doble de Ray Thomas se distribuye de izquierda a derecha en el canal estéreo. El interludio de flauta también se toca dos veces hacia el final de la canción antes de la transición orquestal.
• La introducción orquestal "Lunch Break" dura unos 15 segundos más antes de desaparecer.
• Los puentes de "(Evening) Time to Get Away" tienen a John Lodge cantando solo; todos los coros de esa parte se han perdido.
• Al final de "(Evening) Time to Get Away" le falta una parte de Mellotron y solo se repite dos veces, en lugar de tres.
• A "The Sun Set" le faltan algunas partes de piano, partes de percusión y la reverberación en "Through the Night" es diferente.
• "Twilight Time" comienza más abruptamente después del interludio orquestal.
• Los coros de "Twilight Time" se escuchan durante toda la canción en lugar de aparecer solo en ciertos puntos.
• Al comienzo de "Noches en Satén Blanco", cuando termina el preludio orquestal, hay un tiempo menos antes de que comience la sección rítmica.
• Algunas de las cuerdas cerca del final de "Nights in White Satin" (antes de "Late Lament") están desincronizadas con el cuerpo principal de la canción.

Todas las composiciones fueron originalmente acreditadas a "Redwave-Knight", excepto "Dawn Is a Feeling", "Forever Afternoon (Tuesday)", "The Sunset" y "Nights in White Satin". ^[79] ('Redwave' es un alias de Justin Hayward.) ^[80]

Nota: "(Evening) Time to Get Away" no aparece en las ediciones originales, pero desde entonces se ha agregado a todas las listas de canciones posteriores.

Fuentes: ^[81]

El blues melancólico

• Justin Hayward – voz, guitarra
• John Lodge – bajo, voz
• Mike Pinder – Mellotron , voz, palabra hablada
• Ray Thomas – flauta, voz
• Graeme Edge – batería

con:

• Peter Knight – dirección, arreglos
• La Orquesta del Festival de Londres ^[82]

Fuentes: ^[83]

• Tony Clarke – producción
• Derek Varnals – ingeniería
• Hugh Mendl – producción ejecutiva, notas del álbum
• Michael Dacre-Barclay – producción
• David Anstey – diseño de portada, pintura de portada
• Steven Fallone – remasterización digital

• Days of Future Passed en Discogs (lista de lanzamientos)
• Historias del álbum:

• "'Nights in White Satin' de The Moody Blues: una historia oral", 9 de abril de 2018, Rolling Stone , ^[1]
• "Cómo la canción Nights in White Satin de los Moody Blues se convirtió en un estándar", 9 de abril de 2018, Financial Times ^[2]
• "El álbum más emblemático de The Moody Blues alcanza un hito", 5 de septiembre de 2017, Goldmine , ^[3]

• Escaneo de ARCHIVE.org de la pintura de la carátula del álbum