La niña que vivía en el árbol

La joven que vivía en el árbol es la trigésima segunda colección del diseñador de moda británico Alexander McQueen , realizada para la temporada otoño/invierno 2008 de su casa de moda homónima . Las principales inspiraciones fueron la cultura británica y los símbolos nacionales , en particular la monarquía británica , así como la vestimenta de la India durante el Raj británico . La colección se presentó a través de la narrativa de un cuento de hadas sobre una niña salvaje que vivía en un árbol antes de enamorarse de un príncipe y descender para convertirse en princesa.

El desfile de la colección se celebró el 29 de febrero de 2008 en el Palacio de Deportes de París-Bercy, en París. El escenario circular estaba vestido de negro con un telón negro, con un gran árbol artificial en el centro envuelto en seda gris oscuro; estaba inspirado en los artistas Christo y Jeanne-Claude , que eran conocidos por envolver edificios y lugares emblemáticos en tela. La presentación se dividió en dos fases para representar la historia de la niña; se presentaron cuarenta y dos looks en total, con veintitrés en la primera mitad y diecinueve en la segunda. En la primera fase, los conjuntos eran todos en blanco y negro, y la mayoría de los looks tenían una silueta esbelta y entallada. La ropa de la segunda mitad era de colores vivos, con materiales y adornos lujosos, que representaban la transformación de la niña en princesa.

La crítica respondió positivamente a La chica que vivía en el árbol y, en retrospectiva, se la considera una de las mejores colecciones de McQueen. Los académicos han analizado su inspiración y estilo desde distintos puntos de vista. El tocado de pavo real de Philip Treacy y un vestido con pavos reales de encaje atrajeron una atención crítica especial y un análisis más profundo. Las prendas de la colección se conservan en varios museos y han aparecido en exposiciones como la retrospectiva de McQueen Alexander McQueen: Savage Beauty . La obra semibiográfica de 2015 McQueen incorpora ideas de la narrativa de la colección.

El diseñador de moda británico Alexander McQueen era conocido por sus diseños imaginativos, a veces controvertidos, y sus dramáticos desfiles de moda . ^{[1] [2]} Durante sus casi veinte años de carrera, exploró una amplia gama de ideas y temas, incluidos el historicismo , el romanticismo , la feminidad, la sexualidad y la muerte. ^{[3] [1] [2]} Comenzó como aprendiz en Savile Row , ganándose la reputación de sastre experto, antes de trabajar brevemente en el proveedor de vestuario teatral Berman's & Nathan's en 1989. ^{[4] [5]} En 1990, McQueen se inscribió en el curso de maestría en diseño de moda en Central Saint Martins (CSM), una escuela de arte de Londres, donde fue asesorado por el fundador del curso , Bobby Hillson . ^{[6] [7] [8]} Se graduó con su maestría en diseño de moda en 1992. ^[9]

La colección de graduación de McQueen, Jack the Ripper Stalks His Victims , fue comprada en su totalidad por la editora de revistas Isabella Blow , quien se convirtió en otra mentora y su musa. ^[9] Su relación fue turbulenta y se habían distanciado cuando Blow se suicidó en mayo de 2007. ^{[11] [12] [13]} McQueen quedó devastado por su muerte. Para su siguiente colección, McQueen trabajó en estrecha colaboración con el diseñador de sombreros irlandés Philip Treacy , uno de sus colaboradores de larga data y otro de los protegidos de Blow. La colección, La Dame Bleue (primavera/verano de 2008), estuvo dedicada a la memoria de Blow. ^{[11] [14]} Después, McQueen viajó a la India durante un mes con su amigo y colaborador Shaun Leane . Más tarde describió el viaje como una "peregrinación" durante la cual había trabajado su dolor al absorber las enseñanzas espirituales y la cultura budistas . ^{[15] [16]}

McQueen era un gran admirador de su herencia escocesa, pero también sentía una fuerte conexión con Inglaterra, especialmente Londres, donde había crecido. ^[17] Fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico por la Reina Isabel II en 2003. ^[1] Aunque anteriormente había criticado abiertamente a la monarquía británica y se mostró reacio a aceptar el premio, más tarde dijo que conocer a la reina había sido "como enamorarse". ^{[18] [19]}

La chica que vivía en el árbol (otoño/invierno de 2008) es la trigésima segunda colección que McQueen hizo para su casa de moda homónima . La colección se presentó a través de la narrativa de un cuento de hadas sobre una niña salvaje que vivía en un árbol antes de enamorarse de un príncipe y descender para convertirse en princesa. ^{[11] [20]} Según McQueen, esta historia se inspiró en un antiguo olmo en el jardín de su casa de campo en Farleigh , Inglaterra, y la niña representaba a la reina Isabel II como una mujer joven. ^{[21] [22]} La biógrafa de McQueen , Dana Thomas, dijo que "parece que realmente se había enamorado" de la reina. ^[22] La autora Judith Watt sintió que la historia del cuento de hadas reflejaba la inocencia romántica de McQueen y "se remontaba a los días de la infancia". ^[16] Aunque fue una de sus colecciones más nacionalistas , la periodista Susannah Frankel sintió que contenía elementos de "ironía y pastiche", y McQueen bromeó diciendo que había elegido el tema real por razones egoístas: "Pensé, haré esto con la Reina y obtendré el título de caballero. Me convertiré en Sir Alexander McQueen". ^[17]

La estética visual de la colección se inspiró en la cultura británica y los símbolos nacionales , particularmente la monarquía británica, así como la vestimenta de la India durante el Raj británico . ^{[11] [21]} McQueen citó al duque de Wellington en las notas del desfile, y hubo influencias militares en forma de frac y adornos decorativos . ^[21] También se inspiró mucho en la ropa que había visto en la India con Leane, incorporando bordados exuberantes, tocados con joyas, jutti (pantuflas que se asemejan a las bailarinas ) y la tela de seda estampada utilizada para los saris . ^{[21] [23]} Las telas principales incluyeron brocado , satén duchesse , seda y terciopelo . ^{[20] [21] [24]} Se utilizaron piedras semipreciosas reales para el bordado y el adorno. ^[22] La colección fue inusualmente femenina en comparación con el trabajo habitual de McQueen, que generalmente tenía un borde más duro. ^{[25] [26] [27]}

Los diseños se dividieron en dos grandes fases, que siguieron el viaje de la niña fuera del árbol. ^[a] La ropa de la primera mitad representó el estado salvaje de la niña, inspirándose en la moda punk para crear un estilo que McQueen llamó "princesa punk". ^{[11] [29]} Estos looks eran completamente en blanco y negro, con una silueta delgada acentuada por una cintura ceñida. ^{[11] [20] [21]} McQueen confinó en gran medida sus omnipresentes prendas a medida a esta mitad del desfile, aunque los vestidos y las faldas de bailarina con volantes también aparecieron aquí. ^{[11] [30] [31]} Los adornos decorativos en esta fase incluyeron cuero, cristales, encaje y estampados plateados. ^{[11] [29] [31]} El tartán con base gris hizo referencia a la herencia escocesa de McQueen. ^[32]

La ropa de la segunda mitad era de colores intensos, con materiales y adornos lujosos, que representaban la transformación de la niña en princesa. ^{[20] [21]} Los elementos militares se hicieron eco aquí con chaquetas de estilo regimiento y adornos dorados. ^[11] Las faldas de los vestidos posteriores se exageraron con crinolinas , haciendo referencia a los vestidos de alta costura que Norman Hartnell y Hardy Amies diseñaron para Isabel II en su juventud. ^{[25] [31] [33]} El calzado en esta fase era similar a los zapatos con muchas cuentas diseñados por Roger Vivier para Christian Dior en la década de 1950. ^{[11] [34]}

Las imágenes de pájaros, alas y plumas fueron un tema recurrente en la obra de McQueen. ^{[35] [36]} En The Girl Who Lived in the Tree se centró en el pavo real , el ave nacional de la India , que se asocia culturalmente con la belleza, la gracia y el amor. ^[37] Pidió al diseñador de sombreros irlandés Philip Treacy que creara un tocado de pavo real para la colección; como de costumbre, su informe creativo fue simple y dio un amplio margen de interpretación. ^{[22] [38]} Treacy utilizó madera flotante para construir el cuerpo del pájaro y coral abanico de mar para su cola; recordó que McQueen se quedó "sin palabras" cuando lo vio. ^[22]

El desfile se llevó a cabo la noche del 29 de febrero de 2008 en el Palais Omnisports de Paris-Bercy en París. ^{[11] [39]} Fue el último desfile del día. ^[40] La tarjeta de invitación presentaba un grabado de un árbol en papel dorado en el exterior y, en el interior, una imagen de una niña cuyo cabello estaba mezclado con ramas de árboles. ^[23] McQueen invitó personalmente a Bobby Hillson al desfile como un gesto de gratitud por su mentoría. ^[41] El mismo día del desfile, McQueen anunció que su marca finalmente estaba obteniendo ganancias. ^[42]

Tabitha Simmons se encargó del estilismo general, Paul Hanlon se encargó del cabello y Peter Philips del maquillaje. Gainsbury & Whiting se encargó de la producción. ^[39] Joseph Bennett, que había diseñado todas las pasarelas de McQueen desde la número 13 (primavera/verano de 1999), volvió para el diseño de la escenografía . ^{[43] [44]}

La banda sonora se abrió con versiones orquestales de las canciones de Nirvana « Come as You Are » y « Smells Like Teen Spirit ». ^{[22] [23]} La segunda fase hizo la transición a la música clásica de Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart . ^[11]

El escenario circular estaba vestido de negro con un telón de fondo negro, con un gran árbol artificial en el centro envuelto en seda gris oscuro, que según McQueen era "para una sensación de protección". ^{[10] [20]} La tela se extendía desde la base del árbol para cubrir todo el escenario. ^[23] La envoltura se inspiró en los artistas Christo y Jeanne-Claude , que eran conocidos por envolver edificios y lugares emblemáticos en tela para sus instalaciones de arte a gran escala y específicas del sitio . ^{[11] [45]}

Se presentaron cuarenta y dos looks en dos fases. Los looks 1 a 23 eran completamente en blanco y negro, representando a la niña en su estado salvaje. ^{[20] [21]} Durante esta fase, el árbol en el centro estaba iluminado en azul. ^[37] El cabello de las modelos estaba agresivamente cardado hacia atrás y ahuecado hacia los lados de sus cabezas, y sus cejas eran oscuras y fuertemente definidas. ^{[16] [23]} Por lo demás, el maquillaje utilizaba una paleta de tonos nude. ^[46] Los vestidos tendían hacia lo que Thomas llamó un look "gótico victoriano". ^[22] Había varios conjuntos a medida con levitas y pantalones, que la autora Judith Watt encontró reminiscentes de los dandis de la era de la Regencia británica . ^{[30] [31]} La estética oscura le recordó a la autora Katherine Gleason al personaje principal de la película de 1990 Edward Scissorhands . ^[23]

Después del Look 23, las luces se apagaron, excepto en el árbol. El escenario estuvo brevemente vacío mientras la iluminación del árbol pasaba a amarilla, indicando el inicio de la segunda fase. ^[37] Los looks 24 a 42 fueron de colores intensos, con materiales y adornos lujosos, que representan la transición de la niña a la realeza. ^{[20] [21]} Las siluetas aquí se parecían al New Look de los años 50 , con cinturas ajustadas y faldas exageradas. ^{[22] [47]} Las modelos lucieron collares, tocados y pendientes antiguos con incrustaciones de gemas prestados por la sucursal de Nueva York de The Gem Palace de Jaipur , India, un antiguo taller de joyería de alta gama . ^{[48] [49] [50]} Los zapatos en esta fase eran bailarinas adornadas, un estilo inusual para un desfile de alta costura. ^{[31] [51]} El cabello y el maquillaje eran más elegantes, aunque con un ligero toque "punk": los moños se colocaban en la parte superior de la cabeza en lugar de en la nuca, y el cabello sobresalía en la parte superior, por ejemplo. ^{[11] [50]} La sombra de ojos y el iluminador en tonos dorados combinaban con la decadencia de las joyas y la ropa. ^[46]

El look 10 era un vestido negro con el tocado de pavo real de Treacy. ^{[21] [22]} El look 20, a veces llamado el "vestido de copos de nieve", era un vestido negro de largo medio con falda de bailarina, ajustado con una capa de cuero negro cortado a láser en forma de copos de nieve, sobre un fondo de seda blanca. ^{[52] [53]} El look 22 era un vestido de falda larga en negro con un estampado blanco de un árbol. El look 23, el "vestido de pavo real", era de falda igualmente larga, en blanco con un par de pavos reales de encaje negro enfrentados en la parte delantera y trasera. ^[31] Gleason sintió que su posición indicaba "cortejo y romance". ^[37]

Raquel Zimmermann lució el look 28, una chaqueta corta y un body ajustado; explicó a los entrevistadores que su atuendo masculino representaba al príncipe. ^[33] El look 29 presenta un vestido con un estampado de una joven reina Isabel II combinada con la Union Jack . ^[31] Los looks 34 y 35 tenían faldas amplias cubiertas de plumas teñidas. ^[31] El conjunto final, el look 42, comprendía un abrigo de satén rojo usado sobre un vestido con joyas en seda marfil, complementado con un bolso con forma de huevo en cuero rojo que McQueen denominó el bolso "Empire". ^{[47] [54]} El bolso estaba decorado con aleación de cobre dorado y cristales de Swarovski , y puede haber estado inspirado en los huevos de Fabergé con joyas hechos para la familia imperial rusa a fines del siglo XIX y principios del XX. ^[54] Kristin Knox llamó a todo el conjunto "uno de los vestidos más icónicos" de la colección. ^[55]

La respuesta crítica a La chica que vivía en el árbol fue positiva. Katherine Gleason informó que la mayoría de los críticos vieron el desfile como "un triunfo". ^[47] Fue la tercera colección más vista en Style.com esa temporada. ^[56] Varios críticos encontraron que la decadencia y el historicismo de La chica que vivía en el árbol se destacaron en una Semana de la Moda de París relativamente sosegada y minimalista . ^[59] Cathy Horyn para The New York Times y Derick Chetty en el Toronto Star sintieron que el desfile fue un éxito completo, artísticamente. ^{[32] [60]} Muchos críticos sintieron que la ropa era hermosa y comercialmente viable. ^{[21] [40] [60]} Suzy Menkes para International Herald Tribune no estuvo de acuerdo con este consenso, diciendo que había poca ropa ponible en la colección, pero sintió que todo era tan atractivo que "apenas parecía relevante". ^[61] Jeanne Beker de The National Post y Joelle Diderich identificaron el vestido de pavo real como uno de sus favoritos. ^{[53] [62]}

Varios críticos compararon la colección positivamente con el trabajo anterior de McQueen, incluso llamándola su mejor. ^{[21] [63]} Lisa Armstrong de The Times y Robin Givhan de The Washington Post notaron favorablemente la ausencia de la agresión habitual de McQueen; Givhan en particular estaba complacida de que hubiera evitado clichés personales como máscaras faciales y tacones extremos. ^{[63] [64]} Susannah Frankel de The Independent escribió que el uso de zapatos planos en lugar de tacones había permitido que las modelos lucieran "regias en lugar de rapaces". ^[51] Sarah Mower para Vogue sintió que McQueen había superado su "caparazón restrictivo y tenso" para producir un trabajo que tenía un "nuevo sentido de ligereza y feminidad". ^[21] Un escritor del personal de Women's Wear Daily estuvo de acuerdo, escribiendo que McQueen había "expresado en la moda un nuevo sentido de alegría" con la colección. ^[65] Frankel sintió que la colección estaba dirigida a un público más joven que las últimas colecciones de McQueen, lo que vio como algo positivo: el usuario previsto era "salvaje de corazón y mucho más poderoso por ello". ^[66]

Los críticos elogiaron las habilidades de McQueen en corte y sastrería, particularmente en la primera fase. Horyn escribió que "McQueen aborda cada corte, cada detalle y elección con la precisión de una campaña militar". ^[60] En su reseña de Los Angeles Times , Booth Moore citó "una increíble chaqueta con forma de reloj de arena y caderas ligeramente acolchadas en cuero negro con apariencia de brocado" como un ejemplo de la habilidad de McQueen en la sastrería. ^[67] Stephen Todd de The Australian destacó un par de "pantalones cortados tan ajustados que parecían una especie de elegante instrumento de tortura". ^[68] Escribiendo en The Irish Times , Deirdre McQuillan identificó las siluetas creadas por la corsetería historicista como "un saludo al imperio". ^[69]

Muchos críticos comentaron la inspiración del Raj británico . Varios destacaron los extravagantes detalles de alta costura en la segunda fase. ^{[53] [57] [67]} Armstrong lo llamó " Jane Austen se encuentra con el Raj" y contrastó favorablemente el estilo historicista con la ropa modernista que otros diseñadores habían producido esa temporada. ^[57] Vanessa Friedman del Financial Times lo llamó "adecuado para el Royal Ballet si la producción fuera, digamos, La reina va a la India para los últimos días del Raj". ^[70] Horyn se sintió impresionada por la capacidad de McQueen para comunicar la historia británica como "heroica, violenta [y] grandiosa" sin recurrir a ropa estrictamente histórica. ^[71] Guy Trebay de The New York Times fue más crítico, llamando a la estética general "Raj Barbie , una criatura de una pantomima de music-hall". ^[72] Criticó el uso de corsetería, diciendo que insinuaba un "fetiche de control". ^[72]

En retrospectiva, la colección es considerada en gran medida como una de las mejores de McQueen. Watt escribió que esta colección demostró que McQueen "podía crear una magnífica alta costura en su taller de Londres". ^[31] La autora Kristin Knox la llamó "una de sus colecciones más memorables de todos los tiempos". ^[55] En 2015, la curadora Kate Bethune la recordó como "una de las colecciones más líricas y hermosas de McQueen". ^[24] Thomas escribió que era una "colección impresionantemente hermosa" y la comparó con el mejor trabajo de los principales diseñadores posteriores a la Segunda Guerra Mundial Cristóbal Balenciaga , Christian Dior y Jacques Fath . ^[22] Otro de sus biógrafos, Andrew Wilson , fue más crítico y la calificó de "altamente artificial... una mezcla edulcorada de cuento de hadas del Raj y la realeza". ^[42]

La investigadora Lisa Skogh señaló que McQueen a menudo incorporaba conceptos y objetos que podrían haber aparecido en un gabinete de curiosidades , colecciones de objetos naturales e históricos que fueron los precursores de los museos modernos . Identificó el tocado de pavo real de coral como uno de esos elementos, comparándolo con una figura de la ninfa Dafne de la década de 1570 en la que el cabello de Dafne está representado por un gran trozo de coral. ^{[73] [74]}

El estilo teatral de los diseños de McQueen en The Girl Who Lived in the Tree puede haber sido influenciado por su tiempo en el proveedor de vestuario Berman's & Nathan's . ^[75] El comisario de vestuario Keith Lodwick argumentó que su trabajo en producciones que incluían el musical de larga duración Los miserables se reflejaba en sus abrigos y chaquetas a medida. Encontró que los chalecos de la colección y los adornos dorados evocaban la "atmósfera revolucionaria de Los miserables ". ^[75] La comisaria de danza Jane Pritchard sugirió que McQueen había sido preparado para absorber influencias del vestuario de danza, posiblemente de manera inconsciente. Comparó los diseños adornados de la colección y las faldas de ballet con los trajes del ballet Jewels de George Balanchine . ^[76]

En un ensayo sobre la incorporación de elementos góticos en la obra de McQueen, la profesora de literatura Catherine Spooner observó que la transformación corporal era un tema al que a menudo recurría, especialmente en sus narraciones de cuentos de hadas como La niña que vivía en el árbol . Contrastó la evolución de la niña con muchos de los cuerpos transformados de McQueen, señalando que la narrativa en La niña era una "versión más dulce" en comparación con colecciones como The Hunger (primavera/verano de 1996) que evocaban horror y asco. ^[77]

La escritora Cassandra Atherton describió el uso de varias colecciones de McQueen, incluida The Girl Who Lived in the Tree , en un curso de escritura creativa de nivel universitario para enseñar una conexión entre la poesía y la moda, particularmente cómo una puede inspirar a la otra. ^[78]

Daphne Guinness fue fotografiada con la bata roja del Look 42 para la edición de agosto de 2008 de Vanity Fair . ^{[31] También fue fotografiada con un vestido} de talle imperio de tul de seda color marfil de su propia colección para Harper's Bazaar UK , una variante de uno que había aparecido en la pasarela en negro como Look 7. ^{[21] [79]} Dos vestidos de la colección fueron fotografiados para Vogue : un vestido escocés en escala de grises de la primera fase fotografiado por Venetia Scott , y el vestido rojo con plumas del Look 35 fotografiado por Emma Summerton. ^[80]

La actriz Salma Hayek lució una copia del vestido de pavo real de Look 23 en la gala de apertura de 2015 para la puesta en escena de Savage Beauty en el V&A . ^[81] El dramaturgo James Phillips produjo la obra semibiográfica de 2015 McQueen , que incorpora ideas de la narrativa de La chica que vivía en el árbol. ^[82] Women's Wear Daily consideró que la colección de otoño de 2014 diseñada por Sarah Burton para la marca Alexander McQueen tenía un estado de ánimo y una narrativa similares a La chica que vivía en el árbol , escribiendo: "Como en ese cuento triunfal, las heroínas de Burton viajaron desde las sombras hacia la luz". ^[83]

En 2010, Jany Temime , la diseñadora de vestuario de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 1 , fue acusada de copiar el vestido de pavo real para un vestido de novia que aparece en la película. ^{[84] [85]} Belinda White de The Telegraph calificó el vestido de Harry Potter como "una copia descarada" y escribió que Temime había alterado "la cresta en las cabezas de las aves para hacerlas más 'fénix ' ", pero había dejado el resto del diseño con "plumas de pavo real bastante obvias". ^[84] La marca Alexander McQueen no hizo comentarios sobre las acusaciones. ^[84]

El Museo Metropolitano de Arte (el Met) posee copias de Look 7 y Look 25. ^{[86] [87]} El Fashion Institute of Design & Merchandising Museum de Los Ángeles posee una copia encargada de Look 23, el vestido de pavo real en blanco y negro; es uno de los tres únicos que existen, incluida la copia archivada de la propia marca. ^{[88] [89]} Ha aparecido en las exposiciones Modern Love ( Bendigo Art Gallery , 2013) e India and Beyond ( Phoenix Art Museum , 2020). ^{[90] [91]} La Galería Nacional de Victoria posee copias de Look 20, el vestido de copo de nieve; y Look 40. ^{[92] [93]} Su copia del vestido de copo de nieve había sido muy alterada y tenía grandes manchas, lo que requirió una extensa restauración de la tela para restaurar su apariencia original. ^[52]

La amiga de McQueen, Daphne Guinness, subastó parte de su archivo de moda en 2012, incluido el vestido de tul color marfil que había usado para Harper's Bazaar UK . ^[79] La estrella del pop Lady Gaga compró este artículo por £ 85,250 (US $ 133,075); fue la cantidad más alta pagada en una subasta por un McQueen en ese momento. ^{[79] [94]} La coleccionista de moda Jennifer Zuiker subastó su colección McQueen en 2020, incluida una pieza de The Girl Who Lived in the Tree . Un vestido negro con volantes en el cuello, Look 5 en la pasarela, se vendió por $ 3,500. ^{[95] [96]}

Varios looks de La chica que vivía en el árbol aparecieron en Alexander McQueen: Savage Beauty , una exposición retrospectiva de los diseños de McQueen que se mostró en 2011 en el Met y en 2015 en el Victoria and Albert Museum (el V&A). ^{[20] [21]} Comprendieron una gran parte de la sección "Nacionalismo romántico" de la exhibición. Los looks 24, 26, 27, 39 y 42 aparecieron en ambos. ^[97] El tocado de pavo real apareció en el Gabinete de curiosidades. ^[98] El look 35, un vestido de ballet rojo, se agregó para la puesta en escena de 2015. ^[99] Lee Alexander McQueen: Mind, Mythos, Muse , una exposición que se realizó por primera vez en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 2022, presentó el Look 7 del desfile, así como varios artículos de la colección minorista: un minivestido negro con un patrón de árbol similar al Look 22, un minivestido crema con bordados de pájaros y ramas y una blusa negra. ^{[21] [100]}

• Bolton, Andrew (2011). Alexander McQueen: Savage Beauty. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte . ISBN 978-1-58839-412-5.OCLC 687693871  .
  • Frankel, Susannah . Introducción. En Bolton (2011), págs. 17-27.
• Callahan, Maureen (2014). Supernovas del champán: Kate Moss, Marc Jacobs, Alexander McQueen y los renegados de los años 90 que rehicieron la moda. Nueva York: Touchstone Books . ISBN 978-1-4516-4053-3.
• Crowe, Lauren Goldstein (2010). Isabella Blow: A Life in Fashion. Nueva York: Thomas Dunne Books . ISBN 978-1-4299-8538-3.
• Esguerra, Clarissa M.; Hansen, Michaela (2022). Lee Alexander McQueen: Mente, mito, musa. Nueva York: Delmonico Books. ISBN 978-1-63681-018-8.OCLC 1289986708  .
• Fairer, Robert y Wilcox, Claire (2016). Alexander McQueen: Unseen. New Haven, Connecticut: Yale University Press . ISBN 978-0-300-22267-8.OCLC 946216643  .
• Fox, Chloe (2012). Vogue On: Alexander McQueen. Vogue on Designers. Londres: Quadrille Publishing. ISBN 978-1849491136.OCLC 828766756  .
• Gleason, Katherine (2012). Alexander McQueen: Evolution. Nueva York: Race Point Publishing . ISBN 978-1-61058-837-9.OCLC 783147416  .
• Homer, Karen (2023). El pequeño libro de Alexander McQueen: la historia de la marca icónica. Londres: Welbeck Publishing Group . ISBN 978-1-80279-270-6.
• Knox, Kristin (2010). Alexander McQueen: genio de una generación. Londres: A&C Black . ISBN 978-1-4081-3223-4.OCLC 794296806  .
• Thomas, Dana (2015). Dioses y reyes: el ascenso y la caída de Alexander McQueen y John Galliano. Nueva York: Penguin Publishing . ISBN 978-1-101-61795-3.OCLC 951153602  .
• Watt, Judith (2012). Alexander McQueen: La vida y el legado. Nueva York: Harper Design . ISBN 978-1-84796-085-6.OCLC 892706946  .
• Wilcox, Claire, ed. (2015). Alexander McQueen . Nueva York: Abrams Books . ISBN 978-1-4197-1723-9.OCLC 891618596  .
  • Bethune, Kate. "Enciclopedia de colecciones". En Wilcox (2015), págs. 303–326.
  • Miller, Janice. “Making-Up”. En Wilcox (2015), págs. 234–241.
  • Lodwick, Keith. "Golpe de teatro". En Wilcox (2015), págs. 247-251.
  • Persson, Helen. “Saliendo a la calle”. En Wilcox (2015), págs. 110–115.
  • Pritchard, Jane. “Danza”. En Wilcox (2015), págs. 252–257.
  • Skogh, Lisa. “Museo de la mente”. En Wilcox (2015), págs. 178–188.
  • Spooner, Catherine. “Una mente gótica”. En Wilcox (2015), págs. 141–158.
• Wilson, Andrew (2015). Alexander McQueen: Sangre bajo la piel. Nueva York: Simon and Schuster . ISBN 978-1-4767-7674-3.OCLC 1310585849  .

Wikimedia Commons tiene medios relacionados con La muchacha que vivía en el árbol .

• «Mujeres 2008». Alexander McQueen . Archivado desde el original el 25 de octubre de 2010. Consultado el 6 de noviembre de 2010 .
• Alexander McQueen | Colección de mujer otoño/invierno 2008 | Desfile en YouTube