Stefan Lochner

Stefan Lochner ( Maestro de Dombild o Maestro Stefan ; c. 1410 - finales de 1451) fue un pintor alemán que trabajó en el período gótico internacional tardío . Sus pinturas combinan la tendencia de esa época hacia líneas largas y fluidas y colores brillantes con el realismo , las texturas superficiales virtuosas y la iconografía innovadora del Renacimiento nórdico temprano . Con sede en Colonia , un centro comercial y artístico del norte de Europa, Lochner fue uno de los pintores alemanes más importantes antes de Alberto Durero . Las obras existentes incluyen pinturas al óleo de un solo panel, polípticos devocionales y manuscritos iluminados , que a menudo presentan ángeles fantasiosos y de alas azules. Hoy en día se le atribuyen con confianza unos treinta y siete paneles individuales. ^[1]

Se sabe menos de su vida. Los historiadores del arte que asocian al maestro del retablo de Dombild con el histórico Stefan Lochner creen que nació en Meersburg, en el suroeste de Alemania, alrededor de 1410, y que pasó parte de su aprendizaje en los Países Bajos . Los registros indican además que su carrera se desarrolló rápidamente, pero se vio truncada por una muerte temprana. Sabemos que alrededor de 1442 el consejo de Colonia le encargó que proporcionara decoraciones para la visita del emperador Federico III , una ocasión importante para la ciudad. Los registros de los años siguientes indican un aumento de la riqueza y la compra de varias propiedades en la ciudad. A partir de entonces, parece haber sobrepasado sus límites financieros y haber caído en deudas. La peste azotó Colonia en 1451 y allí, aparte de los registros de los acreedores, termina la mención de Stephan Lochner; se presume que murió ese año, alrededor de los 40 años.

La identidad y reputación de Lochner se perdieron hasta un resurgimiento del arte del siglo XV durante el período romántico de principios del siglo XIX. A pesar de una extensa investigación histórica, la atribución sigue siendo difícil; durante siglos, varias obras asociadas se agruparon y se atribuyeron vagamente al Maestro de Dombild, un nombre no tomado del Retablo de Dombild (en español , cuadro de la catedral , también conocido como el Retablo de los Santos Patronos de la Ciudad ) que aún se encuentra en la Catedral de Colonia . Una de las entradas del diario de Durero se convirtió en clave, 400 años después, en el establecimiento de la identidad de Lochner en el siglo XX. Solo dos obras atribuidas están fechadas y ninguna está firmada. ^[3] Su influencia en las sucesivas generaciones de artistas del norte fue sustancial. Aparte de las muchas copias directas realizadas a fines del siglo XV, se pueden ver ecos de sus paneles en obras de Rogier van der Weyden y Hans Memling . La obra de Lochner fue elogiada por Friedrich Schlegel y Goethe por sus cualidades, especialmente la "dulzura y gracia" de sus Madonnas . ^[4]

No existen pinturas firmadas por Lochner, y su identidad no fue establecida hasta el siglo XIX. JF Böhmer en un artículo de 1823 identificó el Dombild (que significa "imagen de la catedral") o retablo de los santos patronos de la ciudad con una obra mencionada en un relato de una visita a Colonia en 1520 en el diario de Alberto Durero . El artista notoriamente ahorrativo pagó 5 pfennig de plata ^[5] para ver un retablo de "Maister Steffan" unos setenta años después de la muerte de Lochner. ^[6] Aunque Durero no menciona específicamente cuál de los paneles de Maister Steffan había visto, ^[7] su descripción coincide exactamente con el panel central del retablo de Dombild . El retablo se menciona en varios otros registros. Fue reparado y dorado nuevamente en 1568, y mencionado en Civitates Orbis Terrarum de Georg Braun en 1572. ^[8]

El arte gótico alemán experimentó un resurgimiento a principios del período romántico del siglo XIX, cuando la obra se consideró un punto culminante del período gótico tardío. El filósofo y crítico alemán Friedrich Schlegel fue fundamental para revivir la reputación de Lochner. Escribió extensos tratados comparando favorablemente el Dombild con la obra de Rafael y pensó que superaba cualquier obra de Van Eyck, Durero o Holbein . ^[9] Más tarde, Goethe se mostró entusiasta, ^[10] enfatizando el "espíritu y origen" alemán de Lochner; describió el Dombild como el "eje alrededor del cual el antiguo arte neerlandés se resuelve en el nuevo". ^[11]

La identidad de Lochner permaneció desconocida durante siglos y no se conocían otras obras asociadas con el retablo de Dombild . ^[10] En 1816 Ferdinand Franz Wallraf lo identificó como Philipp Kalf, basándose en la lectura de un nombre inscrito en la tela de una figura a la derecha del panel central. Malinterpretó las marcas en el suelo de piedra representado en la Anunciación para que dijeran 1410, que él tomó como el año de finalización. ^[12] Johann Dominicus Fiorillo descubrió un registro del siglo XV que decía "en 1380 había un excelente pintor en Colonia llamado Wilhelm, que no tenía igual en su arte y que representaba a seres humanos como si estuvieran vivos". ^[13] En 1850 Johann Jakob Merlo identificó a "Maister Steffan" con el histórico Stefan Lochner. ^[14]

En 1862, Gustav Waagen se convirtió en uno de los primeros historiadores del arte en intentar ordenar cronológicamente las obras de Lochner. Su razonamiento se basaba en la suposición de que Lochner se desarrolló a partir de las formas idealizadas tempranas que se asociaban generalmente con la Colonia de principios del siglo XV y que luego absorbió las técnicas y el realismo de los pintores neerlandeses. De esta manera, colocó la "alegría" más ligera de las pinturas de Madonna de Lochner del comienzo de su carrera con las crucifixiones y los paneles de la condenación más severos y pesimistas del final. Hoy, los historiadores del arte piensan que es al revés: los dramáticos e innovadores polípticos fueron los primeros, y las Madonnas individuales y los paneles de santos son de la mitad de su carrera. ^[15]

Basándose en su similitud con el Altar de los mecenas de la ciudad , los historiadores del arte han atribuido otras pinturas a Lochner, aunque varios han cuestionado si la entrada del diario fue hecha auténticamente por Durero. La evidencia documental que vincula las pinturas y miniaturas con el Lochner histórico también ha sido cuestionada, sobre todo por el historiador del arte Michael Wolfson en 1996. ^{[3] [7] [16]} En cualquier caso, se debate el alcance de la mano directa de Lochner, en contraposición a las de los miembros del taller o seguidores. ^[17] Se cree que algunos paneles anteriormente atribuidos a él ahora datan de después de 1451, el año de su muerte. ^[18]

El bosquejo de la vida histórica de Stefan Lochner se ha establecido a partir de un pequeño número de registros, en su mayoría relacionados con encargos, pagos y transferencias de propiedad. ^[19] No hay documentos relacionados con su vida temprana, un factor que contribuye es la pérdida de registros de archivo de su supuesto lugar de nacimiento durante la ocupación francesa de Colonia . ^[20]

Las fuentes principales relacionadas con la vida de Lochner son un pago de junio de 1442 por la ciudad de Colonia en relación con la visita de Friedrich; escrituras del 27 de octubre de 1442 y del 28 de agosto de 1444 que describen la transferencia de propiedad de la casa en Roggendorf; escrituras de octubre de 1444 para la compra de dos casas en St. Alban; su registro del 24 de junio de 1447 como ciudadano de Colonia; su elección de diciembre de 1447 para el consejo municipal; su reelección de Navidad de 1450 para ese puesto; una correspondencia de agosto de 1451 con el consejo de la ciudad; un anuncio del 22 de septiembre de 1451 de la creación de un cementerio de peste junto a su propiedad y, finalmente, registros judiciales fechados el 7 de enero de 1452 que detallan la apropiación de su propiedad. ^[21]

A partir de pistas y suposiciones poco sólidas, centradas principalmente en una pareja relativamente rica que pereció durante una plaga , que se cree que eran sus padres, se cree que Lochner procedía de Meersburg , cerca del lago de Constanza . Georg y Alhet Lochner eran ciudadanos y murieron allí en 1451. Un "Stefan" es mencionado como "Stefan Lochner de Constanza" en dos documentos fechados en 1444 y 1448. ^[22] Sin embargo, no hay evidencia de archivo de que estuviera allí, y su estilo no muestra rastros del arte de esa región. ^[23] No hay más registros de él o su familia en la ciudad, excepto una mención de Lochners (un nombre bastante poco común) en el pueblo de Hagnau , a dos kilómetros de Meersburg. ^[22]

Sin embargo, los registros indican que el talento de Lochner fue reconocido desde una edad temprana. ^[24] Es posible que haya sido de origen holandés o haya trabajado allí para un maestro, posiblemente Robert Campin . La obra de Lochner parece influenciada por Jan van Eyck y Rogier van der Weyden ; se pueden detectar elementos de sus estilos en la estructura y coloración de las obras maduras de Lochner, especialmente en su Juicio Final , ^[25] aunque no se cree que ninguno de ellos sea el maestro con el que estudió. ^[26]

En la década de 1440, Colonia era la ciudad más grande y rica del Sacro Imperio Romano Germánico . Controlaba y gravaba el paso del comercio de Flandes a Sajonia y se convirtió en un centro financiero, religioso y artístico. ^[27] La ​​ciudad tenía una larga tradición de producción de arte visual de alta calidad y, en el siglo XIV, su producción se consideraba igual a la de Viena y Praga. Los artistas de Colonia se concentraron en temas más personales e íntimos, y la zona se hizo famosa por su producción de pequeños paneles de "gran encanto lírico y hermosura, que reflejaban la profunda devoción por los escritos de los místicos alemanes ". ^[28]

Durante la década de 1430, la pintura en Colonia se había vuelto convencional y algo anticuada, y todavía estaba bajo la influencia del estilo cortesano del Maestro de Santa Verónica , activo hasta 1420. ^[29] Después de su llegada, Lochner, que había estado expuesto anteriormente a los pintores neerlandeses y ya trabajaba con óleos, ^[30] eclipsó a otros artistas de la ciudad. ^[31] Según la historiadora de arte Emmy Wellesz, después de la llegada de Lochner "la pintura en Colonia se infundió con una nueva vida", tal vez enriquecida por la exposición anterior a los artistas neerlandeses. ^[28] Llegó a ser ampliamente celebrado como el pintor más capaz y moderno de la ciudad, donde era conocido como "Maister Steffan zu Cöln". ^[32]

Lochner aparece por primera vez en los registros existentes en 1442, nueve años antes de morir. ^[1] Se trasladó a Colonia, donde recibió un encargo del ayuntamiento para la provisión de decoraciones para la visita del emperador Federico III . Lochner aparentemente era una figura bien establecida y, aunque otros artistas participaron en la preparación del evento, él fue responsable de los arreglos más importantes. La pieza central parece haber sido el retablo de Dombild , descrito por los historiadores del arte moderno como "el encargo más importante del siglo XV en Colonia". ^[33] Se registra que recibió cuarenta marcos y diez chelines por su esfuerzo. ^[20]

Lochner compró una casa con su esposa Lysbeth alrededor de 1442. No se sabe nada más sobre ella y la pareja aparentemente no tuvo hijos. ^[20] En 1444 adquirió dos propiedades más grandes, la "zome Carbunckel", cerca de la iglesia de Saint Alban , ^[34] y la "zome Alden Gryne". ^[33] Los historiadores han especulado sobre si estas adquisiciones indican una necesidad de albergar a un grupo creciente de asistentes debido a su creciente éxito comercial. Es probable que viviera en una casa y trabajara en la otra. ^[33] Las compras pueden haber causado tensión; alrededor de 1447 parece haber encontrado dificultades financieras y se vio obligado a rehipotecar las casas. Se tomaron segundas hipotecas en 1448. ^[20]

En 1447, el gremio local de pintores eligió a Lochner como su representante municipal, o Ratsherr . El nombramiento implica que había vivido en Colonia desde al menos 1437, ya que solo aquellos que habían estado viviendo en la ciudad durante diez años podían asumir el cargo. No había asumido la ciudadanía de inmediato, posiblemente para evitar pagar la tarifa de 12 florines . Se vio obligado a actuar como Ratsherr y el 24 de junio de 1447, se convirtió en burgués de Colonia. ^[35] El papel de consejero municipal solo podía ejercerse durante un mandato de un año, con dos años vacantes antes de la reocupación. Lochner fue reelegido para un segundo mandato en el invierno de 1450-51, pero murió en el cargo. ^[20]

En 1451 se produjo un brote de peste y no se conservan registros de él después de la Navidad de ese año. El 16 de agosto de 1451, el consejo de Meersburg fue informado por funcionarios de Colonia de que Lochner no podría ocuparse del testamento y la herencia de sus padres, recientemente fallecidos. ^[22] Se presume que para entonces ya estaba enfermo; la peste estaba muy extendida en la zona. El 22 de septiembre, la parroquia de Saint Alban solicitó permiso para quemar a las víctimas en el solar contiguo a su casa; ya no había espacio en su cementerio. Lochner murió en algún momento entre esta fecha y diciembre de 1451, cuando los acreedores tomaron posesión de su casa. ^[10] Los registros de 1451 no mencionan a Lysbeth, que presumiblemente ya estaba muerta. ^[22]

Lochner trabajó en el estilo gótico internacional tardío ( Schöner Stil ), que ya se consideraba anticuado y pasado de moda en la década de 1440, ^[36] pero que, sin embargo, se considera ampliamente innovador. Introdujo una serie de avances en la pintura de Colonia, especialmente al llenar sus fondos y paisajes con detalles específicos y elaborados, y al representar sus figuras con más volumen. ^[37] Wellesz describió sus pinturas como evidencia de una "intensidad de sentimiento que da una calidad muy especial y muy conmovedora a su trabajo. Su devoción se refleja en sus figuras: carga de significado simbólico los detalles más pequeños de sus pinturas; y, de una manera oculta, casi mágica, habla desde la concordancia de sus colores puros y brillantes". ^[38]

Lochner pintaba con óleo , preparando la superficie de una manera típica de otros artistas del norte de Alemania; en algunas obras, unía el lienzo al soporte del panel debajo de la base de tiza habitual. Probablemente esto se hacía donde se iban a hacer grandes áreas de dorado simple . ^[39] Cuando la base de oro iba a tener un patrón como un brocado , este se tallaba en la base de tiza antes de dorar y, en algunas pinturas, se aplicaban adiciones moldeadas a los elementos para elevar la superficie a dorar. ^[40] Empleaba varias técnicas al dorar para dar diferentes efectos. Estas incluían colocar la hoja con agua para los pasajes bruñidos y con aceite o barniz encolado ( dorado mordiente) para las áreas más decorativas. ^[41] Sus esquemas de color tienden a ser brillantes y luminosos, llenos de variedades de pigmentos rojos, azules y verdes. A menudo empleaba ultramar , entonces caro y difícil de conseguir. ^[42] Sus figuras están regularmente delineadas con pintura roja. ^[43] Fue innovador en su representación de los tonos de piel, que construyó utilizando blancos de plomo para dar tez pálida con cualidades casi de porcelana. En esto, se refiere a una tradición más antigua de indicar mujeres de alta nobleza cuya palidez se asociaba con una vida pasada en interiores, "protegidas del trabajo en los campos, que era la suerte de la mayoría". En particular, esta técnica sigue al Maestro de Verónica, aunque las figuras del pintor anterior tenían un tono casi amarillento, marfil. ^[44] Las vírgenes de Lochner tienden a estar vestidas de azules saturados que resuenan con la pintura amarilla, roja y verde circundante. ^[45] Según James Snyder , el artista "empleó estos cuatro colores básicos para sus armonías", pero fue más allá al usar tonos más tenues y profundos en una técnica conocida como "color puro". ^[46]

Al igual que Conrad von Soest , Lochner a menudo aplicaba tramas negras cruzadas sobre el oro, generalmente para representar objetos metálicos como broches , coronas o hebillas, en imitación del trabajo de los orfebres en objetos preciosos como relicarios y cálices . ^[47] Estaba muy influenciado por el arte y el proceso de la metalistería y la orfebrería, especialmente en su pintura de fondos de oro, y se ha sugerido que alguna vez pudo haberse formado como orfebre . La evidencia de su imitación de elementos de su artesanía es evidente incluso en sus dibujos subyacentes . ^[47] Ejemplos pintados notables y elaborados incluyen el borde de oro labrado del concierto angelical en su Juicio Final y el broche de Gabriel en el ala exterior del retablo de Dombild . ^[48]

Parece que Lochner se preparó sobre el papel antes de abordar sus dibujos subyacentes; hay poca evidencia de reelaboración, incluso cuando se colocan grandes grupos de figuras. La reflectografía infrarroja de los dibujos subyacentes para los paneles del Juicio Final muestra letras utilizadas para indicar el color final que se aplicará, por ejemplo g para gelb (amarillo) o w para weiss (blanco), y hay pocas desviaciones en el trabajo terminado. ^[49] A menudo reordenó las líneas de pliegue de los drapeados o para denotar perspectiva, agrandó o disminuyó el tamaño de las figuras. ^[50] Los dibujos subyacentes revelan un dibujante hábil, dinamista y seguro; las figuras parecen completamente formadas con poca evidencia de reelaboración. Muchas son extremadamente detalladas y modeladas con precisión, por ejemplo, el broche de Santa Úrsula en el Retablo de los Santos Patronos de la Ciudad , que contiene guirnaldas y diademas muy detalladas . ^[51]

Tal vez influenciado por la Madonna in the Church de van Eyck , Lochner detalló minuciosamente la caída y el gradiente de la luz. Según la historiadora de arte Brigitte Corley, las ropas de los "protagonistas cambian sus tonos en una delicada reacción al influjo de luz, los rojos se transforman a través de una sinfonía de tonalidades rosadas en un blanco grisáceo polvoriento, los verdes en un amarillo pálido cálido y el tono limón a través de los naranjas en un rojo saturado". Lochner empleó la noción de iluminación sobrenatural no solo de van Eyck sino también de la Crucifixión de von Soest , donde la luz que emana de Cristo se disuelve alrededor de la túnica roja de Juan , mientras los rayos amarillos finalmente se vuelven blancos. ^[42] Existe una posibilidad real de que varios de los rostros de los santos estén modelados a partir de personas históricas, es decir, como retratos de donantes de los comisionados y sus esposas. Las figuras que encajan con esta teoría incluyen los paneles de Santa Úrsula y San Gereón del retablo de los Santos de la Ciudad. ^[52]

A diferencia de los pintores de los Países Bajos, Lochner no se preocupaba tanto por delinear la perspectiva ; sus cuadros suelen estar situados en espacios reducidos, mientras que sus fondos dan poca indicación de la distancia y a menudo se disuelven en oro macizo. Por ello, y dada su combinación de colores armoniosos, a Lochner se le suele describir como uno de los últimos exponentes del gótico internacional. Esto no quiere decir que sus pinturas carezcan de la sofisticación nórdica contemporánea; sus disposiciones son a menudo innovadoras. ^[53] Los mundos que pinta son silenciosos, según Snyder, logrados con la simetría del uso moderado del color y el elemento estilístico a menudo repetido de los círculos. Los ángeles forman círculos alrededor de las figuras celestiales; las cabezas de las figuras celestiales son muy circulares y llevan halos redondos. Según Snyder, el espectador se ve lentamente "atraído a la empatía con las formas giratorias". ^[54]

Debido a la escasez de obras atribuidas que se conservan, es difícil detectar una evolución en el estilo de Lochner. Los historiadores del arte no están seguros de si su estilo fue progresivamente más o menos influenciado por el arte neerlandés. Un examen dendrocronológico reciente de las obras atribuidas indica que su desarrollo no fue lineal, lo que sugiere que la más avanzada Presentación en el Templo es de 1445, anterior a los paneles de los santos, más góticos, que ahora se reparten entre Londres y Colonia. ^[55]

Las obras principales de Lochner incluyen tres grandes polípticos: el retablo de Dombild ; el Juicio Final , que está dividido en varias colecciones; y la Crucifixión de Núremberg . Solo dos pinturas atribuidas están datadas; la Natividad de 1445, ahora en la Alte Pinakothek , Múnich, y la Presentación en el Templo de 1447, ahora en Darmstadt . ^[10] Hay una versión más pequeña y anterior de la escena de la presentación en la Fundación Calouste Gulbenkian , Lisboa, fechada en 1445. ^[56] A medida que las obras seculares crecieron en demanda y las obras religiosas pasaron de moda en siglos posteriores, los polípticos del siglo XV a menudo se rompían y se vendían como obras individuales, especialmente si un panel o sección contenía una imagen que pudiera pasar por un retrato secular. ^[57]

Los paneles de las alas y otros fragmentos de las obras más grandes de Lochner se encuentran hoy repartidos por varios museos y colecciones. Dos paneles de alas de doble cara supervivientes de un retablo con imágenes de santos se encuentran en la National Gallery de Londres y el Museo Wallraf-Richartz de Colonia (ahora está aserrado para que ambos lados puedan exhibirse en una pared). ^[58] Las alas del Juicio Final originalmente tenían seis partes, pintadas por ambos lados, pero se han aserrado en doce imágenes individuales, ahora divididas entre el Museo Wallraf-Richartz, la Alte Pinakothek de Múnich y el Museo Städel de Frankfurt. ^{[53] [59] [60]} Probablemente sea de los primeros años de su carrera, pero en el tema y el fondo difiere de otras obras existentes y atribuidas. Si bien los elementos están dispuestos en una armonía típica, la composición y el tono son inusualmente oscuros y dramáticos. La Crucifixión también es una obra temprana y recuerda a la pintura medieval tardía. Tiene un fondo dorado profusamente ornamentado y la calidad fluida y suave del estilo gótico "suave". ^[53]

Las obras existentes abordan repetidamente las mismas escenas y temas. La natividad es recurrente, mientras que varios paneles representan a la Virgen y el Niño, a menudo rodeados por un coro de ángeles, o en paneles anteriores, bendecidos por una representación flotante de Dios o una paloma (que representa al Espíritu Santo ). En muchos casos, María está encerrada en su jardín cerrado habitual . ^[38] Varias revelan el trabajo de varias manos, con pasajes más débiles y menos seguros atribuidos a miembros del taller. Las figuras de María y Gabriel en el reverso del Dombild fueron dibujadas más rápidamente y con menos habilidad que las figuras de los paneles principales, y sus drapeados están modelados con, según el historiador de arte Julien Chapuis, una cierta "rigidez", mientras que el rayado cruzado "no logra una definición clara del relieve ". ^[61] Se han asociado varios dibujos con él, pero solo uno, un pincel y tinta sobre papel de c. 1450 titulado Virgen y el Niño y ahora en el Museo del Louvre , se le atribuye con confianza. ^[62]

Lochner está asociado con tres libros de horas supervivientes ; en Darmstadt, Berlín y Anholt . El alcance de su asociación en cada uno de ellos es objeto de debate; los miembros del taller probablemente estuvieron muy involucrados en su producción. El más famoso es el Libro de oración de Stephan Lochner de principios de la década de 1450 , ahora en Darmstadt; los otros son el Libro de oraciones de Berlín de c. 1444 y el Libro de oración de Anholt, completado en la década de 1450. ^[63] Los manuscritos son muy pequeños (Berlín: 9,3 cm x 7 cm, Darmstadt: 10,7 cm x 8 cm, Anholt: 9 cm x 8 cm) ^[64] y similares en diseño y coloración y cada uno está profusamente decorado en oro y azul. Los bordes están ornamentados en colores brillantes y contienen volutas de acanto , follaje dorado, flores, frutos similares a bayas y vainas redondas. ^[65] El libro de Darmstadt incluye un ciclo completo del Martirio de los Apóstoles. Sus ilustraciones contienen la característica aplicación de azul profundo de Lochner, que recuerda a su Virgen en el jardín de rosas . ^[66]

El historiador de arte Ingo Walther detecta la mano de Lochner en la «intimidad piadosa y la emotividad de las figuras, siempre expresadas con tanta delicadeza y elegancia, incluso en el formato extremadamente pequeño de las imágenes». ^[31] Chapuis está de acuerdo con la atribución, señalando que muchas de las miniaturas comparten similitudes temáticas con los paneles atribuidos. Escribe que las ilustraciones «no son un fenómeno periférico. Por el contrario, abordan varias de las preocupaciones articuladas en las pinturas de Lochner y las formulan de nuevo. No hay duda de que estas exquisitas imágenes surgen de la misma mente». ^[67] El texto del libro de Darmstadt está escrito en la lengua vernácula de Colonia, el libro de Berlín en latín. ^[65]

Se conservan vestimentas litúrgicas que contienen figuras bordadas, incluida la de Santa Bárbara, en el estilo de Lochner y con tipos faciales similares. Esto ha llevado a algunas especulaciones sobre si Lochner proporcionó los modelos. Además, varios paneles de vidrieras contemporáneos son similares en estilo, y ha habido debate sobre si él podría haber sido responsable de los murales de la iglesia; las figuras de tamaño superior al natural del Dombild y la Virgen con la Violeta indican su capacidad para trabajar a escala monumental. ^[68]

Dos dibujos sobre papel del Museo Británico y de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes se consideraron en ocasiones estudios para la Natividad de Múnich . ^[69] Las líneas de los pliegues de las prendas coinciden mucho con las de la pintura, aunque no así la habilidad técnica. El dibujo de París tiene manchas de pintura que indican que era una pieza de estudio para los miembros del taller. La pieza de Londres es superior, pero sus líneas son más rígidas y carecen de la fluidez de Lochner, por lo que su atribución se ha relegado a un dibujante estrechamente asociado con Lochner. ^[70]

El arte de Lochner parece estar en deuda con dos grandes fuentes: los artistas neerlandeses Van Eyck y Robert Campin ^[37] y los maestros alemanes anteriores Conrad von Soest y el Maestro de Santa Verónica ^[71] . Del primero, Lochner extrajo su realismo al representar fondos, objetos y ropas naturalistas. Del segundo, adoptó la manera algo anticuada de representar figuras, especialmente mujeres, con rasgos elocuentes y sensibles parecidos a los de una muñeca para presentar atmósferas "icónicas, casi atemporales" realzadas por los fondos dorados, entonces anticuados ^[72] . Las figuras de Lochner tienen rasgos faciales idealizados típicos del retrato medieval. Sus sujetos, en particular las mujeres, suelen tener frentes altas, narices largas, barbillas pequeñas y redondeadas, rizos rubios recogidos y orejas prominentes típicas del gótico tardío, lo que les da la monumentalidad característica del arte del siglo XIII, colocándolas sobre fondos poco profundos aparentemente similares ^{[73] .}

Lochner probablemente vio el retablo de Gante de van Eyck de c. 1432 durante su visita a los Países Bajos y parece haber tomado prestados varios de sus elementos compositivos. Las similitudes incluyen la manera en que las figuras interactúan con su espacio y el énfasis y la representación de elementos como brocados , gemas y metales. Algunas figuras en las pinturas de Lochner están directamente tomadas de Gante, y varios rasgos faciales coinciden con los vistos en van Eyck. ^[74] Su Virgen con la violeta a menudo se ha comparado con la Virgen en la fuente de van Eyck de 1439. De manera similar a los de la obra de van Eyck, los ángeles de Lochner a menudo cantan o tocan instrumentos musicales, incluidos laúdes y órganos. ^[75]

Aparentemente rechazó algunos aspectos del realismo de van Eyck, en particular sus representaciones de sombras y su renuencia a aplicar veladuras transparentes. Como colorista, Lochner se inclinó más hacia el estilo gótico internacional, incluso si esto inhibía el realismo. No utilizó las técnicas neerlandesas recientemente desarrolladas para representar la perspectiva , sino que indicó la distancia a través de la disminución de objetos paralelos. ^[42]

La evidencia histórica sugiere que las pinturas de Lochner fueron bien conocidas y ampliamente copiadas durante su vida, y permanecieron así hasta el siglo XVI. Los primeros ejemplos en tinta después de su Virgen en adoración se encuentran en el Museo Británico y la École nationale supérieure des Beaux-Arts . ^{[76] La influencia del} Juicio Final de Lochner se puede ver en el Retablo de Gdansk de Hans Memling , donde las puertas del Cielo son similares, al igual que la representación de los bienaventurados. ^[77] Alberto Durero lo conocía antes de su estancia en Colonia, y Van der Weyden vio sus pinturas durante su viaje a Italia. El Retablo de San Juan de este último es similar al Desollado de Bartolomé de Lochner , especialmente en la pose del verdugo, ^[77] mientras que su Retablo de Santa Columba incluye dos motivos del tríptico de la Adoración de los Magos de Lochner ; En concreto, el rey en el panel central de espaldas al espectador, y la niña en el ala derecha sosteniendo una cesta con palomas. ^{[78] [79]}

El retablo de Heisterbach , un doble conjunto de alas desmantelado que ahora está dividido entre Bamberg y Colonia, está muy en deuda con el estilo de Lochner. Los paneles interiores muestran dieciséis escenas de la vida de Cristo y de la Virgen que tienen múltiples similitudes con la obra de Lochner, incluso en formato, motivos compositivos, fisonomía y coloración. La obra se atribuyó durante un período a Lochner, pero ahora se acepta generalmente que tiene su fuerte influencia. En 1954, Alfred Stange describió al Maestro del retablo de Heisterbach como el "discípulo y seguidor más conocido e importante" de Lochner, ^[80] aunque una investigación de 2014 indica que los dos pueden haber colaborado en los paneles. ^[81]

Una investigación realizada en 2014 por Iris Schaeffer sobre los dibujos subyacentes del retablo de Dombild estableció dos manos guía, presumiblemente Lochner y un alumno excepcionalmente talentoso, de quien ella concluye que probablemente fue el artista principal detrás del retablo de Heisterbach . ^[82] Una opinión contraria es que el taller de Lochner estaba produciendo con una fecha límite y él delegó por una cuestión de conveniencia. ^[83]

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  Crucifixión con santos , 107,5 x 190,3 cm. Alte Pinakothek , Múnich
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  "Martirio del apóstol Andrés ", Martirio de los apóstoles , c. 1435-1440, Städel , Frankfurt
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  "Martirio de San Juan ", Martirio de los Apóstoles , c. 1435-1440, Städel , Frankfurt
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  "Martirios de Simón el Zelote y Judas el Apóstol ", Martirio de los Apóstoles , c. 1435-1440, Städel , Frankfurt
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  Presentación de Cristo en el Templo , c. 1445, 37,6 x 23,7 cm. Reverso de la Crucifixión . Fundación Calouste Gulbenkian , Lisboa
• 
  Presentación de Cristo en el Templo , c. 1447. Museo Landes de Hesse Darmstadt
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  Tres santos (Mateo, Catalina de Alejandría y Juan el Evangelista), ^[84] c. 1450. National Gallery, Londres
• 
  Virgen con violeta , anterior a 1450, 121,5 x 102 cm. Museo Kolumba , Colonia

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• Schaefer, Iris. "Nuevas perspectivas sobre la génesis del 'Retablo de los santos patronos de Colonia' de Stefan Lochner". Museo Wallraf-Richartz, 2014