Pintura al óleo

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La pintura al óleo es un método pictórico que implica el procedimiento de pintar con pigmentos con un medio de aceite secante como aglutinante . Ha sido la técnica más común para la pintura artística sobre lienzo , panel de madera o cobre durante varios siglos, extendiéndose desde Europa al resto del mundo. Las ventajas del óleo para pintar imágenes incluyen "mayor flexibilidad, color más rico y denso, el uso de capas y una gama más amplia de claro a oscuro". ^[1] Pero el proceso es más lento, especialmente cuando es necesario dejar secar una capa de pintura antes de aplicar otra.

Las pinturas al óleo más antiguas conocidas fueron creadas por artistas budistas en Afganistán y datan del siglo VII d. C. ^[2] Los europeos usaban pintura al óleo para pintar estatuas y trabajos en madera desde al menos el siglo XII, pero su uso común para imágenes pintadas comenzó con la pintura neerlandesa temprana en el norte de Europa, y en el apogeo del Renacimiento , las técnicas de pintura al óleo habían reemplazado casi por completo el uso de pinturas al temple al huevo para pinturas sobre tabla en la mayor parte de Europa, aunque no para íconos ortodoxos o pinturas murales, donde el temple y el fresco , respectivamente, seguían siendo la opción habitual.

Los aceites secantes de uso común incluyen aceite de linaza , aceite de semilla de amapola , aceite de nuez y aceite de cártamo . La elección del aceite imparte una variedad de propiedades a la pintura , como la cantidad de amarilleamiento o el tiempo de secado. La pintura se puede diluir con trementina . Ciertas diferencias, según el aceite, también son visibles en el brillo de las pinturas. Un artista puede usar varios aceites diferentes en la misma pintura dependiendo de los pigmentos específicos y los efectos deseados. Las pinturas en sí también desarrollan una consistencia particular dependiendo del medio. El aceite se puede hervir con una resina , como resina de pino o incienso , para crear un barniz que brinde protección y textura. La pintura en sí se puede moldear en diferentes texturas dependiendo de su plasticidad .

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Las técnicas tradicionales de pintura al óleo suelen comenzar con el artista dibujando el tema sobre el lienzo con carbón o pintura diluida. La pintura al óleo suele mezclarse con aceite de linaza, alcoholes minerales de calidad para artistas u otros disolventes para hacer que la pintura sea más fina y que se seque más rápido o más lentamente. (Dado que los disolventes diluyen el aceite de la pintura, también se pueden utilizar para limpiar los pinceles). Una regla básica de la aplicación de pintura al óleo es " grasa sobre magra ", lo que significa que cada capa adicional de pintura debe contener más aceite que la capa inferior para permitir un secado adecuado. Si cada capa adicional contiene menos aceite, la pintura final se agrietará y se descascarillará. La consistencia en el lienzo depende de las capas de pintura al óleo. Esta regla no garantiza la permanencia; es la calidad y el tipo de aceite lo que conduce a una película de pintura fuerte y estable.

Se pueden utilizar otros medios con el óleo, como cera fría, resinas y barnices. Estos medios adicionales pueden ayudar al pintor a ajustar la translucidez de la pintura, el brillo de la pintura, la densidad o "cuerpo" de la pintura y la capacidad de la pintura para retener u ocultar la pincelada. Estos aspectos de la pintura están estrechamente relacionados con la capacidad expresiva de la pintura al óleo.

Tradicionalmente, la pintura se transfería con mayor frecuencia a la superficie de la pintura utilizando pinceles , pero existen otros métodos, incluido el uso de espátulas y trapos. Las espátulas pueden raspar cualquier pintura de un lienzo y también pueden usarse para la aplicación. La pintura al óleo permanece húmeda durante más tiempo que muchos otros tipos de materiales para artistas, lo que permite al artista cambiar el color, la textura o la forma de la figura. A veces, el pintor puede incluso eliminar una capa completa de pintura y comenzar de nuevo. Esto se puede hacer con un trapo y un poco de trementina durante un tiempo mientras la pintura está húmeda, pero después de un tiempo, la capa endurecida debe rasparse. La pintura al óleo se seca por oxidación , no por evaporación , y generalmente está seca al tacto en dos semanas (algunos colores se secan en días).

Las primeras pinturas al óleo que se conservan son murales budistas creados alrededor del año  650 d. C. en Bamiyán , Afganistán. Bamiyán es un asentamiento histórico a lo largo de la Ruta de la Seda y es famoso por los Budas de Bamiyán, una serie de estatuas gigantes, detrás de las cuales se tallan habitaciones y túneles en la roca. Los murales se encuentran en estas habitaciones. Las obras de arte muestran una amplia gama de pigmentos e ingredientes e incluso incluyen el uso de una capa final de barniz. La técnica de aplicación y el nivel refinado de los medios de pintura utilizados en los murales y su supervivencia hasta la actualidad sugieren que las pinturas al óleo se habían utilizado en Asia durante algún tiempo antes del siglo VII. La técnica utilizada, de unir pigmentos en aceite, fue desconocida en Europa durante otros 900 años aproximadamente. En el norte de Europa, los practicantes de la pintura neerlandesa temprana desarrollaron técnicas de pintura al óleo que otros europeos adoptaron a partir de finales del siglo XV. A partir del Renacimiento, la tecnología de la pintura al óleo había reemplazado casi por completo el uso anterior de pinturas al temple en la mayor parte de Europa. ^{[3] [4] [5]}

La mayoría de las fuentes europeas del Renacimiento , en particular Vasari , atribuyen falsamente a los pintores del norte de Europa del siglo XV, y a Jan van Eyck en particular, la invención de las pinturas al óleo. ^[6] Sin embargo, Theophilus Presbyter (un autor seudónimo que a veces se identifica como Roger de Helmarshausen ^[7] ) da instrucciones para la pintura a base de óleo en su tratado, De diversis artibus ('sobre varias artes'), escrito alrededor de 1125. ^[8] En este período, probablemente se utilizó para pintar esculturas, tallas y accesorios de madera, quizás especialmente para uso al aire libre. Las superficies expuestas a la intemperie o de elementos como escudos, tanto los utilizados en torneos como los que se colgaban como decoraciones, eran más duraderas cuando se pintaban con medios a base de aceite que cuando se pintaban con pinturas tradicionales al temple. Sin embargo, las primeras pinturas holandesas con artistas como Van Eyck y Robert Campin a principios y mediados del siglo XV fueron las primeras en hacer del óleo el medio de pintura habitual y explorar el uso de capas y veladuras , seguidas por el resto del norte de Europa y luego Italia.

Estas obras se pintaban sobre paneles de madera , pero hacia finales del siglo XV se empezó a utilizar el lienzo como soporte , ya que era más barato, más fácil de transportar, permitía realizar obras de mayor tamaño y no requería complicadas capas preliminares de yeso (un tipo de yeso fino). Venecia , donde el lienzo para velas era fácil de conseguir, fue pionera en el paso al lienzo. También se hacían pequeñas pinturas de gabinete sobre metal, especialmente sobre placas de cobre. Estos soportes eran más caros pero muy firmes, lo que permitía realizar detalles intrincadamente finos. A menudo se reutilizaban las placas de impresión de los grabados para este fin. El uso creciente del óleo se extendió por Italia desde el norte de Europa, empezando por Venecia a finales del siglo XV. En 1540, el método anterior para pintar sobre tabla (témpera) se había extinguido casi por completo, aunque los italianos seguían utilizando frescos a base de tiza para las pinturas murales, que eran menos exitosos y duraderos en los climas más húmedos del norte.

Las técnicas del Renacimiento utilizaban varias capas delgadas casi transparentes o veladuras , que normalmente se dejaban secar antes de añadir la siguiente, lo que aumentaba enormemente el tiempo que llevaba pintar una pintura. La capa base o fondo debajo de estas era generalmente blanca (normalmente yeso recubierto con una imprimación), lo que permitía que la luz se reflejara a través de las capas. Pero van Eyck, y Robert Campin un poco más tarde, utilizaron una técnica de húmedo sobre húmedo en algunos lugares, pintando una segunda capa poco después de la primera. Inicialmente, el objetivo era, como con las técnicas establecidas de témpera y fresco , producir una superficie lisa cuando no se llamaba la atención sobre las pinceladas o la textura de la superficie pintada. Entre los primeros efectos de empaste , que utilizan una textura en relieve o rugosa en la superficie de la pintura, se encuentran los de las obras posteriores del pintor veneciano Giovanni Bellini , alrededor de 1500. ^[9]

Esto se hizo mucho más común en el siglo XVI, cuando muchos pintores comenzaron a llamar la atención sobre el proceso de su pintura, dejando pinceladas individuales obvias y una superficie pintada áspera. Otro veneciano, Tiziano , fue un líder en esto. En el siglo XVII, algunos artistas, incluido Rembrandt , comenzaron a usar fondos oscuros. Hasta mediados del siglo XIX, hubo una división entre los artistas que explotaban los "efectos de manipulación" en sus pinturas y los que seguían apuntando a "una superficie uniforme y vidriosa de la que se habían desterrado todas las evidencias de manipulación". ^[10]

Antes del siglo XIX, los artistas o sus aprendices molían pigmentos y mezclaban sus pinturas para una amplia gama de medios de pintura . Esto dificultaba la portabilidad y mantenía la mayoría de las actividades de pintura confinadas al estudio . Esto cambió cuando los tubos de pintura al óleo se volvieron ampliamente disponibles después de que el pintor de retratos estadounidense John Goffe Rand inventara el tubo de metal apretujable o plegable en 1841. Los artistas podían mezclar colores de manera rápida y fácil, lo que permitió, por primera vez, una pintura al aire libre relativamente conveniente (un enfoque común en el impresionismo francés ).

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El aceite de linaza proviene de la semilla de lino , un cultivo fibroso común . El lino , un "soporte" para la pintura al óleo (ver la sección correspondiente), también proviene de la planta del lino. El aceite de cártamo o el aceite de nuez o de semilla de amapola o el aceite de ricino se utilizan a veces para formular colores más claros como el blanco porque "amarillentan" menos al secarse que el aceite de linaza, pero tienen el pequeño inconveniente de secarse más lentamente y pueden no proporcionar la película de pintura más resistente. El aceite de linaza tiende a amarillear al secarse y puede cambiar el tono del color. En algunas regiones, esta técnica se conoce como la técnica del aceite secante .

Los recientes avances en química han producido pinturas al óleo modernas miscibles en agua que pueden utilizarse y limpiarse con agua. Pequeñas alteraciones en la estructura molecular del aceite crean esta propiedad de miscibilidad en agua .

Las primeras pinturas al óleo eran casi todas pinturas sobre tabla sobre madera, que se habían curado y preparado en un proceso complicado y bastante costoso en el que la tabla se construía a partir de varias piezas de madera, aunque este soporte tiende a deformarse. Los paneles se siguieron utilizando hasta bien entrado el siglo XVII, incluso por Rubens , que pintó varias obras de gran tamaño sobre madera. Los artistas de las regiones italianas se inclinaron por el lienzo a principios del siglo XVI, en parte impulsados ​​por el deseo de pintar imágenes más grandes, que habrían sido demasiado pesadas como paneles. La lona para velas se fabricaba en Venecia y, por lo tanto, era fácil de conseguir y más barata que la madera.

Las pinturas más pequeñas, con detalles muy finos, eran más fáciles de pintar sobre una superficie muy firme, y los paneles de madera o placas de cobre, a menudo reutilizados de la impresión , se elegían con frecuencia para pequeñas pinturas de gabinete incluso en el siglo XIX. Las miniaturas de retratos normalmente usaban soportes muy firmes, incluido el marfil o una cartulina rígida.

Los lienzos de los artistas tradicionales están hechos de lino , pero también se ha utilizado tela de algodón , más económica . El artista prepara primero un marco de madera llamado "camilla" o "colador". La diferencia entre los dos nombres es que las camillas son ligeramente ajustables, mientras que los coladores son rígidos y carecen de muescas ajustables en las esquinas. Luego, el lienzo se coloca sobre el marco de madera y se fija con tachuelas o grapas firmemente al borde posterior. Luego, el artista aplica un " encolado " para aislar el lienzo de las cualidades ácidas de la pintura. Tradicionalmente, el lienzo se cubría con una capa de cola animal (los pintores modernos utilizan cola de piel de conejo) como encolado y se imprimaba con pintura blanca de plomo, a veces con tiza añadida. Los paneles se preparaban con un gesso , una mezcla de cola y tiza.

El " gesso " acrílico moderno está hecho de dióxido de titanio con un aglutinante acrílico. Se utiliza con frecuencia sobre lienzo, mientras que el gesso real no es adecuado para lienzo. El artista puede aplicar varias capas de gesso, lijando cada una hasta que quede suave después de que se haya secado. El gesso acrílico es muy difícil de lijar. Un fabricante fabrica un gesso acrílico "lijable", pero está destinado únicamente a paneles y no a lienzos. Es posible hacer el gesso de un color particular, pero la mayoría del gesso comprado en tiendas es blanco. La capa de gesso, según su grosor, tenderá a atraer la pintura al óleo hacia la superficie porosa. A veces, las capas de gesso excesivas o desiguales son visibles en la superficie de las pinturas terminadas como un cambio que no se debe a la pintura.

Los tamaños estándar para las pinturas al óleo se establecieron en Francia en el siglo XIX. Los estándares fueron utilizados por la mayoría de los artistas, no solo los franceses, ya que fueron (y aún son) apoyados por los principales proveedores de materiales para artistas. El tamaño 0 ( toile de 0 ) al tamaño 120 ( toile de 120 ) se divide en "serie" separada para figuras ( figure ), paisajes ( paysage ) y marinas ( marine ) que más o menos conservan la diagonal. Por lo tanto, una figura 0 se corresponde en altura con un paysage 1 y una marina 2 . ^[11]

Aunque se han utilizado superficies como linóleo , paneles de madera , papel , pizarra , madera prensada , masonita y cartón , la superficie más popular desde el siglo XVI ha sido el lienzo , aunque muchos artistas utilizaron paneles hasta el siglo XVII y más allá. El panel es más caro, más pesado, más difícil de transportar y propenso a deformarse o romperse en malas condiciones. Sin embargo, para los detalles finos, la solidez absoluta de un panel de madera tiene una ventaja.

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La pintura al óleo se elabora mezclando pigmentos de colores con un medio oleoso. Desde el siglo XIX, los diferentes colores principales se compran en tubos de pintura preparados previamente antes de comenzar a pintar; los demás tonos de color se obtienen generalmente mezclando pequeñas cantidades a medida que avanza el proceso de pintura. Una paleta de artista , tradicionalmente una tabla de madera delgada que se sostiene en la mano, se utiliza para sostener y mezclar pinturas. Los pigmentos pueden ser cualquier cantidad de sustancias naturales o sintéticas con color, como sulfuros para el amarillo o sales de cobalto para el azul. Los pigmentos tradicionales se basaban en minerales o plantas, pero muchos han demostrado ser inestables durante largos períodos. Los pigmentos modernos a menudo utilizan productos químicos sintéticos. El pigmento se mezcla con aceite, generalmente de linaza, pero se pueden utilizar otros aceites. Los diversos aceites se secan de manera diferente, lo que crea efectos variados.

El pincel es el que se utiliza con mayor frecuencia por los artistas para aplicar la pintura, a menudo sobre un contorno esbozado de su tema (que podría estar en otro medio). Los pinceles están hechos de una variedad de fibras para crear diferentes efectos. Por ejemplo, los pinceles hechos con cerdas de cerdo pueden usarse para trazos más atrevidos y texturas de empasto. Los pinceles de pelo de Fitch y de mangosta son finos y suaves, y por lo tanto son adecuados para retratos y trabajos de detalle. Aún más caros son los pinceles de marta roja ( pelo de comadreja ). Los pinceles de mejor calidad se denominan " sable kolinsky "; estas fibras de pincel se toman de la cola de la comadreja siberiana . Este pelo mantiene una punta superfina, tiene un manejo suave y una buena memoria (vuelve a su punta original cuando se levanta del lienzo), lo que los artistas conocen como "chasquido" del pincel. Los pintores al óleo generalmente no usan fibras flexibles sin chasquido, como el pelo de ardilla .

En las últimas décadas se han comercializado muchos pinceles sintéticos, que son muy duraderos y pueden llegar a ser bastante buenos, además de económicos .

Los pinceles vienen en varios tamaños y se utilizan para diferentes propósitos. El tipo de pincel también hace la diferencia. Por ejemplo, un "redondo" es un pincel puntiagudo que se utiliza para trabajos de detalle. Los pinceles "planos" se utilizan para aplicar franjas amplias de color. "Brillante" es un pincel plano con cerdas más cortas, que se utiliza para "frotar". "Avellano" es un pincel plano con esquinas redondeadas. "Egbert" es un pincel avellano muy largo y poco común. El artista también puede aplicar pintura con una espátula, que es una hoja de metal plana. Una espátula también se puede utilizar para quitar la pintura del lienzo cuando sea necesario. Se puede utilizar una variedad de herramientas no convencionales, como trapos, esponjas e hisopos de algodón, para aplicar o quitar pintura. Algunos artistas incluso pintan con los dedos .

Los antiguos maestros solían aplicar la pintura en capas finas conocidas como "veladuras" que permiten que la luz penetre completamente a través de la capa, un método también llamado simplemente "pintura indirecta". Esta técnica es lo que da a las pinturas al óleo sus características luminosas. Este método se perfeccionó por primera vez a través de una adaptación de la técnica de pintura al temple al huevo (yemas de huevo utilizadas como aglutinante, mezcladas con pigmento), y fue aplicado por los pintores neerlandeses primitivos en el norte de Europa con pigmentos generalmente molidos en aceite de linaza . Este enfoque se ha llamado "técnica mixta" o "método mixto" en los tiempos modernos. Se coloca la primera capa (la pintura de base ), a menudo pintada con temple al huevo o pintura diluida con trementina. Esta capa ayuda a "tonificar" el lienzo y a cubrir el blanco del yeso. Muchos artistas usan esta capa para esbozar la composición. Esta primera capa se puede ajustar antes de continuar, una ventaja sobre el método de "caricatura" utilizado en la técnica del fresco . Una vez que se seca esta capa, el artista puede proceder a pintar un "mosaico" de muestras de color, trabajando desde el más oscuro al más claro. Los bordes de los colores se mezclan cuando se completa el "mosaico" y luego se dejan secar antes de aplicar los detalles.

Los artistas de épocas posteriores, como la era impresionista (finales del siglo XIX), a menudo ampliaron este método húmedo sobre húmedo , mezclando la pintura húmeda sobre el lienzo sin seguir el enfoque de la era renacentista de superposición y veladuras. Este método también se denomina " alla prima ". Este método se creó debido a la llegada de la pintura al aire libre, en lugar de dentro de un estudio, porque mientras se pintaba al aire libre, un artista no tenía tiempo para dejar que cada capa de pintura se seque antes de agregar una nueva capa. Varios artistas contemporáneos utilizan una combinación de ambas técnicas para agregar color intenso (húmedo sobre húmedo) y obtener la profundidad de las capas mediante veladuras.

Cuando la imagen está terminada y se ha secado durante un año, el artista suele sellar la obra con una capa de barniz que normalmente está hecha de cristales de goma damar disueltos en trementina. Estos barnices se pueden quitar sin alterar la pintura al óleo en sí, para facilitar su limpieza y conservación . Algunos artistas contemporáneos deciden no barnizar su obra y prefieren la superficie sin barnizar para evitar un aspecto brillante.

Pintores al óleo como Claude Monet y Vincent van Gogh revolucionaron el medio de maneras que moldearon profundamente la evolución del arte moderno. Sus innovaciones revolucionarias en la técnica, el color y la forma redefinieron la pintura al óleo tradicional y prepararon el terreno para varios movimientos artísticos posteriores. Su influencia se extiende al expresionismo, el fauvismo, el expresionismo abstracto y más allá, alterando fundamentalmente la forma en que los artistas contemporáneos abordan el color, la textura y la expresión emocional.

Las obras de Monet, especialmente sus series posteriores como Nenúfares , se consideran precursoras del arte abstracto. Su énfasis en capturar los efectos transitorios de la luz y su casi abstracción de la forma en sus últimas obras, como Nenúfares: Las nubes (1920), traspasaron los límites de la pintura figurativa tradicional. Artistas como Jackson Pollock se inspiraron en los lienzos a gran escala de Monet y su enfoque en el proceso físico de la pintura, utilizando técnicas que enfatizaban la acción de crear arte por sobre el producto final. ^[12]

La influencia de Vincent van Gogh en el arte moderno es igualmente significativa, particularmente a través de su uso emotivo del color y la textura. ^[13] Su técnica de empasto, donde gruesas capas de pintura crean una calidad táctil, casi escultórica, fue innovadora en su momento y tuvo un impacto duradero en movimientos del siglo XX como el expresionismo y el fauvismo. ^{[14] [15]} Sus obras icónicas como La noche estrellada (1889) y Los girasoles (1888) muestran su intensidad emocional, utilizando colores exagerados y composiciones dramáticas para transmitir profundidad psicológica. Los expresionistas de principios del siglo XX, como Edvard Munch y Ernst Ludwig Kirchner , se inspiraron en la capacidad de Van Gogh para expresar la agitación interior y la angustia existencial a través de formas distorsionadas y tonos vibrantes. ^[16]

• 
  Retrato de Arnolfini , Jan van Eyck , 1434 (en panel)
• 
  La donna velata , Rafael , 1516
• 
  El rapto de Europa , Tiziano , 1562
• 
  La elevación de la cruz , Peter Paul Rubens , 1610-1611
• 
  La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp , Rembrandt , 1632
• 
  Inocencio X , Diego Velázquez , c.  1650
• 
  La lechera , Johannes Vermeer , 1658-1660
• 
  La Bella Estrasburgo , Nicolas de Largillière , 1703
• 
  El tocador de Venus , François Boucher , 1751
• 
  El niño azul , Thomas Gainsborough , 1770
• 
  Carga en el desfiladero de Somosierra , Piotr Michałowski , 1837
• 
  Mujer con sombrilla – Madame Monet y su hijo , Claude Monet , 1875
• 
  Balón del molino de la Galette , Pierre-Auguste Renoir , 1876
• 
  Retrato del Dr. Gachet , Vincent van Gogh , 1890
• 
  Los jugadores de cartas , Paul Cézanne , 1892
• 
  Le Grand Canal , Venecia , Henri Le Sidaner , 1906
• 
  Las señoritas de Aviñón , Pablo Picasso, 1907
• 
  El beso (Der Kuß) , Gustav Klimt , 1907/8
• 
  Composición VII , Wassily Kandinsky , 1913
• 
  Bella con cuello blanco , Marc Chagall , 1917
• 
  Motivo de Tartu , Villem Ormisson , 1937
• 
  Halcones nocturnos , Edward Hopper , 1942

• Borchert, Till-Holger (2008). Van Eyck . Londres: Taschen . ISBN 3-8228-5687-8 . 
• Osborne, Harold, ed. (1970). El compañero de Oxford para el arte . Oxford University Press. ISBN 019866107X . 

• Chieffo, Clifford T. (1976). Manual del pintor al óleo contemporáneo . Prentice Hall. ISBN 978-0-131-70167-0 . 
• Mayer, Ralph (1940). Manual del artista sobre materiales y técnicas . Libro de referencia completo.

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