Ashley Collins

Ashley Collins es una pintora contemporánea estadounidense. Las pinturas de gran escala de Collins se encuentran en colecciones de primera línea y museos de todo el mundo. ^[1] Su doloroso y largo viaje desde la indigencia y la pobreza extrema hasta convertirse en una pintora aclamada le da significado a cada una de sus obras de múltiples capas. ^[2] Collins es conocida en parte por llevar las exposiciones a un nuevo nivel, como por ejemplo por hacer flotar obras de 8'x10' desde grúas de 50' y por usar fuego, agua y otros elementos como parte de sus exposiciones. ^[3] Su viaje de la pobreza a la riqueza ha sido uno de los más exitosos en el arte estadounidense, y su reconocimiento internacional se ha disparado. ^[4] Aunque pinta profesionalmente desde 1988, Collins llamó la atención de los coleccionistas de primera línea a principios de la década de 2000 por sus obras contemporáneas de gran escala que integraban partes de cabezas de caballo figurativas entre capas de collage, documentos históricos, acero, metal y otros medios que Collins integraba en sus obras monumentales; ^[5] rompiendo los puntos de precio para las pintoras contemporáneas vivas. ^[6] “Collins ha pasado de estar sin hogar y dormir en pisos de cemento a buscar el éxito artístico, y seguramente lo ha logrado; sus pinturas a gran escala, que incluyen imágenes de caballos, alcanzan precios exorbitantes”. ^[7] Robert Rauschenberg , al ver sus obras, dijo: “A través de sus ojos y su visión, he visto el dolor, la confianza y la lucha de mi propio viaje y tal vez eso es lo que en el arte nos conmueve a todos”. ^[8]

Las pinturas de gran escala de Collins han sido exhibidas, compradas y coleccionadas por museos, embajadas y coleccionistas privados en todo el mundo: ^[9] Museo del Palacio Cultural, Pekín, China, Museo Metropolitano de Manila, Manila, Filipinas , Museo de Arte Laguna, Estados Unidos , Museo de Arte de Singapur, República de Singapur , Museo de Arte de Newport, Estados Unidos , Museo de Bellas Artes, Hanoi, Vietnam. Exposición Bienal del Museo Eiteljorg, Estados Unidos, Museo Riverside, Estados Unidos , Museo y Salón de la Fama de las Vaqueras [junto a Georgie O'Keefe], Ft Worth, Texas, ^[10] Instituto de Pintura, Shanghái, China, Embajada de los Estados Unidos en Brunei, cortesía del Embajador William Todd, Embajada de los Estados Unidos en Arabia Saudita, cortesía del Embajador James B. Smith , Embajada de los Estados Unidos en Etiopía, cortesía de la Embajadora Cindy L. Courville.

La importancia y los valores monetarios de las pinturas de Collins son impulsados ​​por coleccionistas internacionales de primera línea e incluyen: Peter y Melanie Munk , Christy Walton , ^[11] Marta Kaufman y Michael Skloff, Stan Kroenke , Blythe Danner , Steven Spielberg / Kate Capshaw , Graeme Hart , Robert Redford , ^[12] Chuck Binder, Gerald y Stanlee Rubin (fundador del Rubin Center for the Visual Arts), Lady Gaga , ^[13] Elizabeth Eply, ^{[14] [15]} John Kahlbetzer , ^[16] Jan Brink , ^[17] Gianlucca Galtrucco, Tomas Milmo Santos, Danny Sullivan , Brenda Sullivan III, George Rosenthal, Bollinger Family Trust, Horchow Family Trust, Arliss Howard y Deborah Winger , ^[18] Scott y Mer James, ^[19] Dennis y Stacy Barsema, Richard Chamberlain , ^[20] Michael Imperioli, Michael y Lauri Corliss, Norman Pearlmutter, Wade Skinner, Dan Romanelli. ^[21] El trabajo de Collins también se encuentra en muchas colecciones corporativas en todo el mundo: AXTEL, LIAG Argentina SA, Creative Artist Agency, The Gores Group, Trinchero Family Estates Wineries, ^[22] Barrick Gold, Harris Estates Winery, ^[23] Corliss Winery, Carter Holt Harvey, 20th Century Fox, Gott Estate, entre muchos otros.

Collins llegó a Los Ángeles en 1989 para seguir su carrera como pintora profesional con gran ambición, pero sin dinero ni conexiones. Collins aceptó cualquier trabajo ocasional que le dejara tiempo libre para pintar, desde trabajos diurnos en centros de llamadas de ventas hasta limpieza de mesas y camarera. ^[24] Durante los años de 1989 a 1992, Collins no podía permitirse tanto los materiales de pintura como el alquiler, por lo que gastaba cada dólar que ganaba en pintura y materiales. Atendía mesas hasta el cierre de los restaurantes, luego regresaba a un pequeño estudio del tamaño de un armario para pintar toda la noche y comenzaba el proceso al día siguiente. En lugar de escatimar en pintura o materiales, pasaba la mayor parte del tiempo sin hogar, durmiendo en coches, en barcos abandonados en Marina Del Ray y en los sofás de amables desconocidos, ^[25] un eco repetitivo de su infancia. Collins admite que su comida más común de este período eran guisantes y kétchup cocinados en la misma placa que usaba para derretir sus materiales de encáustica. ^[26] En un momento dado, el actor Arliss Howard (uno de los primeros coleccionistas junto con su esposa Debra Winger) amablemente le permitió quedarse en su pequeña casa de huéspedes de Santa Mónica sin pagar alquiler cada vez que salía de Los Ángeles para trabajar en Nueva York, una amabilidad que para Collins era como "vivir en el cielo". ^[27] La ​​casa era pequeña y sencilla, pero para Collins, después de estar sin hogar, se sentía como una mansión. Durante este período, muchas de las obras de Collins fueron pintadas con tonos extremadamente oscuros que reflejan la dificultad de estos años, obras que llevan su uso icónico de páginas, capas, tapas de libros e imágenes repetidas de Muybridge, pero que reflejan visualmente la lucha y el dolor. Esta misma superposición se puede encontrar en obras posteriores, pero la oscuridad del período reflejó la dureza de esos tiempos terribles en el viaje de Collins. La rutina diaria de Collins se vio interrumpida solo por ser despedido con frecuencia de sus trabajos (fatigado por la pintura y la falta de sueño) y reunir y enviar innumerables solicitudes de galerías. Solicitudes que durante años fueron respondidas con repetidos rechazos. ^[28]

Después de años de ser rechazada por una galería tras otra, de que le dijeran que cualquier cosa que tuviera imágenes figurativas de caballos no podía ser arte contemporáneo, y de ser rechazada además por ser mujer (el mundo del arte en ese momento era en gran medida un club de hombres, con cada dueño de galería persiguiendo al próximo Ed Rusha, Warhol, Lichtenstein, Basquiat, etc.), Collins tomó una decisión sin precedentes. En 1992, Collins juntó todo el dinero que pudo y abrió una pequeña galería que había sido reconvertida a partir de un garaje en Abbott Kinney en Venice, California. ^[29] Expuso el trabajo de otros artistas, así como el suyo propio, y a menudo les decía a los compradores que "Ashley Collins" era un pintor masculino que había llegado recluido en Inglaterra. Mudaba todo el inventario al cierre, luego pasaba toda la noche pintando su propio trabajo, y comenzaba de nuevo al día siguiente. ^[30] La pose de artista masculino funcionó y, de repente, el trabajo de Collins comenzó a venderse y su arte comenzó a encontrar reconocimiento. ^[31] Una de sus primeras creyentes fue la galerista de larga data y conocida a nivel nacional Arlene LewAllen, quien designó a Collins como una de sus elecciones seguras para el estrellato: "a mis ojos, ella tendrá éxito, el arte es su vida, su trabajo es maduro, sofisticado y seguro, tanto que es contagioso" ^[32] Su trabajo encontró su camino en exhibiciones en el Museo de Arte de Laguna, el Museo de Arte de Singapur, el Museo de Arte de Newport Harbor, el Palacio Cultural, Beijing, China, el Museo de Bellas Artes, Hanoi, Vietnam. Exposición Bienal del Museo Eiteljorg, Museo Metropolitano de Manila, Filipinas, ganando importantes competencias con jurado y honores ^[33] y grandes exhibiciones en galerías en los años siguientes ^[34] (como la notable galería londinense de 200 años Frost & Reed ^[35] ). Durante el siguiente período de seis años, su trabajo se hizo cada vez más visible en los mercados de arte, mostrando con John Baldessari , Joe Ando , ​​Johnathan Borofsky , ^[36] con Mark di Suvero, con Edward Ruscha, Lita Alberquerque, Chuck Arnoldi, Laddie John Dill, Eric Orr, Peter Alexander, con Deborah Butterfield y Susan Rothenburg , con Jim Dine , Robert Rauschenberg , Chuck Close , Susan Rothenberg , Roy Lichtenstein y Sol Lewitt. A menudo, las reseñas comparaban su trabajo con Susan Rothenburg y Deborah Butterfield, pero el trabajo de Collins era completamente suyo e incapaz de ser clasificado fácilmente. ^[37] Los críticos a menudo no estaban preparados para cómo cualquier trabajo que involucrara partes del caballo físico podía crear un trabajo contemporáneo tan contundente. ^[38] Para Collins, el hecho de que su obra fuera expuesta entre la élite estelar del arte contemporáneo fue un momento decisivo, ya que pasó de vivir en la indigencia a exponer junto a quienes muchos consideran algunos de los mejores artistas contemporáneos de todos los tiempos. ^[39] Sin embargo, Collins siguió encontrando resistencia, pues escuchó repetidamente que cualquier obra que involucrara el aspecto figurativo de un caballo no podía ser verdadero arte contemporáneo (una batalla que también sigue librando Deborah Butterfield ). En uno de sus saltos creativos más extraños, a pedido de Richard Chamberlain, Collins hizo las pinturas para la película "A River To Drown In". ^[40] Collins siguió adelante y continuó rompiendo los límites de precio y barrera tras barrera, en un proceso lento y gradual, con sus obras que siguieron aumentando en valor durante los últimos diez años, creando una oportunidad única para los coleccionistas. ^[41]

Aunque aproximadamente la mitad de su obra incorpora partes de un caballo figurativo, Collins es conocida en parte por su énfasis en no pintar caballos. El caballo es una metáfora; a diferencia de aquellas que están apegadas al romance occidental con los caballos, las obras contemporáneas de Collins, con múltiples capas, abordan poéticamente cuestiones sociológicas y psicológicas de poder, fuerza, amor y resistencia. ^[42] "La base de coleccionistas principal de Collins se centra principalmente en el arte contemporáneo, ya que sus obras simplemente trascienden y superan otras categorías" . ^[43] Su uso frecuente de la imagen del caballo representa el alma de aquellos en la vida que nos ayudan en nuestro camino y nos tocan de maneras inexplicables. Para algunos, estos ángeles pueden aparecer como extraños que dicen las palabras adecuadas, un miembro de la familia en el que apoyarse, un socio en la vida o en los negocios que va más allá de los límites con verdadera fuerza, o un amigo cuyo compromiso firme brilla tan intensamente que permite compartir la luz. ^[44] El alma que cambió la vida de Collins apareció en forma de caballo. El hecho de que la relación fuera con un alma de cuatro patas en lugar de un alma de dos piernas era irrelevante para Collins. Es este amor abrumador dado a otro lo que pinta Collins, la forma en sí es inmaterial. ^[45] “Si intentas pintar el caballo literalmente, terminas con una imagen muy superficial que se verá y se sentirá “fuera de lugar”; no puedes mejorar el caballo o la naturaleza, sino más bien ofrecer una interpretación que ayude a elevar el alma”. ^[46] En casi todas las obras figurativas de Collins que incluyen partes del caballo, la imagen figurativa es intencionalmente incompleta, lo que requiere que el espectador complete la imagen, llevándolo al corazón y al alma de la obra y, al hacerlo, rompiendo la tercera pared.

Los retratos en técnica mixta de Collins desafían las convenciones, un destello negro de pintura al óleo que a menudo se asemeja a una fotografía granulada ingeniosamente unida con páginas de libros de tonos antiguos, trozos de papel, encáustica o resina, lo que sugiere el paso del tiempo y la historia personal. ^[47] Para Collins, cada panel en blanco comienza con páginas y páginas de diccionarios o enciclopedias... una sobredosis de información que refleja el asalto a nuestros sentidos de nuestro mundo moderno: la noción de que deberías ser más alto, más rico, más joven... y sobre este ruido, Collins coloca amorosamente capa tras capa de papel de periódico que ha envejecido afuera en sus estudios por el viento, la lluvia y el sol... permitiendo que la naturaleza y sus capas calmen el ruido. ^[48] A medida que las capas continúan, las cubiertas de los libros, el metal recuperado, las herramientas y otros elementos históricamente relevantes se convierten en su "combinación". Las páginas del siglo XIX traen consigo a cada alma a lo largo del viaje que ha tocado esas mismas páginas: el toque de generación tras generación se incluye en su trabajo. ^[49] La imagen figurativa del caballo está entrelazada en aproximadamente la mitad de todas las obras, y el resto se convierte en brillantes campos de color abstractos profundos. La capa final es la de una resina transparente que Collins mueve sobre sus lienzos y paneles con un soplete mientras las obras yacen planas. Las brillantes obras resultantes han sido tocadas por cada elemento: fuego; sol; viento; lluvia; tocadas por generaciones de manos; y están tan estratificadas que brindan una profundidad infinita al espectador; las obras calman y atormentan simultáneamente ^[50] con nombres que van desde “Fausto” hasta “Ángel”. ^[51] “Visualmente potentes para empezar, [el espectador] se ve obligado a la contemplación, el paso del tiempo y la invocación voluntaria de energía para avanzar hacia el futuro”. ^[52]

Las capas de papel, libros viejos, metales encontrados y reliquias históricamente significativas que Collins utiliza crean una tridimensionalidad que es difícil de representar en fotografías. Las obras abstractas de colorfield de Collins crean bloques flotantes de papel envejecido que parecen moverse, de alguna manera aportando movimiento a objetos inamovibles. Los colores terrosos utilizados aportan calma al movimiento, pero la superposición masiva asegura que el espectador encontrará nuevos objetos en cada mirada. En muchos artistas masculinos, la meticulosidad geométrica limita la obra. Collins aporta una perspectiva femenina a la estructura, relajando nuestra idea de geometría e incorporando la naturaleza y los colores que el sol, el viento y la lluvia aportan a su papel envejecido en el proceso, y en el primer plano de nuestro mundo. Las obras de colorfield de Collins suelen encontrar su lugar en espacios públicos, ya sea a través de colecciones corporativas o donaciones de museos.

Collins es una apasionada de la recaudación de dinero para mujeres y niños desfavorecidos en todo el mundo, en parte gracias a su propia falta de vivienda y su experiencia. ^[53] Collins ha recaudado cientos de miles de dólares para obras de caridad y, como resultado, cientos y cientos de mujeres y niños en todo el mundo han sido ayudados por sus acciones: Camp Rainbow Gold, un campamento estadounidense para niños con cáncer; ^[54] el orfanato Sunrise Children's Village en Camboya; las escuelas de costura para niñas en Camboya para prevenir la trata de personas; las escuelas para niñas en Marrakech para educar a niñas cuyas familias no podrían permitirse educarlas de otra manera; la educación de niños de los barrios marginales de Nairobi; International Medical Corp, cirugía de paladar hendido en países del tercer mundo; ^[55] centros de formación para discapacitados; ^[56] y Collins tiene una larga historia de retribución, incluso cuando prácticamente no tenía dinero propio; ^[57] después de años sin hogar, tras la primera venta de un cuadro por 2.500 dólares, Collins donó 1.000 dólares al Proyecto SIDA de Los Ángeles. ^[58]