Liz Deschenes

Liz Deschenes (nacida en 1966) ^{[1] es una} artista y educadora contemporánea estadounidense . Su obra se sitúa entre la escultura y la imagen y se relaciona con la fotografía posconceptual y el minimalismo . ^[2] Su obra examina la fluidez del medio de la fotografía y amplía lo que constituye la visualización de una fotografía. Deschenes ha declarado que busca "permitir al espectador ver la inconstancia de las condiciones de exhibición, que siempre están en juego pero a veces son difíciles de ver". ^[3] Su práctica no está ligada a una sola tecnología, método, proceso o tema, sino a los elementos fundamentales de la fotografía, como la luz, el papel, la química y el tiempo.

Ha impartido clases en el Bennington College y fue artista invitada en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad de Columbia y en la Universidad de Yale . En 2019, fue titular de la Cátedra Wolf de Fotografía en Cooper Union . Actualmente imparte clases en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y es artista invitada de fotografía en el Bard College . ^{[4] [5]} Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York .

Deschenes nació en 1966 en Boston , Massachusetts , y creció en la costa sur , una ciudad mayoritariamente homogénea y conservadora. De niña, se encontraba con frecuencia y le fascinaba el tanque de gasolina de Boston (Rainbow Tank) de la artista y activista Corita Kent , situado en un lugar destacado de la costa de Dorchester .

A mediados de los años 1980, Deschenes se matriculó en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD, por sus siglas en inglés), con la intención de estudiar pintura o arquitectura, pero finalmente cambió su enfoque hacia la fotografía. ^[6] El estilo pedagógico de la RISD en ese momento era muy conservador y había pocas profesoras en el departamento de fotografía. Como resultado, Deschenes buscó otros contextos para involucrarse con el feminismo, la política queer, el activismo contra el SIDA y el examen del poder de la representación dentro del medio de la fotografía. ^[7] Deschenes se graduó de la RISD en 1988 con una licenciatura en Bellas Artes en fotografía. ^[8]

Deschenes trabajó en laboratorios de fotografía como técnica a lo largo de su carrera como joven artista, volviéndose experta en procesos de impresión química y analógica. En esta capacidad, también trabajó extensamente documentando las obras de arte de otros, lo que influyó en su noción de mediación y las condiciones de producción y exhibición. ^[7] En 1997, Deschenes presentó Elevation #1-#7 (1997), un conjunto de siete impresiones monocromáticas de transferencia de tinte cuyos colores corresponden a los desarrollados por cartógrafos para representar el rango de elevación de la Tierra. En la obra, al utilizar el proceso de impresión en color de transferencia de tinte, que Kodak discontinuó en 1994, Deschenes investiga los cambios tecnológicos en el medio. En 2001, influenciada por su visita a la convención de la Asociación Nacional de Radiodifusores en Las Vegas, Deschenes creó su serie Pantallas azules y verdes (2001-2002), que puso en primer plano los fondos invisibles utilizados para efectos especiales en la producción cinematográfica.

Deschenes explora los materiales y las propiedades de la fotografía, la luz y la percepción, a menudo en relación con los entornos arquitectónicos en los que se muestran. ^[9] El curador y crítico Matthew Witkovsky ha escrito que el trabajo de Deschenes "se opone a los términos básicos por los que se define convencionalmente la fotografía: instantaneidad, veracidad, fijeza o reproducibilidad". ^[10] Al mismo tiempo, Deschenes se relaciona con el legado del minimalismo , llamando la atención sobre las técnicas del observador mediante el despliegue de viejos métodos y técnicas fotográficas como el fotograma y el daguerrotipo . ^[11] Deschenes "calibra sus obras con el sitio" para revelar la relación del espectador con el espacio, ya sea fomentando nuevos encuentros visuales o respondiendo y alterando el espacio arquitectónico. ^[7]

En 2007, Deschenes presentó su serie de fotografías titulada Moiré (2007) en la exposición "Registration" de la Galería Miguel Abreu . ^[12] Para la obra, Deschenes fotografió una hoja de papel perforado que filtraba la luz que entraba por la ventana y superpuso el negativo con un duplicado en una ampliadora para crear una imagen abstracta con ilusiones de movimiento. ^[7] Los moirés se combinaron con Red Transfer (1997), un díptico de impresiones monocromáticas de transferencia de tinte con sutiles diferencias de tono. La alineación de las matrices de las transferencias de tinte sirvió como contrapunto al registro incorrecto en la serie Moirés . En una entrevista con Mousse Magazine en 2014, Deschenes señaló que la serie Moirés buscaba "confundir" las limitaciones de hacer algo "con una propiedad en gran medida fuera de los confines de la fotografía y las expectativas que se traen al mirar una obra fotográfica". ^[13]

Dos años después, en 2009, Deschenes creó Tilt / Swing (2009), una instalación de seis paneles de "espejo plateado" dispuestos en una configuración de 360 ​​grados de piso a techo. Se basó en un diseño de exposición no realizado concebido por Herbert Bayer , un artista y arquitecto de la Bauhaus , en The Fundamentals of Exhibition Design. ^[14] Si bien el esquema de Bayer buscaba ser "una imagen inclusiva de todas las posibilidades [de puntos de vista]", la instalación de Deschenes resultó en una fragmentación del entorno circundante. ^[7] Al comentar el título de la obra, Matthew Witkovsky ha escrito que las palabras tilt y swing evocan "cuestiones abstractas de punto de vista y manipulación, por ejemplo, las formas en que el sujeto espectador se gira o se enfoca en el entorno controlado de un edificio de museo". ^[15] Al mismo tiempo, la curadora Eva Respini ha remarcado que además de la referencia a Bayer, es crucial considerar la influencia del arte conceptual y de performance en Tilt/Swing , ya que la obra requiere una "activación física por parte del espectador". ^[7]

En su exposición de 2012-2013 en la Secesión de Viena, Deschenes presentó una nueva serie de fotogramas, Stereographs 1-16 (2012). ^[16] En la instalación, Deschenes imitó la ilusión de espacialidad de los estereoscopios al convertir la galería en una cámara. Deschenes trasladó la entrada de la galería a una puerta lateral exterior que no se había utilizado anteriormente, lo que llevó a los espectadores a través de un largo pasillo ( el visor ) a dos salas adyacentes ( el estereógrafo ). Cada sala contenía cuatro estereógrafos del mismo tamaño. Johanna Burton afirmó que los estereógrafos "deben verse no solo como un contexto que dilata e insiste en la ocupación espacial, sino también como algo que se mueve especulativamente: se desarrolla ". ^[17]

En 2014, por invitación del Walker Art Center de Minneapolis, Deschenes creó Gallery 7 (2014), una instalación específica para el lugar compuesta por tres elementos: once fotografías en marcos independientes; tres líneas horizontales grabadas en las paredes de la galería; y la luz natural proveniente de las ventanas que van del piso al techo. Los marcos independientes se ubicaron en el centro del espacio, trasladando la experiencia de observación de las paredes hacia las ventanas. La exposición estuvo en exhibición durante un año, durante el cual las condiciones de luz cambiaron y fomentaron la oxidación de los fotogramas fotosensibles. Además, las proporciones de las fotografías se basaron en las de una ficha, en referencia a la exposición de arte conceptual de mujeres artistas de Lucy Lippard de alrededor de 7500 ejemplares en el Walker Art Center en 1973. ^[18] En 2014, Deschenes recibió el prestigioso Premio de Arte Rappaport. Establecido en 2000, el Premio Rappaport es un premio de arte anual otorgado a un artista contemporáneo con fuertes conexiones con Nueva Inglaterra por deCordova Sculpture Park and Museum con el apoyo de la Fundación Phyllis y Jerome Lyle Rappaport.

En 2018, Deschenes presentó su exposición Rates (Frames per Second) en la galería Miguel Abreu. En la instalación, Deschenes tomó como punto de partida los experimentos protocinemáticos de Étienne-Jules Marey y presentó dos series, FPS (Frames per Second) y FPF (Frames per Feet) . FPS se cortó y montó directamente sobre tiras verticales de dibond, y FPF se prensó en marcos delgados y horizontales. Ambas series progresaban al ritmo de los pasos del espectador, similar al movimiento del cuerpo capturado por la cámara en el tiempo. El Brooklyn Rail describió la muestra como centrada no en "las condiciones atmosféricas o ambientales específicas que produjeron cada impresión", sino en "cómo se siente el tiempo ... y el peso específico que el tiempo puede tener en el espacio". ^[19]

Deschenes ha expuesto extensamente en los Estados Unidos y en el extranjero, incluyendo muestras individuales en ICA/Boston (2016), MASS MoCA en North Adams, MA (2015), Walker Art Center en Minneapolis (2015), Campoli Presti en París ^[20] y Londres (2013), ^[21] Secession, Viena (2012), Sutton Lane, Bruselas (2010), y Miguel Abreu Gallery en Nueva York (2009). ^[10] Su primera presentación individual en un museo estadounidense, "Liz Deschenes: Gallery 7" estuvo en exhibición en el Walker Art Center desde noviembre de 2014 hasta octubre de 2015 y fue curada por Eric Crosby. ^[22]

El trabajo de Deschenes ha sido incluido en numerosas exposiciones grupales en el Museo Whitney de Arte Americano , ^[8] el Museo de Arte Moderno , el Centro Pompidou y Extra City Kunsthal en Amberes. Su trabajo también se presentó en "Sites of Reason: A Selection of Recent Acquisitions" en el Museo de Arte Moderno (2014), "What is a Photograph?" en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York (2014) y "Cross Over. Photography of Science + Science of Photography" en el Fotomuseum Winterthur , Suiza (2013). ^[10] Deschenes también se presentó en la Bienal Whitney de 2012 ^{[23] [8]} y "Parcours" (2012), ^[24] una exposición de dos personas en el Instituto de Arte de Chicago que co-curó con Florian Pumhösl y Matthew Witkovsky.

Entre las monografías recientes dedicadas a la obra de Deschenes se incluyen Liz Deschenes (Boston: The Institute of Contemporary Art, 2016) ^[25] y Liz Deschenes, Secession (Viena: Secession, Berlín: Revolver, 2012). ^[26]

La obra de Deschenes se encuentra en las colecciones del Centro Pompidou en Francia, el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo de Arte Moderno , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo Whitney de Arte Americano y el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York , así como en el Instituto de Arte de Chicago , el Centro de Arte Walker en Minneapolis, el ICA/Boston , el Museo de Arte CCS Bard Hessel , el Museo de Arte de Milwaukee y el Museo de Arte Corcoran y el Museo y Jardín de Esculturas Hirschhorn en Washington, DC ^[10]

El Instituto de Arte Contemporáneo de Boston mostró el primer estudio exhaustivo de su obra en 2016. ^[27]

Videos externos
Liz Deschenes habla de su fotografía sin cámara, Museo de Arte Moderno de San Francisco

• CAMPOLI PRESTI - LIZ DESCHENES
• "Whitney Museum of American Art: Liz Deschenes". whitney.org. Archivado desde el original el 18 de febrero de 2017. Consultado el 2 de febrero de 2014 .
• "GALERÍA MIGUEL ABREU". miguelabreugallery.com . Consultado el 2014-02-02 .
• "Secuencia - Secesión". sequencepress.com. Archivado desde el original el 27 de febrero de 2014. Consultado el 2 de febrero de 2014 .
• "Revista BOMB: Liz Deschenes por Kathleen Peterson". bombsite.com . Consultado el 2 de febrero de 2014 .
• Lauren O'neill-Butler (22 de enero de 2013). "Secesión: una conversación con Liz Deschenes". Paris Review . Consultado el 2 de febrero de 2014 .
• "Eileen Quinlan y Liz Deschenes" (PDF) . 28 de noviembre de 2007 . Consultado el 2 de febrero de 2014 .
• Entrevista "Liz Deschenes. Tilt/Swing (campo de visión 360º, versión 1). 2009". 2014 . Consultado el 28 de junio de 2016 .