Las cuatro etapas de la crueldad

Las cuatro etapas de la crueldad es una serie de cuatro grabados impresos publicados por el artista inglés William Hogarth en 1751. Cada impresión representa una etapa diferente de la vida del ficticio Tom Nero.

Comenzando con la tortura de un perro cuando era niño en la Primera etapa de crueldad , Nerón progresa hasta golpear a su caballo como hombre en la Segunda etapa de crueldad , y luego al robo, la seducción y el asesinato en Crueldad en perfección . Finalmente, en La recompensa de la crueldad , recibe lo que Hogarth advierte que es el destino inevitable de aquellos que emprenden el camino que ha seguido Nerón: su cuerpo es sacado de la horca después de su ejecución como asesino y es mutilado por cirujanos en el quirófano anatómico .

Las estampas tenían como objetivo ser una forma de instrucción moral ; Hogarth estaba consternado por los actos rutinarios de crueldad que presenciaba en las calles de Londres. Las estampas, impresas en papel barato, estaban destinadas a las clases bajas . La serie muestra una rudeza de ejecución y una brutalidad que no está atenuada por los toques divertidos comunes en otras obras de Hogarth, pero que él sentía que eran necesarios para imprimir su mensaje en el público al que iba dirigido. Sin embargo, las imágenes aún conservan la riqueza de detalles y las sutiles referencias que son características de Hogarth.

Al igual que otros grabados de Hogarth, como Beer Street y Gin Lane , The Four Stages of Cruelty fue publicado como una advertencia contra la conducta inmoral, mostrando el camino fácil desde el matón infantil hasta el criminal convicto. Su objetivo era corregir "ese trato bárbaro a los animales, cuya sola visión hace que las calles de nuestra metrópolis sean tan angustiosas para toda mente sensible". ^[1] Hogarth amaba a los animales, se retrataba a sí mismo con su perro carlino en un autorretrato y marcaba las tumbas de sus perros y pájaros en su casa de Chiswick . ^[2]

Hogarth retrató deliberadamente los temas de los grabados con poca sutileza, ya que pretendía que los grabados fueran comprendidos por "hombres del más bajo rango" ^[1] cuando los vieran en las paredes de talleres o tabernas . ^[3] Las imágenes en sí, como en Beer Street y Gin Lane , estaban dibujadas de forma tosca, carecían de las líneas más finas de algunas de sus otras obras. Un grabado fino y una obra de arte delicada habrían hecho que las estampas fueran demasiado caras para el público al que iban dirigidas, y Hogarth también creía que un trazo audaz podía representar las pasiones de los sujetos tan bien como las líneas finas, y señaló que "ni una gran corrección en el dibujo ni un grabado fino eran necesarios". ^[4]

Para asegurarse de que los grabados tuvieran un precio al alcance del público al que iban dirigidos, Hogarth encargó originalmente al grabador de bloques J. Bell que produjera los cuatro diseños como xilografías . Esto resultó más caro de lo esperado, por lo que solo se cortaron las dos últimas de las cuatro imágenes y no se publicaron comercialmente en ese momento. ^[3] En cambio, Hogarth procedió a crear los grabados él mismo y anunció la publicación de los grabados, junto con el de Beer Street y Gin Lane , en el London Evening Post durante tres días del 14 al 16 de febrero de 1751. ^[5] Los grabados en sí se publicaron el 21 de febrero de 1751 ^[6] y cada uno estaba acompañado de un comentario moralizador, escrito por el reverendo James Townley , un amigo de Hogarth. ^[6] Al igual que con grabados anteriores, como Industria y ociosidad , las impresiones individuales se vendieron en papel "ordinario" por 1 chelín. (un chelín , equivalente a aproximadamente £ 9,90 en términos de 2023), lo suficientemente barato como para ser comprado por las clases bajas como un medio de instrucción moral. También había versiones "finas" disponibles en papel "superior" por 1s. 6d. (un chelín y seis peniques , aproximadamente £ 14,90 en términos de 2023) para coleccionistas. ^[1]

Existen variaciones de las placas III y IV de los grabados en madera originales de Bell, que llevan la fecha anterior del 1 de enero de 1750, ^[1] y fueron reimpresas en 1790 por John Boydell , pero los ejemplos de cualquiera de las impresiones en madera son poco comunes. ^{[3] [a]}

En la primera impresión, Hogarth presenta a Tom Nero, cuyo apellido puede haberse inspirado en el emperador romano del mismo nombre o una contracción de "No hero". ^{[7] [8]} Destacado en el centro de la placa, se lo muestra siendo ayudado por otros niños para insertar una flecha en el recto de un perro , una tortura aparentemente inspirada por un diablo que castiga a un pecador en La tentación de San Antonio de Jacques Callot . ^[5] Una insignia con las iniciales "S:G", en el hombro de su abrigo harapiento de color claro, muestra que recibe asistencia social de la parroquia de St Giles , de acuerdo con la Ley de Pobres de 1697 , que requería que todos los destinatarios de la caridad parroquial llevaran una insignia con las iniciales de la parroquia en su hombro derecho. Hogarth usó esta notoria zona marginal como fondo para muchas de sus obras, incluidas Gin Lane y Noon , parte de la serie Four Times of the Day . Un niño más tierno, tal vez el dueño del perro, ^[9] le ruega a Nerón que deje de atormentar al asustado animal, incluso le ofrece comida en un intento de apaciguarlo. Este niño supuestamente representa al joven Jorge, príncipe de Gales (más tarde rey Jorge III), ^[10] que tenía doce años en el año en que se publicó la caricatura. Su apariencia es deliberadamente más agradable que la de los rufianes feos y ceñudos que pueblan el resto de la imagen, como se aclara en el texto que aparece al pie de la escena:

Los otros niños llevan a cabo actos igualmente bárbaros: los dos niños en lo alto de las escaleras están quemando los ojos de un pájaro con una aguja caliente calentada por la antorcha del chico del enlace ; los niños en primer plano están arrojando a un gallo (quizás una alusión a una enemistad nacionalista hacia los franceses , y una sugerencia de que la acción tiene lugar el martes de carnaval , el día tradicional para asustar a los gallos ); ^[10] otro niño ata un hueso a la cola de un perro, tentador, pero fuera de su alcance; un par de gatos peleando son colgados por sus colas y burlados por un grupo de niños que se burlan; en la esquina inferior izquierda un perro es lanzado sobre un gato, con los intestinos de este último derramándose en el suelo; y en la parte posterior del cuadro otro gato atado a dos vejigas es arrojado desde una ventana alta. En un presagio de su destino final, el nombre de Tom Nero está escrito debajo del dibujo con tiza de un hombre colgado de la horca; el significado se aclara cuando el artista escolar señala a Tom. La ausencia de funcionarios parroquiales que deberían controlar a los niños es una reprimenda intencional por parte de Hogarth; estaba de acuerdo con Henry Fielding en que una de las causas del aumento de la tasa de criminalidad era la falta de atención de los supervisores de los pobres, que muy a menudo estaban interesados ​​en los puestos solo por el estatus social y las recompensas monetarias que podían traer. ^[5]

Debajo del texto se establece la autoría: Diseñado por W. Hogarth, publicado según la Ley del Parlamento. 1 de febrero de 1751 La Ley del Parlamento a la que se hace referencia es la Ley de Derechos de Autor de Grabado de 1734. Muchas de las obras anteriores de Hogarth se habían reproducido en gran número sin su autorización o pago de regalías , y él estaba ansioso por proteger su propiedad artística, por lo que había alentado a sus amigos en el Parlamento a aprobar una ley para proteger los derechos de los grabadores. Hogarth había sido tan decisivo en impulsar el proyecto de ley en el Parlamento que, al aprobarse, se conoció como la "Ley Hogarth". ^[11]

En la segunda placa, la escena es Thavies Inn Gate (a veces escrito irónicamente como Thieves Inn Gate), una de las posadas de la Cancillería que albergaba asociaciones de abogados en Londres. ^[12] Tom Nero ha crecido y se ha convertido en cochero de alquiler , y la crueldad recreativa del colegial se ha convertido en la crueldad profesional de un hombre en el trabajo. El caballo de Tom, agotado por años de maltrato y sobrecarga, se ha desplomado, rompiéndose una pata y volcando el carruaje. Sin tener en cuenta el dolor del animal, Tom lo ha golpeado tan furiosamente que le ha sacado un ojo. En un aparte satírico, Hogarth muestra a cuatro abogados corpulentos luchando por salir del carruaje en un estado ridículo. Probablemente sean caricaturas de juristas eminentes, pero Hogarth no reveló los nombres de los sujetos y no han sido identificados. En otras partes de la escena se producen otros actos de crueldad contra los animales: un pastor mata a palos a un cordero, un asno es empujado a la fuerza a pesar de estar sobrecargado y un toro enfurecido arroja a uno de sus torturadores. Algunos de estos actos se relatan en la moraleja que acompaña a la estampa:

La crueldad también ha avanzado hasta incluir el abuso de personas. Un carretero aplasta a un niño que juega mientras el carretero duerme, ajeno a la herida del niño y a la cerveza que se derrama de sus barriles. Los carteles en el fondo anuncian una pelea de gallos y un combate de boxeo como evidencia adicional de los entretenimientos brutales favorecidos por los sujetos de la imagen. El combate de boxeo se llevará a cabo en el Anfiteatro de Broughton, un lugar notoriamente duro establecido por el "padre del pugilismo", Jack Broughton : un cartel contemporáneo registra que los contendientes pelearían con su pierna izquierda atada al suelo, y el que tuviera menos heridas sangrantes sería juzgado como vencedor. ^[13] Uno de los participantes anunciados en el combate de boxeo es James Field , quien fue ahorcado dos semanas antes de que se publicaran las copias y aparece nuevamente en la imagen final de la serie; El otro participante es George "el Barbero" Taylor , que había sido campeón de Inglaterra pero fue derrotado por Broughton y se retiró en 1750. A la muerte de Taylor en 1757, Hogarth produjo una serie de bocetos de él luchando contra la Muerte, probablemente para su tumba. ^{[14] [15] [b]}

Según Werner Busch, la composición alude al cuadro El asno de Balaam (1626) de Rembrandt. ^[16]

En un eco de la primera lámina, sólo hay una persona que muestra preocupación por el bienestar del caballo atormentado. A la izquierda de Nerón, y casi invisible, un hombre anota el número del coche de alquiler de Nerón para informarle. ^[10]

En la tercera placa, Tom Nero ha pasado del maltrato animal al robo y asesinato. Después de animar a su amante embarazada, Ann Gill, a robar y abandonar a su amante, asesina a la muchacha cuando ella lo conoce. El asesinato se muestra particularmente brutal: su cuello, muñeca y dedo índice están casi cortados. Su caja de baratijas ^[c] y los bienes que había robado yacen en el suelo junto a ella, y el dedo índice de su mano parcialmente cortada señala las palabras "La venganza de Dios contra el asesinato" escritas en un libro que, junto con el Libro de oración común , se ha caído de la caja. ^[17] Una mujer que registra los bolsillos de Nero descubre pistolas, varios relojes de bolsillo , evidencia de que se había dedicado al robo en la carretera (como lo hizo Tom Idle en Industria y ociosidad ), ^[18] y una carta de Ann Gill que dice:

Querido Tommy:
Mi señora ha sido la mejor de las mujeres para mí, y mi conciencia me da un vuelco cada vez que pienso en hacerle daño; sin embargo, estoy decidido a arriesgarme en cuerpo y alma a hacer lo que tú quieres que haga, así que no dejes de encontrarme como dijiste que harías, porque llevaré conmigo todas las cosas que caigan en mis manos. Así que no más por ahora; pero sigo siendo tuya hasta la muerte.
Ann Gill.

La ortografía es perfecta y, aunque tal vez no sea realista, Hogarth evita deliberadamente que la escena resulte cómica. ^[10] Un sobre desechado está dirigido a "A Tho ^s Nerón en Pinne...". Ronald Paulson ve un paralelo entre el cordero golpeado hasta la muerte en la Segunda Etapa y la muchacha indefensa asesinada aquí. ^[5] Debajo de la impresión, el texto afirma que Nerón, si bien no está arrepentido, al menos está aturdido por sus acciones:

Varios elementos de la estampa pretenden intensificar los sentimientos de terror: el asesinato tiene lugar en un cementerio, que se dice que es St Pancras , pero que John Ireland sugirió que se parecía a Marylebone ; ^[10] un búho y un murciélago vuelan alrededor de la escena; la luna brilla sobre el crimen; el reloj marca la una para el final de la hora de las brujas . La composición de la imagen puede aludir a El arresto de Cristo de Anthony van Dyck . ^[19] Un buen samaritano solitario aparece de nuevo: entre los rostros gruñones de los acusadores de Tom, un solo rostro mira al cielo con compasión.

En la imagen alternativa de esta etapa, producida como xilografía por Bell, Tom aparece con las manos libres. También hay diferencias en la redacción de la carta ^[1] y algunos elementos, como la linterna y los libros, son más grandes y simples, mientras que otros, como el hombre a la izquierda de Tom y el arbusto topiario , se han eliminado. ^[20] El búho se ha convertido en un reloj de arena alado en la torre del reloj.

Después de haber sido juzgado y declarado culpable de asesinato, Nerón fue ahorcado y su cuerpo fue llevado al ignominioso proceso de disección pública. El año después de que se publicaron las impresiones, la Ley de Asesinatos de 1752 garantizaría que los cuerpos de los asesinos pudieran ser entregados a los cirujanos para que pudieran ser "disecados y anatomizados". Se esperaba que este castigo adicional sobre el cuerpo y la negación del entierro actuaran como un elemento disuasorio. ^[21] En la época en que Hogarth hizo los grabados, este derecho no estaba consagrado en la ley, pero los cirujanos aún retiraban los cuerpos cuando podían. ^[5]

Un tatuaje en su brazo identifica a Tom Nero, y la cuerda que todavía rodea su cuello muestra su método de ejecución. Se muestra que los disectores, con sus corazones endurecidos después de años de trabajar con cadáveres, tienen tanto sentimiento por el cuerpo como Nerón tenía por sus víctimas; le sacan un ojo como a su caballo, y un perro se alimenta de su corazón, tomando una venganza poética por la tortura infligida a uno de su especie en la primera placa. ^[5] El rostro de Nerón parece contorsionado por la agonía y, aunque esta representación no es realista, Hogarth pretendía aumentar el miedo de la audiencia. Así como el dedo de su amante asesinada señaló el destino de Nerón en Cruelty in Perfection , en esta impresión el dedo de Nerón señala los huesos hervidos que se preparan para la exhibición, lo que indica su destino final.

Mientras los cirujanos que trabajan en el cuerpo son observados por los académicos con birretes en la primera fila, los médicos, que pueden ser identificados por sus pelucas y bastones, ignoran en gran medida la disección y consultan entre ellos. ^[22] El presidente ha sido identificado como John Freke , presidente del Real Colegio de Cirujanos en ese momento. ^{[10] [d]} Freke había estado involucrado en el intento de alto perfil de asegurar el cuerpo del alborotador condenado Bosavern Penlez para su disección en 1749. ^[5] Aparte de la disección demasiado entusiasta del cuerpo y la ebullición de los huesos in situ , la imagen retrata el procedimiento tal como se habría llevado a cabo. ^[23]

Dos esqueletos en la parte posterior izquierda y derecha de la impresión están etiquetados como James Field , un boxeador conocido que también apareció en un cartel en la segunda placa, y Macleane , un infame salteador de caminos . Ambos hombres fueron ahorcados poco antes de que se publicara la impresión (Macleane en 1750 y Field en 1751). Los esqueletos aparentemente se señalan entre sí. El nombre de Field sobre el esqueleto de la izquierda puede haber sido una sustitución de último momento por "GENTL HARRY" en referencia a Henry Simms , también conocido como el joven caballero Harry. Simms era un ladrón que fue ejecutado en 1747. ^[14] El motivo del "buen hombre" solitario se mantiene en esta placa final, donde uno de los académicos señala el esqueleto de James Field, indicando el resultado inevitable para aquellos que comienzan el camino de la crueldad. ^[5]

La composición de la escena es un pastiche del frontispicio de De humani corporis fabrica de Andreas Vesalius , y posiblemente también toma prestado de Quack Physicians' Hall (c. 1730) del artista holandés Egbert van Heemskerck , que había vivido en Inglaterra y cuyo trabajo Hogarth admiraba. ^[22] Una fuente de inspiración anterior puede haber sido un grabado en madera en el Fasciculo di medicina de 1495 de Johannes de Ketham que, aunque más simple, tiene muchos de los mismos elementos, incluido el presidente sentado flanqueado por dos ventanas. ^[19]

Debajo de la impresión se encuentran estas palabras finales:

Hogarth se mostró satisfecho con los resultados. La revista European Magazine informó que le comentó a un librero de Cornhill (un tal Sr. Sewell): ^[5]

No hay parte de mis obras de la que esté tan orgulloso y en la que ahora me sienta tan feliz como en la serie de Las cuatro etapas de la crueldad , porque creo que la publicación del tema ha controlado el espíritu diabólico de barbarie hacia la creación bruta que, lamento decirlo, alguna vez fue tan frecuente en este país.

—  Revista Europea , junio de 1801

En su inacabada Apología de los pintores comentó además:

Preferiría, si con las cuatro estampas se hubiera evitado la crueldad, ser el autor de ellas en lugar de las caricaturas [de Rafael], a menos que viviera en un país católico romano. ^[24]

En su libro Shakespeare and His Times (1817) , Nathan Drake atribuye a la representación de "lanzar gallos" en la primera placa el cambio de opinión pública sobre la práctica, que era común en ese momento, y el impulso de los magistrados a adoptar una línea más dura con los infractores. En sus "Lecturas sobre ética", Immanuel Kant se refiere a los grabados como un ejemplo de cómo la crueldad hacia los animales conduce indirectamente a la falta de deberes hacia los humanos, ya que Hogarth "nos trae a casa las terribles recompensas de la crueldad, y esto debería ser una lección impresionante para los niños". ^[25] Otros encontraron la serie menos de su agrado. Charles Lamb descartó la serie como una mera caricatura, no digna de ser incluida junto con el resto de la obra de Hogarth, sino más bien algo producido como resultado de un "humor caprichoso" fuera de sus hábitos normales. ^[26] El historiador de arte Allan Cunningham también tenía fuertes sentimientos sobre la serie: ^[27]

Ojalá nunca lo hubieran pintado. Hay, en efecto, una gran habilidad en la agrupación y un profundo conocimiento de los personajes, pero el efecto general es grosero, brutal y repugnante. Un niño salvaje se convierte en un hombre salvaje y concluye una carrera de crueldad y ultraje con un asesinato atroz, por el que es ahorcado y diseccionado.

La Ley de Anatomía de 1832 puso fin a la disección de asesinos, y la mayoría de las torturas animales representadas fueron prohibidas por la Ley de Crueldad hacia los Animales de 1835 , por lo que en la década de 1850 Las cuatro etapas de la crueldad había llegado a ser vista como una serie algo histórica, aunque todavía con el poder de impactar, ^[28] un poder que conserva para una audiencia moderna. ^[23]

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• Lista de obras de William Hogarth
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