Teatro de la antigua Grecia

En la antigua Grecia floreció una cultura teatral a partir del año 700 a. C. En su centro se encontraba la ciudad-estado de Atenas , que se convirtió en un importante centro cultural, político y religioso durante este período, y el teatro se institucionalizó allí como parte de un festival llamado Dionisíaco , que honraba al dios Dioniso . La tragedia (finales del 500 a. C.), la comedia (490 a. C.) y la obra satírica fueron los tres géneros dramáticos que surgieron allí. Atenas exportó el festival a sus numerosas colonias. El teatro occidental moderno proviene, en gran medida, del teatro de la antigua Grecia , del que toma prestada la terminología técnica, la clasificación en géneros y muchos de sus temas , personajes estereotipados y elementos de la trama.

La palabra τραγῳδία , tragodia , de la que se deriva la palabra " tragedia ", es un compuesto de dos palabras griegas : τράγος , tragos o "cabra" y ᾠδή , oda que significa "canción", de ἀείδειν , aeidein , 'cantar'. ^[1]

Esta etimología indica un vínculo con las prácticas de los antiguos cultos dionisíacos . Sin embargo, es imposible saber con certeza cómo estos rituales de fertilidad se convirtieron en la base de la tragedia y la comedia . ^[2]

Los antiguos griegos valoraban el poder de la palabra hablada, y ésta era su principal método de comunicación y narración de historias. Bahn y Bahn escriben: «Para los griegos, la palabra hablada era algo vivo e infinitamente preferible a los símbolos muertos de un lenguaje escrito». El propio Sócrates creía que una vez que algo se ha escrito, pierde su capacidad de cambio y crecimiento. Por estas razones, entre muchas otras, la narración oral floreció en Grecia. ^[4]

La tragedia griega , tal como se la conoce actualmente, se creó en Atenas alrededor del año 532 a. C., cuando Tespis fue el primer actor del que se tiene constancia. Ganador del primer concurso teatral celebrado en Atenas, fue el exarcón o líder ^[5] de los ditirambos que se representaban en Ática y sus alrededores, especialmente en las Dionisías rurales . En la época de Tespis, el ditirambo había evolucionado mucho más allá de sus raíces de culto. Bajo la influencia de la épica heroica, la lírica coral dórica y las innovaciones del poeta Arión , se había convertido en un género narrativo, parecido a la balada. Debido a esto, a Tespis se le suele llamar el "inventor de la tragedia"; sin embargo, su importancia es discutida, y a veces se lo menciona tan tarde como en el puesto 16 en el orden cronológico de los trágicos griegos; Al estadista Solón , por ejemplo, se le atribuye la creación de poemas en los que los personajes hablan con su propia voz, y las representaciones habladas de las epopeyas de Homero por rapsodas eran populares en los festivales anteriores al 534 a. C. ^[6] Por lo tanto, la verdadera contribución de Tespis al drama no está clara en el mejor de los casos, pero su nombre ha tenido una vida más larga en inglés como un término común para el intérprete, es decir, un "thespian".

Las representaciones dramáticas eran importantes para los atenienses, como lo demuestra la creación de un concurso de tragedias y un festival en la ciudad de Dionisía (o Gran Dionisía). Esto se organizó posiblemente para fomentar la lealtad entre las tribus del Ática (creada recientemente por Clístenes ). El festival se creó aproximadamente en torno al 508 a. C. Si bien no existen textos dramáticos del siglo VI a. C., se conocen los nombres de tres competidores además de Tespis: Querilus, Pratinas y Frínico . A cada uno se le atribuyen diferentes innovaciones en el campo.

Se conocen algunos datos sobre Frínico. Ganó su primer concurso entre 511 a. C. y 508 a. C. Escribió tragedias sobre temas y asuntos que luego se explotaron en la Edad de Oro , como las Danaides , Las mujeres fenicias y Alcestis . Fue el primer poeta del que sabemos que utilizó un tema histórico: su Caída de Mileto , producida en 493-492, narraba el destino de la ciudad de Mileto después de que fuera conquistada por los persas. Heródoto informa que "los atenienses dejaron claro su profundo dolor por la toma de Mileto de muchas maneras, pero especialmente en esto: cuando Frínico escribió una obra titulada La caída de Mileto y la representó, todo el teatro se echó a llorar; multaron a Frínico con mil dracmas por recordar una calamidad que los afectaba tan personalmente y prohibieron la representación de esa obra para siempre". ^[7] También se cree que fue el primero en utilizar personajes femeninos (aunque no intérpretes femeninas). ^[8]

Hasta el período helenístico , todas las tragedias eran piezas únicas escritas en honor a Dioniso y representadas solo una vez; lo que existe hoy en día son principalmente las piezas que todavía se recordaban lo suficientemente bien como para haber sido repetidas cuando la repetición de viejas tragedias se puso de moda (los accidentes de supervivencia, así como los gustos subjetivos de los bibliotecarios helenísticos más tarde en la historia griega, también jugaron un papel en lo que sobrevivió de este período).

Tras la destrucción de Atenas por los aqueménidas en el 480 a. C., la ciudad y la acrópolis fueron reconstruidas, y el teatro se formalizó y pasó a ser una parte aún más importante de la cultura y el orgullo cívico atenienses. Este siglo se considera normalmente como la Edad de Oro del drama griego. La pieza central de las Dionisías anuales , que se celebraban una vez en invierno y otra en primavera, era una competición entre tres dramaturgos trágicos en el Teatro de Dioniso . Cada uno presentaba tres tragedias, además de una obra satírica (una versión cómica y burlesca de un tema mitológico). A partir de una primera competición en el 486 a. C., cada dramaturgo presentaba una comedia. ^[9] Aristóteles afirmó que Esquilo añadió el segundo actor ( deuteragonista ) y que Sófocles introdujo el tercero ( tritagonista ). Aparentemente, los dramaturgos griegos nunca utilizaron más de tres actores según lo que se sabe sobre el teatro griego. ^[10]

La tragedia y la comedia se consideraban géneros completamente separados y ninguna obra fusionó aspectos de ambos. Las obras satíricas abordaban el tema mitológico de las tragedias, pero de una manera puramente cómica.

El poder de Atenas decayó tras su derrota en la Guerra del Peloponeso contra Esparta . A partir de entonces, el teatro volvió a representar antiguas tragedias. Aunque sus tradiciones teatrales parecen haber perdido vitalidad, el teatro griego continuó en el período helenístico (el período posterior a las conquistas de Alejandro Magno en el siglo IV a. C.).

La principal forma teatral helenística no era la tragedia, sino la comedia nueva , episodios cómicos sobre la vida de ciudadanos corrientes. El único dramaturgo que se conserva de este período es Menandro . Una de las contribuciones más importantes de la comedia nueva fue su influencia en la comedia romana, influencia que se puede ver en las obras supervivientes de Plauto y Terencio .

La mayoría de las ciudades de la antigua Grecia se encontraban sobre colinas o cerca de ellas, por lo que los asientos se construían generalmente en la ladera de una colina, lo que producía un área de observación natural conocida como theatron ( literalmente "lugar de observación"). En las ciudades sin colinas adecuadas, se amontonaban bancos de tierra. ^[11] Al pie de la colina había un espacio de actuación aplanado, generalmente circular, con un diámetro promedio de 78 pies (24 m), ^{[ cita requerida ]} conocido como orchestra (literalmente "lugar de baile"), ^[11] donde un coro de típicamente 12 a 15 personas ^[12] representaba obras en verso acompañadas de música. A menudo había entradas altas y arqueadas llamadas parodoi o eisodoi , a través de las cuales los actores y los miembros del coro entraban y salían de la orquesta. En algunos teatros, detrás de la orquesta, había un telón de fondo o pared escénica conocida como skené .

El término teatro llegó a significar con el tiempo todo el ámbito del theatron , la orquesta y el skené .

El theatron era la zona de asientos, construida en una colina para crear un espacio natural para los espectadores. Los primeros asientos de los teatros griegos (aparte de los que se utilizaban para sentarse en el suelo) eran de madera, pero alrededor del año 499 a. C., la práctica de incrustar bloques de piedra en la ladera de la colina para crear asientos permanentes y estables se hizo más común. Se llamaban prohedria y estaban reservados para los sacerdotes y algunos de los ciudadanos más respetados. El diazoma separaba las zonas de asientos superiores e inferiores.

Después de 465 a. C., los dramaturgos comenzaron a utilizar un telón de fondo o pared escénica, llamada skené (de donde deriva la palabra escena ), que colgaba o se colocaba detrás de la orquesta y también servía como un área donde los actores podían cambiar sus trajes. Después de 425 a. C., una pared de piedra para la escena, llamada paraskenia , se convirtió en un complemento común de la skené . La paraskenia era una pared larga con lados salientes, que puede haber tenido puertas para entradas y salidas. Justo detrás de la paraskenia estaba el proskenion ("delante de la escena"), que es similar al proscenio moderno . El piso superior se llamaba episkenion . Algunos teatros también tenían un lugar elevado para hablar en la orquesta llamado logeion . A fines del siglo V a. C., alrededor de la época de la Guerra del Peloponeso, la skené tenía dos pisos de altura.

La muerte de un personaje siempre se escuchaba detrás del skené , ya que se consideraba inapropiado mostrar un asesinato a la vista de la audiencia. ^{[ cita requerida ]} Por el contrario, hay argumentos académicos de que la muerte en la tragedia griega se retrataba fuera del escenario principalmente por consideraciones dramáticas, y no por mojigatería o sensibilidad de la audiencia. ^[13]

Casi siempre, un templo cercano, especialmente en el lado derecho de la escena, forma parte del complejo del teatro griego. Esto podría justificar, como transposición, la recurrencia del frontón con la escena de piedra solidificada posterior. ^[14]

La orchestra era un espacio circular en el fondo del theatron donde actuaban el coro y los actores; la palabra significa "espacio de baile", ya que el coro también bailaba en épocas tempranas. ^[15] Originalmente no elevado, el teatro griego incorporaría más tarde un escenario elevado para facilitar la visión. Esta práctica se volvería común después del advenimiento de la "Nueva Comedia", que incorporaba la representación dramática de personajes individuales. El corifeo era el miembro principal del coro, que podía entrar en la historia como un personaje capaz de interactuar con los personajes de una obra. Las obras a menudo comenzaban por la mañana y duraban hasta la noche.

Los teatros se construyeron a gran escala para dar cabida a un gran número de intérpretes en el escenario y entre el público: hasta catorce mil ^{[¿ cuántos? ]} . La física y las matemáticas desempeñaron un papel importante en la construcción de estos teatros, ya que sus diseñadores tenían que ser capaces de crear una acústica en ellos que permitiera que las voces de los actores se oyeran en todo el teatro, incluida la primera fila de asientos. La comprensión de la acústica por parte de los griegos se compara muy favorablemente con el estado actual de la técnica ^{[ dudoso – discutir ]} .

Había varios elementos escénicos comúnmente utilizados en el teatro griego:

• Mechane , una grúa que daba la impresión de un actor volador (por lo tanto, deus ex machina )
• ekkyklêma , una plataforma con ruedas que se utiliza a menudo para que los personajes muertos puedan ser vistos por el público.
• Pinakes , cuadros colgados para crear escenografía
• Thyromata , imágenes más complejas incorporadas en la escena del segundo nivel (tercer nivel desde el suelo)

El término griego antiguo para una máscara es prosopon (lit., "rostro"), ^[16] y era un elemento significativo en el culto a Dioniso en Atenas, probablemente utilizado en ritos ceremoniales y celebraciones. Muchas máscaras adoraban al poder superior, los dioses, lo que las hacía también muy importantes para la religión. La mayor parte de la evidencia proviene de solo unas pocas pinturas de jarrones del siglo V a. C., como una que muestra una máscara del dios suspendida de un árbol con una túnica decorada colgando debajo y bailando y el jarrón Pronomos , ^[17] que representa a actores preparándose para una obra satírica . ^[18] No nos queda evidencia física disponible, ya que las máscaras estaban hechas de materiales orgánicos y no se consideraban objetos permanentes, y finalmente se dedicaban al altar de Dioniso después de las representaciones. Sin embargo, se sabe que la máscara se ha utilizado desde la época de Esquilo y se considera una de las convenciones icónicas del teatro griego clásico. ^[19]

También se hicieron máscaras para los miembros del coro, que desempeñan algún papel en la acción y brindan un comentario sobre los eventos en los que se ven envueltos. Aunque hay doce o quince miembros del coro trágico, todos usan la misma máscara porque se considera que representan a un solo personaje.

Las máscaras estilizadas de comedia y tragedia, que se dice que tienen su origen en el teatro griego antiguo, han llegado a simbolizar ampliamente las artes escénicas en general. ^[20]

Las ilustraciones de máscaras teatrales del siglo V muestran máscaras con forma de casco que cubren toda la cara y la cabeza, con agujeros para los ojos y una pequeña abertura para la boca y una peluca integrada. Estas pinturas nunca muestran máscaras reales sobre los actores en la representación. La mayoría de las veces se muestran siendo manipuladas por los actores antes o después de una representación. Esto demuestra la forma en que la máscara debía "fundirse" en la cara y permitir que el actor desapareciera en el papel. ^[21] Efectivamente, la máscara transformaba al actor tanto como la memorización del texto. Por lo tanto, la representación en la antigua Grecia no distinguía al actor enmascarado del personaje teatral.

Los fabricantes de máscaras eran llamados skeuopoios o "fabricantes de los accesorios", lo que sugiere que su papel abarcaba múltiples deberes y tareas. Las máscaras probablemente estaban hechas de materiales orgánicos livianos como lino endurecido, cuero, madera o corcho, y la peluca estaba compuesta de cabello humano o animal. ^[22] Debido a las restricciones visuales impuestas por estas máscaras, era imperativo que los actores escucharan para orientarse y equilibrarse. Por lo tanto, se cree que las orejas estaban cubiertas por una cantidad sustancial de cabello y no por el casco-máscara en sí. La abertura de la boca era relativamente pequeña, lo que impedía que se viera la boca durante las actuaciones. Vervain y Wiles postulan que este pequeño tamaño desalienta la idea de que la máscara funcionaba como un megáfono, como se presentó originalmente en la década de 1960. ^[18] El fabricante de máscaras griego Thanos Vovolis sugiere que la máscara sirve como un resonador para la cabeza, mejorando así la acústica vocal y alterando su calidad. Esto conduce a un aumento de energía y presencia, lo que permite una metamorfosis más completa del actor en su personaje. ^[23]

En un gran teatro al aire libre, como el Teatro de Dioniso en Atenas , las máscaras clásicas podían crear una sensación de pavor en la audiencia creando pánico a gran escala, especialmente porque tenían rasgos y expresiones faciales intensamente exageradas. ^[23] Permitían a un actor aparecer y reaparecer en varios papeles diferentes, evitando así que la audiencia identificara al actor con un personaje específico. Sus variaciones ayudan a la audiencia a distinguir el sexo, la edad y el estatus social, además de revelar un cambio en la apariencia de un personaje en particular, por ejemplo, Edipo , después de cegarse. ^[24] También se crearon máscaras únicas para personajes y eventos específicos en una obra, como las Furias en Euménides de Esquilo y Penteo y Cadmo en Las bacantes de Eurípides . Usadas por el coro, las máscaras creaban una sensación de unidad y uniformidad, al tiempo que representaban una persona de múltiples voces o un solo organismo y al mismo tiempo fomentaban la interdependencia y una mayor sensibilidad entre cada individuo del grupo. Solo se permitía que dos o tres actores estuvieran en el escenario a la vez y las máscaras permitían transiciones rápidas de un personaje a otro. Solo había actores masculinos, pero las máscaras les permitían interpretar personajes femeninos.

El método moderno de interpretar un papel alternando entre unos pocos personajes simples se remonta al cambio de máscaras en el teatro de la antigua Grecia. ^[25]

Los actores de estas obras que tenían papeles trágicos usaban unas botas llamadas coturnus ( buskin ), que los elevaban por encima de los demás actores. Los actores con papeles cómicos solo usaban un zapato de suela fina llamado soccus o calcetín. Por esta razón, al arte dramático a veces se le llama " calcetín y buskin ".

Los actores masculinos que interpretaban papeles femeninos llevaban una estructura de madera en el pecho ( posterneda ) para imitar el aspecto de los senos y otra estructura en el estómago ( progastreda ) para que parecieran más suaves y femeninos. También usaban medias blancas debajo de sus trajes para que su piel pareciera más clara.

La mayoría de los detalles del vestuario provienen de pinturas de cerámica de esa época, ya que los trajes y las máscaras se fabricaban con material desechable, por lo que quedan pocos o ningún resto de vestuario de esa época. La mayor fuente de información es el jarrón Pronomos, donde se pinta a los actores en la fiesta posterior a un espectáculo.

El vestuario transmitía una sensación de carácter, como género, edad, estatus social y clase. Por ejemplo, los personajes de clase alta vestían ropa más elegante, aunque todos iban vestidos bastante bien. Contrariamente a la creencia popular, no se vestían solo con harapos y sandalias, ya que querían impresionar. Algunos ejemplos de vestuario del teatro griego incluyen túnicas largas llamadas quitón que llegaban hasta el suelo para los actores que interpretaban a dioses, héroes y ancianos. Los actores que interpretaban a diosas y personajes femeninos que tenían mucho poder vestían púrpura y oro. Los actores que interpretaban a reinas y princesas usaban capas largas que se arrastraban por el suelo y estaban decoradas con estrellas doradas y otras joyas, y los guerreros vestían una variedad de armaduras y usaban cascos adornados con plumas. Se suponía que los trajes eran coloridos y obvios para que se vieran fácilmente desde todos los asientos de la audiencia. ^{[ cita requerida ]}

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