Actor

Un actor o actriz es una persona que interpreta a un personaje en una producción. ^[1] El actor actúa "en carne y hueso" en el medio tradicional del teatro o en medios modernos como el cine , la radio y la televisión . El término griego análogo es ὑποκριτής ( hupokritḗs ), literalmente "el que responde". ^[2] La interpretación de un papel por parte del actor (el arte de actuar) se refiere al papel interpretado, ya sea basado en una persona real o en un personaje ficticio. Esto también puede considerarse un "papel de actor", que se llamó así debido a los pergaminos que se usaban en los teatros. La interpretación ocurre incluso cuando el actor está "interpretándose a sí mismo", como en algunas formas de arte escénico experimental .

Antiguamente, en la antigua Grecia y el mundo medieval , y en Inglaterra en la época de William Shakespeare , solo los hombres podían convertirse en actores, y los papeles de las mujeres eran generalmente interpretados por hombres o niños. ^[3] Si bien la Antigua Roma permitía que las mujeres actuaran en el escenario, solo a una pequeña minoría de ellas se les daban papeles con diálogo. Sin embargo, la commedia dell'arte de Italia permitió que las mujeres profesionales actuaran desde el principio; Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actores del 10 de octubre de 1564, ha sido mencionada como la primera actriz italiana conocida por su nombre, con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras primadonnas y las primeras actrices bien documentadas en Italia (y en Europa). ^[4] Después de la Restauración inglesa de 1660, las mujeres comenzaron a aparecer en el escenario en Inglaterra. En los tiempos modernos, particularmente en la pantomima y algunas óperas, las mujeres ocasionalmente interpretan papeles de niños o de hombres jóvenes. ^[5]

El primer caso registrado de un actor actor ocurrió en 534 a. C. (aunque los cambios en el calendario a lo largo de los años hacen que sea difícil determinarlo exactamente) cuando el intérprete griego Tespis subió al escenario del Teatro Dioniso para convertirse en la primera persona conocida en decir palabras como personaje de una obra o historia. Antes del acto de Tespis, las historias griegas solo se expresaban en canciones , danzas y narraciones en tercera persona . En honor a Tespis, los actores son comúnmente llamados Tespios . Los actores exclusivamente masculinos en el teatro de la antigua Grecia actuaban en tres tipos de drama : tragedia , comedia y la obra satírica . ^[6] Esto se desarrolló y se expandió considerablemente bajo los romanos . El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que abarcaba desde representaciones de festivales de teatro callejero , bailes desnudos y acrobacias, hasta la puesta en escena de comedias de situación y tragedias de alto estilo y verbalmente elaboradas .

A medida que el Imperio Romano de Occidente cayó en decadencia durante los siglos IV y V, la sede del poder romano se trasladó hacia el este a Constantinopla . Los registros muestran que la mímica , la pantomima , las escenas o recitaciones de tragedias y comedias , las danzas y otros entretenimientos eran muy populares. A partir del siglo V, Europa occidental se sumió en un período de desorden general. Pequeñas bandas nómadas de actores viajaron por Europa durante todo el período, actuando donde pudieran encontrar audiencia; no hay evidencia de que produjeran algo más que escenas crudas. ^[7] Tradicionalmente, los actores no tenían un estatus alto; por lo tanto, en la Alta Edad Media , las compañías de actores itinerantes a menudo eran vistas con desconfianza. Los actores de la Alta Edad Media fueron denunciados por la Iglesia durante la Edad Oscura , ya que eran vistos como peligrosos, inmorales y paganos . En muchas partes de Europa, las creencias tradicionales de la región y la época significaban que los actores no podían recibir un entierro cristiano.

A principios de la Edad Media , las iglesias de Europa comenzaron a representar versiones dramatizadas de acontecimientos bíblicos. A mediados del siglo XI, el drama litúrgico se había extendido desde Rusia hasta Escandinavia e Italia. La Fiesta de los Locos fomentó el desarrollo de la comedia. A finales de la Edad Media , se representaban obras de teatro en 127 ciudades. Estas obras de misterio vernáculas a menudo contenían comedia , con actores que interpretaban a demonios , villanos y payasos . ^[8] La mayoría de los actores de estas obras provenían de la población local. Los artistas aficionados en Inglaterra eran exclusivamente hombres, pero otros países tenían artistas femeninas.

En la Edad Media se representaron varias obras seculares, la más antigua de las cuales es The Play of the Greenwood de Adam de la Halle en 1276. Contiene escenas satíricas y material folclórico , como hadas y otros sucesos sobrenaturales. Las farsas también aumentaron en popularidad después del siglo XIII. A finales de la Baja Edad Media , comenzaron a aparecer actores profesionales en Inglaterra y Europa. Ricardo III y Enrique VII mantuvieron pequeñas compañías de actores profesionales. A partir de mediados del siglo XVI, las compañías de Commedia dell'arte representaron animadas obras de improvisación en toda Europa durante siglos. La Commedia dell'arte era un teatro centrado en el actor, que requería poca escenografía y muy pocos accesorios. Las obras eran marcos sueltos que proporcionaban situaciones, complicaciones y el resultado de la acción, alrededor de los cuales los actores improvisaban. Las obras utilizaban personajes estereotipados . Una compañía normalmente constaba de 13 a 14 miembros. A la mayoría de los actores se les pagaba una parte de las ganancias de la obra aproximadamente equivalente al tamaño de sus papeles.

El teatro renacentista se originó a partir de varias tradiciones teatrales medievales, como los misterios , las " obras morales " y el "drama universitario" que intentaba recrear la tragedia ateniense. La tradición italiana de la Commedia dell'arte , así como las elaboradas mascaradas que se representaban con frecuencia en la corte, también contribuyeron a la configuración del teatro público. Desde antes del reinado de Isabel I, las compañías de actores estaban vinculadas a las casas de los principales aristócratas y actuaban estacionalmente en varios lugares. Estas se convirtieron en la base de los actores profesionales que actuaban en el escenario isabelino .

El desarrollo del teatro y las oportunidades para la actuación cesaron cuando la oposición puritana a los escenarios prohibió la representación de todas las obras en Londres. Los puritanos consideraban que el teatro era inmoral. La reapertura de los teatros en 1660 marcó un renacimiento del drama inglés. Las comedias inglesas escritas y representadas en el período de la Restauración , de 1660 a 1710, se denominan colectivamente "comedia de la Restauración". La comedia de la Restauración es famosa por su explicitud sexual . En ese momento, se permitió a las mujeres aparecer por primera vez en el escenario inglés, exclusivamente en papeles femeninos. Este período vio la introducción de las primeras actrices profesionales y el surgimiento de los primeros actores famosos.

En el siglo XIX, la reputación negativa de los actores se revirtió en gran medida y la actuación se convirtió en una profesión y un arte popular y honrado. ^[9] El ascenso del actor como celebridad proporcionó la transición, ya que el público acudía en masa a sus "estrellas" favoritas. Surgió un nuevo papel para los actores-representantes , que formaban sus propias compañías y controlaban a los actores, las producciones y la financiación. ^[10] Cuando tenían éxito, creaban una clientela permanente que acudía en masa a sus producciones. Podían ampliar su audiencia haciendo giras por todo el país, interpretando un repertorio de obras conocidas, como las de Shakespeare. Los periódicos, los clubes privados, los pubs y las cafeterías resonaban con animados debates que evaluaban los méritos relativos de las estrellas y las producciones. Henry Irving (1838-1905) fue el más exitoso de los actores-representantes británicos. ^[11] Irving era famoso por sus papeles shakespearianos y por innovaciones como apagar las luces de la sala para que la atención pudiera centrarse más en el escenario y menos en el público. Su compañía realizó giras por toda Gran Bretaña, Europa y Estados Unidos, demostrando el poder de los actores estrella y los papeles célebres para atraer a un público entusiasta. Su nombramiento como caballero en 1895 indicó su plena aceptación en los círculos superiores de la sociedad británica. ^[12]

A principios del siglo XX, la economía de las producciones a gran escala desplazó al modelo actor-manager. Era muy difícil encontrar personas que combinaran un genio en la interpretación y la gestión, por lo que la especialización dividió los roles y surgieron los regidores y, más tarde, los directores de teatro . En términos financieros, se requería un capital mucho mayor para operar desde una gran ciudad. La solución fue la propiedad corporativa de cadenas de teatros, como el Theatrical Syndicate , Edward Laurillard y, especialmente, The Shubert Organization . Al atender a los turistas, los teatros de las grandes ciudades favorecieron cada vez más las largas presentaciones de obras muy populares, especialmente musicales. Las estrellas de renombre se volvieron aún más esenciales. ^[13]

• La interpretación clásica es una filosofía de la interpretación que integra la expresión del cuerpo, la voz, la imaginación, la personalización, la improvisación, los estímulos externos y el análisis del guión. Se basa en las teorías y los sistemas de actores y directores clásicos seleccionados, entre ellos Konstantin Stanislavski y Michel Saint-Denis .
• En el sistema de Stanislavski , también conocido como el método de Stanislavski, los actores recurren a sus propios sentimientos y experiencias para transmitir la "verdad" del personaje que interpretan. Los actores se ponen en la mentalidad del personaje y encuentran cosas en común para ofrecer una representación más genuina del personaje.
• El método de actuación es una serie de técnicas basadas en el entrenamiento de actores para lograr mejores caracterizaciones de los personajes que interpretan, según lo formuló Lee Strasberg . El método de Strasberg se basa en la idea de que para desarrollar una comprensión emocional y cognitiva de sus roles, los actores deben usar sus propias experiencias para identificarse personalmente con sus personajes. Se basa en aspectos del sistema de Stanislavski. Otras técnicas de actuación también se basan en las ideas de Stanislavski, como las de Stella Adler y Sanford Meisner , pero estas no se consideran "método de actuación". ^[14]
• La técnica Meisner requiere que el actor se concentre totalmente en el otro actor como si fuera real y existiera solo en ese momento. Este es un método que hace que los actores en la escena parezcan más auténticos para el público. Se basa en el principio de que la actuación encuentra su expresión en la respuesta de las personas a otras personas y circunstancias. Se basa en el sistema de Stanislavski.

Antiguamente, en algunas sociedades, sólo los hombres podían ser actores. En la antigua Grecia y la antigua Roma ^[15] y en el mundo medieval , se consideraba vergonzoso que una mujer subiera al escenario; sin embargo, las mujeres actuaron en la Antigua Roma, y ​​volvieron a subir al escenario en la Commedia dell'arte en Italia en el siglo XVI; Lucrezia Di Siena se convirtió en la que fue quizás la primera actriz profesional desde la Antigua Roma. Francia y España también tenían actrices en el siglo XVI. Sin embargo, en la Inglaterra de William Shakespeare , los papeles de mujeres generalmente eran interpretados por hombres o niños. ^[3]

Cuando se levantó una prohibición puritana de dieciocho años del teatro después de la Restauración inglesa de 1660, las mujeres comenzaron a aparecer en el escenario en Inglaterra. A Margaret Hughes se le atribuye a menudo el mérito de ser la primera actriz profesional en el escenario inglés. ^[16] Anteriormente, Angelica Martinelli , miembro de una compañía de la Commedia dell'arte italiana visitante, actuó en Inglaterra ya en 1578, ^[17] pero tales apariciones de invitados extranjeros habían sido raras excepciones y no había habido actrices inglesas profesionales en Inglaterra. Esta prohibición terminó durante el reinado de Carlos II en parte porque disfrutaba viendo actrices en el escenario. ^[18] Específicamente, Carlos II emitió cartas patentes a Thomas Killigrew y William Davenant , otorgándoles el derecho de monopolio para formar dos compañías de teatro en Londres para representar drama "serio", y las cartas patentes se volvieron a emitir en 1662 con revisiones que permitían a las actrices actuar por primera vez. ^[19]

Según el OED , la primera aparición del término actriz fue en 1608 y se le atribuye a Middleton . En el siglo XIX, muchos veían negativamente a las mujeres en la actuación, ya que las actrices a menudo eran cortesanas y se las asociaba con la promiscuidad. A pesar de estos prejuicios, el siglo XIX también vio a las primeras "estrellas" de la actuación femenina, en particular Sarah Bernhardt . ^[20]

En Japón, el onnagata , o los hombres que asumían papeles femeninos, se utilizaban en el teatro kabuki cuando a las mujeres se les prohibía actuar en el escenario durante el periodo Edo ; esta convención continúa hasta nuestros días. En algunas formas de teatro chino, como la ópera de Pekín , los hombres tradicionalmente interpretaban todos los papeles, incluidos los femeninos, mientras que en la ópera de Shaoxing las mujeres suelen interpretar todos los papeles, incluidos los masculinos. ^[21]

En la época moderna, las mujeres a veces interpretaban papeles de niños o de hombres jóvenes. Por ejemplo, el papel de Peter Pan en el escenario lo interpreta tradicionalmente una mujer, al igual que la mayoría de los papeles principales de los niños en la pantomima británica . La ópera tiene varios papeles de "pantalones cortos " interpretados tradicionalmente por mujeres, normalmente mezzosopranos . Algunos ejemplos son Hansel en Hänsel und Gretel , Cherubino en Las bodas de Fígaro y Octavio en El caballero de la rosa .

Las mujeres que interpretan papeles masculinos son poco comunes en el cine, con notables excepciones. En 1982, Stina Ekblad interpretó al misterioso Ismael Retzinsky en Fanny y Alexander , y Linda Hunt recibió el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por interpretar a Billy Kwan en El año que vivimos peligrosamente . En 2007, Cate Blanchett fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por interpretar a Jude Quinn, una representación ficticia de Bob Dylan en la década de 1960, en I'm Not There .

En la década de 2000, es particularmente común que mujeres interpreten a hombres en teatro en vivo en presentaciones de obras antiguas, como las obras de Shakespeare con un gran número de personajes masculinos en papeles donde el género es intrascendente. ^[5]

Que un actor se vista como el sexo opuesto para lograr un efecto cómico también es una tradición de larga data en el teatro y el cine cómicos. La mayoría de las comedias de Shakespeare incluyen ejemplos de travestismo evidente , como Francis Flute en El sueño de una noche de verano . La película A Funny Thing Happened on the Way to the Forum está protagonizada por Jack Gilford vestido como una joven novia. Tony Curtis y Jack Lemmon posaron como mujeres para escapar de los gánsteres en la película de Billy Wilder Con faldas y a lo loco . El travestismo para lograr un efecto cómico fue un recurso frecuentemente utilizado en la mayoría de las películas de Carry On . Dustin Hoffman y Robin Williams han aparecido cada uno en una película de comedia de éxito ( Tootsie y Mrs. Doubtfire , respectivamente) en la que interpretaron la mayoría de las escenas vestidos de mujer.

En ocasiones, la cuestión se complica aún más, por ejemplo, cuando una mujer interpreta a una mujer que actúa como un hombre y luego finge ser una mujer, como Julie Andrews en Victor/Victoria o Gwyneth Paltrow en Shakespeare in Love . En It's Pat: The Movie , los espectadores de la película nunca aprenden el género de los personajes principales andróginos Pat y Chris (interpretados por Julia Sweeney y Dave Foley ). De manera similar, en el ejemplo mencionado anteriormente de Las bodas de Fígaro , hay una escena en la que Cherubino (un personaje masculino interpretado por una mujer) se viste y actúa como una mujer; los demás personajes de la escena son conscientes de un solo nivel de ofuscación del rol de género, mientras que el público es consciente de dos niveles.

Algunos papeles modernos son interpretados por un miembro del sexo opuesto para enfatizar la fluidez de género del papel. Edna Turnblad en Hairspray fue interpretada por Divine en la película original de 1988 , Harvey Fierstein en el musical de Broadway y John Travolta en la película musical de 2007. Eddie Redmayne fue nominado a un premio de la Academia por interpretar a Lili Elbe (una mujer trans ) en The Danish Girl de 2015. ^[22]

A diferencia del teatro griego antiguo, el teatro romano antiguo sí permitía la participación de mujeres. Aunque la mayoría de ellas rara vez eran empleadas en papeles con diálogo, sino más bien en papeles de baile, había una minoría de actrices en Roma empleadas en papeles con diálogo, y también aquellas que alcanzaron riqueza, fama y reconocimiento por su arte, como Eucharis , Dionysia , Galeria Copiola y Fabia Arete , y también formaron su propio gremio de actores, las Sociae Mimae , que evidentemente era bastante rico. ^[23] La profesión aparentemente se extinguió a finales de la Antigüedad.

Aunque las mujeres no empezaron a actuar en escena en Inglaterra hasta la segunda mitad del siglo XVII, sí lo hicieron en Italia, España y Francia desde finales del siglo XVI en adelante. Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actuación en Roma desde el 10 de octubre de 1564, ha sido considerada la primera actriz italiana conocida por su nombre, junto con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras primadonnas y las primeras actrices bien documentadas en Italia (y Europa). ^[4]

Después de 1660 en Inglaterra, cuando las mujeres empezaron a aparecer por primera vez en el escenario, los términos actor o actriz se usaron inicialmente indistintamente para las intérpretes femeninas, pero más tarde, influenciado por el francés actrice , actriz se convirtió en el término de uso común para las mujeres en el teatro y el cine. La etimología es una simple derivación de actor con -ess añadido. ^[24] Cuando se hace referencia a grupos de intérpretes de ambos sexos, se prefiere actores . ^[25]

Dentro de la profesión, la readopción del término neutral data del período de posguerra de los años 1950 y 1960, cuando se estaban revisando las contribuciones de las mujeres a la vida cultural en general. ^[26] Cuando The Observer y The Guardian publicaron su nueva guía de estilo conjunta en 2010, establecía: "Use ['actor'] tanto para actores como para actrices; no use actriz excepto cuando sea en nombre de un premio, por ejemplo, Oscar a la mejor actriz". ^[25] Los autores de la guía afirmaron que "actriz entra en la misma categoría que autora, comediante, directora, 'doctora', 'enfermero' y términos obsoletos similares que datan de una época en la que las profesiones eran en gran medida dominio exclusivo de un sexo (generalmente hombres)". (Ver masculino como norma .) "Como dijo Whoopi Goldberg en una entrevista con el periódico: 'Una actriz solo puede interpretar a una mujer. Yo soy una actriz, puedo interpretar cualquier cosa ' " . ^[25] El sindicato de artistas del Reino Unido Equity no tiene una política sobre el uso de "actor" o "actriz". Un portavoz de Equity dijo que el sindicato no cree que haya un consenso sobre el tema y afirmó que el "... tema divide la profesión". ^[25] En 2009, Los Angeles Times afirmó que "Actriz" sigue siendo el término común utilizado en los principales premios de interpretación otorgados a las receptoras femeninas ^[27] (por ejemplo, el Premio de la Academia a la Mejor Actriz ).

En lo que respecta al cine de los Estados Unidos , el término "player" (jugador), de género neutro, era común en el cine en la era del cine mudo y en los primeros días del Código de producción cinematográfica , pero en la década de 2000, en un contexto cinematográfico, generalmente se considera arcaico . ^{[ cita requerida ]} Sin embargo, "player" sigue utilizándose en el teatro , a menudo incorporado al nombre de un grupo o compañía de teatro, como los American Players , los East West Players , etc. Además, a los actores del teatro improvisado se les puede llamar "players". ^[28]

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En 2015, Forbes informó que "... solo 21 de las 100 películas más taquilleras de 2014 presentaron una protagonista o coprotagonista femenina, mientras que solo el 28,1 por ciento de los personajes en las 100 películas más taquilleras fueron mujeres...". ^[29] "En los EE. UU., existe una "brecha en toda la industria en los salarios de todas las escalas. En promedio, las mujeres blancas ganan 78 centavos por cada dólar que gana un hombre blanco, mientras que las mujeres hispanas ganan 56 centavos por cada dólar de un hombre blanco, las mujeres negras 64 centavos y las mujeres nativas americanas solo 59 centavos por eso". ^{[29] El análisis} de Forbes de los salarios de los actores estadounidenses en 2013 determinó que "... los hombres en la lista de Forbes de los actores mejor pagados de ese año ganaron ⁠2+1/2⁠ veces más dinero que las actrices mejor pagadas. Eso significa que las actrices mejor pagadas de Hollywood ganaron solo 40 centavos por cada dólar que ganaron los hombres mejor pagados". ^{[30] [31] [32]}

Los actores que trabajan en teatro , cine , televisión y radio deben aprender habilidades específicas. Las técnicas que funcionan bien en un tipo de actuación pueden no funcionar bien en otro.

Para actuar en el escenario, los actores necesitan aprender las direcciones escénicas que aparecen en el guión, como "escenario a la izquierda" y "escenario a la derecha". Estas direcciones se basan en el punto de vista del actor cuando está de pie en el escenario de cara al público. Los actores también tienen que aprender el significado de las direcciones escénicas "hacia arriba" (lejos del público) y "hacia abajo" (hacia el público). ^[33] Los actores de teatro necesitan aprender a bloquear, que es "...dónde y cómo se mueve un actor en el escenario durante una obra". La mayoría de los guiones especifican algún tipo de bloqueo. El director también da instrucciones sobre el bloqueo, como cruzar el escenario o recoger y utilizar un accesorio. ^[33]

Algunos actores de teatro necesitan aprender combate escénico , que es una simulación de lucha en el escenario. Los actores pueden tener que simular una lucha cuerpo a cuerpo o una lucha con espadas. Los actores reciben entrenamiento de directores de lucha , que los ayudan a aprender la secuencia coreografiada de las acciones de lucha. ^[33]

Desde 1894 hasta finales de la década de 1920, las películas eran películas mudas . Los actores de cine mudo enfatizaban el lenguaje corporal y la expresión facial , para que el público pudiera entender mejor lo que el actor estaba sintiendo y retratando en la pantalla. Muchas actuaciones de cine mudo tienden a parecerle al público actual simplistas o exageradas . El estilo de actuación melodramático fue en algunos casos un hábito que los actores transfirieron de su experiencia teatral anterior. El teatro de vodevil fue un origen especialmente popular para muchos actores de cine mudo estadounidenses. ^[34] La presencia omnipresente de actores de teatro en el cine fue la causa de este arrebato del director Marshall Neilan en 1917: "Cuanto antes salgan los actores de teatro que han entrado en las películas, mejor para las películas". En otros casos, directores como John Griffith Wray exigieron a sus actores que ofrecieran expresiones más grandes que la vida para enfatizar. Ya en 1914, los espectadores estadounidenses habían comenzado a dar a conocer su preferencia por una mayor naturalidad en la pantalla. ^[35]

Los directores de cine pioneros en Europa y Estados Unidos reconocieron las diferentes limitaciones y libertades de los medios del escenario y la pantalla a principios de la década de 1910. Las películas mudas se volvieron menos vodevilescas a mediados de la década de 1910, a medida que las diferencias entre el escenario y la pantalla se hicieron evidentes. Debido al trabajo de directores como D. W. Griffith , la cinematografía se volvió menos teatral y el entonces revolucionario plano en primer plano permitió una actuación sutil y naturalista. En Estados Unidos, la compañía de D. W. Griffith, Biograph Studios , se hizo conocida por su dirección e interpretación innovadoras, dirigidas para adaptarse al cine en lugar del escenario. Griffith se dio cuenta de que la actuación teatral no se veía bien en la película y exigió que sus actores y actrices pasaran semanas de entrenamiento de actuación cinematográfica. ^[36]

Lillian Gish ha sido considerada la "primera verdadera actriz" del cine por su trabajo en este período, ya que fue pionera en nuevas técnicas de interpretación cinematográfica, reconociendo las diferencias cruciales entre la actuación en el escenario y en la pantalla. Directores como Albert Capellani y Maurice Tourneur comenzaron a insistir en el naturalismo en sus películas. A mediados de la década de 1920, muchas películas mudas estadounidenses habían adoptado un estilo de actuación más naturalista, aunque no todos los actores y directores aceptaron la actuación naturalista y discreta de inmediato; incluso en 1927, todavía se estrenaban películas con estilos de actuación expresionistas, como Metrópolis . ^[35]

Según Anton Kaes, un estudioso del cine mudo de la Universidad de Wisconsin, el cine mudo estadounidense comenzó a experimentar un cambio en las técnicas de interpretación entre 1913 y 1921, influenciado por las técnicas que se encontraban en el cine mudo alemán. Esto se atribuye principalmente a la afluencia de emigrantes de la República de Weimar , "incluidos directores de cine, productores, camarógrafos, técnicos de iluminación y de escena, así como actores y actrices". ^[37]

Los actores de cine tienen que aprender a acostumbrarse y sentirse cómodos con una cámara frente a ellos. ^[38] Los actores de cine necesitan aprender a encontrar y permanecer en su "marca". Esta es una posición en el suelo marcada con cinta. Esta posición es donde las luces y el enfoque de la cámara se optimizan. Los actores de cine también necesitan aprender a prepararse bien y a desempeñarse bien en las pruebas de pantalla . Las pruebas de pantalla son una audición filmada de parte del guion.

A diferencia de los actores de teatro, que desarrollan personajes para actuaciones repetidas, los actores de cine carecen de continuidad, lo que los obliga a llegar a todas las escenas (a veces filmadas en orden inverso al en el que finalmente aparecen) con un personaje ya completamente desarrollado. ^[36]

"Como el cine capta hasta el gesto más pequeño y lo magnifica..., el cine exige al actor una interpretación corporal menos extravagante y estilizada que el teatro." "La interpretación de la emoción es el aspecto más difícil de dominar en la interpretación cinematográfica: ...el actor de cine debe confiar en sutiles tics faciales, temblores y pequeños levantamientos de cejas para crear un personaje creíble." ^[36] Algunas estrellas de teatro "...han hecho la transición del teatro al cine con bastante éxito ( Laurence Olivier , Glenn Close y Julie Andrews , por ejemplo), otras no..." ^[36]

"En un plató de televisión, normalmente hay varias cámaras en ángulo hacia el plató. Los actores que son nuevos en la actuación en pantalla pueden confundirse sobre qué cámara mirar". ^[33] Los actores de televisión necesitan aprender a usar micrófonos de solapa ( micrófonos de solapa ). ^[33] Los actores de televisión necesitan entender el concepto de "marco". "El término marco se refiere al área que la lente de la cámara está capturando". ^[33] Dentro de la industria de la actuación, hay cuatro tipos de papeles televisivos que uno podría conseguir en un programa. Cada tipo varía en prominencia, frecuencia de aparición y salario. El primero se conoce como serie regular : los actores principales del programa como parte del elenco permanente. Los actores en papeles recurrentes tienen contrato para aparecer en varios episodios de una serie. Un papel de coprotagonista es un pequeño papel con diálogo que normalmente solo aparece en un episodio. Una estrella invitada es un papel más importante que un papel de coprotagonista , y el personaje suele ser el foco central del episodio o parte integral de la trama.

El radioteatro es una representación dramatizada, puramente acústica , transmitida por radio o publicada en medios de audio, como cintas o CD. Sin ningún componente visual, el radioteatro depende del diálogo, la música y los efectos de sonido para ayudar al oyente a imaginar los personajes y la historia: "Es auditivo en la dimensión física pero igualmente poderoso como una fuerza visual en la dimensión psicológica". ^[39]

El radioteatro alcanzó una gran popularidad en el plazo de una década desde su desarrollo inicial en la década de 1920. En la década de 1940, era un entretenimiento popular internacional de primer orden. Sin embargo, con la llegada de la televisión en la década de 1950, el radioteatro perdió parte de su popularidad y en algunos países nunca recuperó grandes audiencias. Sin embargo, hoy en día sobreviven grabaciones de OTR ( radio antigua ) en los archivos de audio de coleccionistas y museos, así como en varios sitios en línea como Internet Archive .

A partir de 2011 ^[actualizar], el radioteatro tiene una presencia mínima en la radio terrestre en los Estados Unidos. Gran parte del radioteatro estadounidense se limita a retransmisiones o podcasts de programas de décadas anteriores. Sin embargo, otras naciones aún tienen tradiciones florecientes de radioteatro. En el Reino Unido, por ejemplo, la BBC produce y transmite cientos de nuevas obras de radio cada año en Radio 3 , Radio 4 y Radio 4 Extra . El podcasting también ha ofrecido los medios para crear nuevos radioteatros, además de la distribución de programas antiguos.

Los términos "audioteatro" ^[40] o "audioteatro" se utilizan a veces como sinónimos de "radioteatro" con una posible distinción: el audioteatro o el audioteatro no necesariamente están destinados específicamente a ser transmitidos por radio. El audioteatro, ya sea de nueva producción o clásicos de OTR, se puede encontrar en CD , casetes , podcasts , transmisiones web y radiodifusión convencional.

Gracias a los avances en la grabación digital y la distribución por Internet, el radioteatro está experimentando un resurgimiento. ^[41]

• Csapo, Eric y William J. Slater. 1994. El contexto del drama antiguo. Ann Arbor: The U of Michigan P. ISBN 0-472-08275-2 . 
• Elam, Keir. 1980. La semiótica del teatro y el drama . New Accents Ser. Londres y Nueva York: Methuen. ISBN 0-416-72060-9 . 
• Weimann, Robert. 1978. Shakespeare y la tradición popular en el teatro: estudios sobre la dimensión social de la forma y la función dramáticas. Ed. Robert Schwartz. Baltimore y Londres: The Johns Hopkins University Press. ISBN 0-8018-3506-2 . 

• El trabajo de un actor de Constantin Stanislavski
• Un sueño de pasión: El desarrollo del método de Lee Strasberg (Plume Books, ISBN 0-452-26198-8 , 1990) 
• Sanford Meisner sobre la interpretación , de Sanford Meisner (Vintage, ISBN 0-394-75059-4 , 1987) 
• Cartas a un joven actor de Robert Brustein (Basic Books, ISBN 0-465-00806-2 , 2005) 
• El espacio vacío de Peter Brook (1.ª edición de Atheneum, ISBN 0-689-70558-1 , 1968) 
• La técnica de la interpretación de Stella Adler (Bantam Books, ISBN 0-553-05299-3 , 1988) 

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• Screen Actors Guild (SAG): sindicato que representa a los actores de cine y televisión de Estados Unidos.
• Actors' Equity Association (AEA): un sindicato que representa a actores de teatro y directores de escena de Estados Unidos.
• Federación Estadounidense de Artistas de Televisión y Radio (AFTRA): sindicato que representa a actores y locutores de televisión y radio de Estados Unidos (periodistas al aire, etc.).
• British Actors' Equity: sindicato que representa a artistas del Reino Unido, incluidos actores, cantantes, bailarines, coreógrafos, directores de escena, directores y diseñadores de teatro, artistas de variedades y de circo, presentadores de televisión y radio, artistas de reparto y de escena, especialistas y directores de acrobacias y directores de lucha teatral.
• Media Entertainment & Arts Alliance: un sindicato australiano/neozelandés que representa a todos los actores de las industrias de los medios de comunicación, el entretenimiento, los deportes y las artes.