Tejido de bambú japonés

El tejido de bambú (竹編み, takeami ) es una forma de trabajar el bambú (竹細工, takezaiku ) y una artesanía tradicional japonesa (工芸, kōgei ) , con una variedad de aplicaciones, estilos de tejido y apariencias diferentes. El tejido de bambú japonés es particularmente conocido por su uso en el tejido de cestas .

En Japón crecen más de seiscientas especies de bambú, algunas endémicas de la isla. Aunque se define como una subfamilia de las gramíneas, el bambú se caracteriza por su tallo leñoso y un sistema de raíces que puede formar racimos gruesos que se extienden lentamente o estolones más agresivos. ^[1] Las cualidades como la resistencia y la flexibilidad de una variedad de bambú difieren ampliamente, y algunos tipos se consideran más adecuados para su uso en artesanías de bambú que otros. Uno de esos tipos, especialmente utilizado en el tejido de bambú, es Phyllostachys bambusoides , conocido como madake (真竹) o kashirodake (皮白竹) , que es famoso por su combinación de alta resistencia y alta flexibilidad.

El bambú tiene características que, con el tiempo, han propiciado su uso frecuente en la cultura japonesa y el desarrollo de un simbolismo asociado a sus cualidades. Es una planta de crecimiento rápido, de ramas rectas y flexible, no se descompone rápidamente una vez cortada y se puede utilizar para construir refugios, armas, instrumentos y recipientes. Los brotes jóvenes de bambú, que son comestibles, forman parte de la cocina tradicional japonesa , y el bambú es un tema común en la literatura y la pintura japonesas .

Junto con los pinos de hoja perenne y los ciruelos en flor (las primeras flores de la primavera), el bambú forma parte del motivo tradicional de los Tres Amigos del Invierno , que suele verse en los kimonos que se usan en ocasiones propicias como símbolo de perseverancia y resiliencia. Los artistas japoneses han representado a menudo al bambú soportando las inclemencias del tiempo, como la lluvia o la nieve, lo que refleja su reputación de ser flexible pero irrompible, y su asociación con la firmeza y la lealtad. ^[1]

Las cestas de flores para ikebana llamadas hanakago (花籠) y otros tipos fueron importadas de China o su estilo fue copiado. Estas cestas karamono (唐物, lit. ' estilo chino ' )  tenían estructuras formales y simétricas con tejidos fuertemente trenzados. ^{[2] [3]} Fue el maestro del té del siglo XVI Sen no Rikyū (1522-1591) quien abogó por un estilo wabi-cha simple y austero con utensilios naturales y espontáneos o aparentemente sin arte. Estos utensilios de té establecieron un arte japonés del bambú distinto del estilo chino importado. ^[2] Las cestas fueron desarrolladas para aparecer en un estilo natural y asimétrico, llamado wamono (和物, lit. ' estilo japonés ' )  . ^{[2] [3]} Alrededor de 1700, la adopción de la ceremonia del té japonés ( sencha ) coincidió con una renovada admiración por la cultura , la literatura y la pintura chinas entre los literatos japoneses , un fenómeno que continuó hasta el siglo XIX. ^[4] Las cestas elegantes y finamente tejidas importadas de China sirvieron como modelos para las cestas karamono que ahora crean los artesanos japoneses, siguiendo una tradición establecida durante el período Muromachi (1392-1573). ^[3] El reconocimiento de la artesanía del bambú como arte decorativo japonés tradicional comenzó a fines del siglo XIX y se aceptó como una forma de arte. ^[1]

El Centro de Apoyo a la Formación Técnica en Bambú de la ciudad de Ōita se estableció en 1938, lo que lo convierte en la única institución de nivel prefectural financiada con fondos públicos en el país que se dedica a la artesanía del bambú. Después de la Segunda Guerra Mundial, la artesanía del bambú desapareció cuando el plástico lo reemplazó por productos utilitarios. Sin embargo, la producción de alto nivel se mantuvo y se desarrollaron formas de arte aparte de la artesanía. El arte del bambú ganó cada vez más reconocimiento. En 1967, Shōnō Shōunsai (生野祥雲斎) (1904-1974) de Beppu se convirtió en el primer artista del bambú en ser nominado por el gobierno como Tesoro Nacional Viviente. ^[5] En 1979, las artesanías de bambú de Beppu fueron designadas por el Ministerio de Economía, Comercio e Industria en 1979 como Artes y Oficios Tradicionales. ^[6]

La mayoría de los maestros artesanos designados como Tesoros Nacionales Vivientes son seleccionados entre los participantes en las exposiciones anuales de la Asociación Japonesa de Kōgei . Mientras que las exposiciones anuales de la Academia de Arte de Japón ( Nitten (日展) ) enfatizan la expresión artística, las exposiciones de Arte y Artesanía priorizan la preservación de las habilidades tradicionales y, por lo general, presentan cestas funcionales, aunque modernas. En la era de la posguerra, muchos de los principales artistas del bambú estaban vinculados a linajes establecidos. ^[1] Aunque la mayoría de los artistas son hombres, recientemente han surgido varias artistas femeninas, ^[7] como Toshie Ōki (大木 淑恵) ^[8] y Setsuko Isohi (磯飛 節子, n. 1964) . ^{[2] [9] [10] [11]}

El arte del bambú de las últimas décadas, a pesar de que sus practicantes tienen el mismo respeto por la tradición y el linaje que los artistas del bambú a lo largo de la historia, refleja una mayor diversidad en la técnica y la visión. Artistas notables han llegado a la artesanía desde fuera de las líneas familiares tradicionales, y muchos trabajan de forma independiente. Algunos tienen formación en bellas artes, mientras que otros se sintieron atraídos por la práctica después de haber trabajado en un campo no relacionado. ^[1]

Como es similar en otras artesanías japonesas, la adquisición de conocimientos generalmente implicaba un largo aprendizaje con el maestro del taller, ^[12] a menudo el padre del joven discípulo, en un sistema llamado shitei (師弟) . Aprender las habilidades y técnicas básicas generalmente lleva de cinco a diez años, pero dominarlas y desarrollar un estilo individual puede requerir décadas. ^{[12] [13]} En siglos anteriores, un estudiante aprendiz de un maestro debía trabajar duro casi todos los días a cambio de poco o ningún pago; un aprendiz viviría en la casa de su maestro y también se esperaba que participara en las tareas domésticas. Antes de comenzar cualquier capacitación, se esperaba que un aprendiz simplemente observara a su maestro y otros estudiantes más experimentados en el trabajo; incluso los estudiantes mayores y con más experiencia generalmente aprendían a través de este método de observación. En tiempos más recientes, este método de aprendizaje ha cambiado y ya no es típico ni común, y los estudiantes de tejido de bambú aprenden habilidades básicas en escuelas técnicas, como el centro de Ōita, antes de ir más tarde a un maestro.

Si bien algunas obras de bambú se pueden completar en varias semanas, otras toman muchos meses y las piezas de exhibición a menudo requieren más tiempo, a veces un año o dos. ^{[1] [3]} Las artes del bambú tienen un perfil bajo en comparación con la cerámica, principalmente debido al número comparativamente bajo de artesanos y la cantidad de tiempo que lleva terminar un objeto. ^[14]

La cestería de bambú suele complementarse con otros materiales como el ratán o la palma de cáñamo ; también existen cesterías fabricadas únicamente con estos materiales. Otra es el tsuruzaiku (つる細工) , la artesanía del tejido de enredaderas , que es popular en muchas partes de la región norte de Tōhoku , donde el bambú es más escaso, específicamente el tejido de akebia quinata , conocido como akebizaiku (アケビ細工) . ^[15]

Las tres principales áreas de producción de tejidos de bambú son la región occidental de Kansai , alrededor de las ciudades de Osaka y Kioto, la región oriental de Kantō, alrededor de Tokio, y la isla más meridional de Kyushu . Cada una tiene sus propias técnicas y estilos de tejido de bambú. ^{[1] [16]}

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  Cesta de carbón de estilo chino ( sairō-sumitori ) para la ceremonia del té japonesa . Madera de bambú, bambú enano y ratán. Periodo Edo, siglo XIX.
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  Caja de mimbre con peonías. Hiramaki-e de bambú, laca y oro . Periodo Edo, segunda mitad del siglo XIX.
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  Cesta colgante para flores ( kake-hanakago ) en forma de cigarra . Ratán. Periodo Edo, siglo XIX.
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  Cesta de flores de bambú, periodo Edo, segunda mitad del siglo XIX

Entre los artículos tejidos con bambú en Japón, las sofisticadas cestas para flores sencha y las cestas para utensilios de té tuvieron históricamente una demanda especialmente alta en la región occidental de Kansai, con Osaka y Kioto como centro. A fines del siglo XIX, los maestros artesanos de la región comenzaron a combinar la perfección técnica con la individualidad artística para producir "cestas de arte" funcionales que estaban firmadas por el artista. ^[1] Se cree que el pionero artista del bambú de Kansai Hayakawa Shōkosai I (早川尚古斎, 1815-1897) fue el primer maestro en firmar sus cestas, ^{[2] [16]} estudió la artesanía tradicional del trenzado de ratán y se concentró en los utensilios de té sencha . ^[3] Su hijo mayor, Shōkōsai II (1860-1905), lo siguió en el negocio de la cestería, pero murió a una edad temprana. Su hermano menor, Shōkosai III (1864-1922), lo sucedió y desarrolló un estilo avanzado de trenzado llamado "tejido grueso", un cambio con respecto a las técnicas características de la familia. Después de la Segunda Guerra Mundial, Shōkōsai IV (1902-1975) se mudó de Osaka a Kioto, donde estableció el nuevo taller familiar. ^[17] Shōkōsai V (1932-2011) exploró más posibilidades en el trenzado de armaduras, un tipo de construcción paralela considerada una de las técnicas tradicionales de Hayakawa. ^[18] Expuso su trabajo en las Exposiciones anuales de artesanía tradicional japonesa a partir de 1966 y fue designado Tesoro Nacional Viviente en 2003. ^{[1] [19]}

El artista del bambú Wada Waichisai I (和田和一斎, 1851-1901), residente en Osaka, estableció un linaje importante y duradero de maestros. ^[20] Era conocido por sus precisas y delicadas técnicas de trenzado, fabricando principalmente cestas karamono (estilo chino) y utensilios para la ceremonia del té sencha ^{. [1] [3]} Entre sus numerosos discípulos se encontraba Tanabe Chikuunsai I (初代田辺竹雲斎, 1877-1937) , quien perpetuó las tradiciones heredadas y comenzó a modernizarlas. ^[21] Desarrolló el llamado estilo de cestería ryūrikyō después de estudiar las pinturas del siglo XVIII de Yanagisawa Kien , que a menudo representaba cestas de bambú llenas de flores o frutas en el estilo literario bunjin . Chikuunsai fabricó cestas ryūrikyō explícitamente para exhibición, una tendencia que marcó un cambio significativo en el arte japonés del bambú, reflejando la ambición de los maestros artesanos de lograr el mismo grado de reconocimiento que ya se les otorgaba a los artistas contemporáneos de cerámica y laca. Tanabe Chikuunsai II (1910-2000) y Chikuunsai III (1940-2014) extendieron el linaje de Tanabe, y este último produjo esculturas geométricas únicas. ^[22] Tanabe Chikuunsai IV ( nacido en 1973) ^[23], con sede en Sakai , ha continuado la tradición familiar al mismo tiempo que experimenta con esculturas monumentales y obras de instalación orgánicas, como Godai de casi 6 metros (20 pies) de altura en el Musée Guimet en 2016, ^[24] o con The Gate en 2017 en el Metropolitan Museum of Art . ^{[25] [26] [27]}

Otro discípulo de Wada Waichisai I fue Yamamoto Chikuryūsai I (初代山本竹龍斎, 1868-1945) , que recibió premios en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925 en París, la feria Century of Progress de 1933 en Chicago y la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne de 1937 en París. También fue uno de los primeros artesanos del bambú cuyo trabajo fue admitido en la exposición Teiten de la Academia Imperial de Bellas Artes. ^[28]

Maeda Chikubōsai I (初代前田竹房斎, 1872–1950) , también de Sakai, estableció su propia y distinguida línea familiar. Comenzó su carrera produciendo cestas karamono ^{y literati, pero luego desarrolló un método único de usar ramas y raíces de bambú natural para lograr un efecto más rústico. [3]} También hizo varias piezas para la Corte Imperial. ^[29] Chikubōsai II (1917–2003) produjo tanto cestas sencha como vasijas modernas hechas de tiras redondas de bambú doblado y fruncido. ^{[1] [3]} A partir del período Taishō , tanto Tanabe Chikuunsai I como Maeda Chikubōsai I incorporaron flechas antiguas a su trabajo, lo que fue particularmente apreciado por los clientes que descendían de samuráis . ^[30] Le siguió su obra Maeda Chikubōsai II (二代前田竹房斎, 1917–2003) , cuyas obras se exhibieron en el Nitten y que en 1995 fue premiado por el gobierno como el tercer artista del bambú en ser nombrado Tesoro Nacional Viviente. ^{[31] [32] [33]}

Uno de los artistas influenciados por Tanabe Chikuunsai II es Sugita Jozan ( nacido en 1932 en Osaka). ^[34] Otros artesanos y artistas notables incluyen a Suzuki Gengensai (鈴木玩々斎, 1891-1950) , ^[35] Higashi Takesonosai (東竹園斎, 1915-2006) , ^[36] quien fue influenciado por Rōkansai y recibió el Premio de Reconocimiento Especial ( Tokusen ) en la exposición Nitten ^{de 1971. , [37] [36]} Tanaka Kōsai (田中篁斎, 1912-1993) ^[38] quien también integró los ejes de flechas en su trabajo, ^[39] Tanaka Kōji (田中耕司, n. 1941) , ^[40] y Tanioka Shigeo (谷岡茂男, n. 1949) quien fue aprendiz de Tanabe Chikuunsai II. ^[41]

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  Gran cesta de flores. Bambú con detalles de ratán. Por Hayakawa Shōkōsai I, segunda mitad del siglo XIX
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  Sombrero hongo. Madera de bambú, ratán y brocado de seda. Por Hayakawa Shōkosai I, era Meiji , c. 1880–1890
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  Cesta de flores estilo Karamono . Madera de bambú, ratán y laca. Por Wada Waichisai I, período Meiji, c.  1890–1901
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  Cesta colgante de flores Ryūrikyō . Bambú enano ahumado y ratán. Por Tanabe Chikuunsai I, finales del periodo Meiji y principios del periodo Taishō, c.  1900-1920

Monden Kōgyoku (門田篁玉, n. 1916) fabricó miles de cestas utilitarias para mayoristas durante dos décadas después de la Segunda Guerra Mundial. Más tarde, realizó una serie de piezas artísticas con tiras de bambú extremadamente finas y técnicas intrincadas. Vive cerca de Hiroshima, en la vecina región de Chūgoku. ^{[42] [43] [44]}

El arte japonés del bambú en la región oriental de Kantō, en torno a Tokio, experimentó un proceso de modernización durante la primera mitad del siglo XX. Varios maestros alcanzaron la fama gracias a su participación en las exposiciones internacionales de arte nacionales recientemente reorganizadas y comenzaron a producir "cestas de arte".

Iizuka Hōsai II (二代飯塚鳳斎, 1872–1934) ^[45] y su hermano Iizuka Rōkansai (飯塚琅玕斎, 1890–1958, nacido Yanosuke) ^[46] encabezaron el movimiento, siendo pioneros en nuevas direcciones para el campo y elevando la artesanía del bambú a una forma de arte. ^{[47] [48] [49]} Haciendo hincapié en la libertad artística y la individualidad, Rōkansai experimentó con las posibilidades del medio y desarrolló varias técnicas nuevas, incluido el trenzado en manojos ( tabane-ami ) y el trenzado bordado ( take sashi-ami ). ^[3] Recibió un premio en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925 en París. ^[46] Iizuka Shōkansai (飯塚小玕斎) (1919–2004), que se formó con su padre, el famoso Rōkansai, exhibió regularmente sus obras en la exposición anual Nitten y en las exposiciones de Arte y Artesanía Tradicional, ^[50] y fue designado Tesoro Nacional Viviente en 1982. Las tradiciones de la familia Iizuka fueron transmitidas a Katsushiro Sōhō (勝城蒼鳳) (n. 1934) ^{[51] [52] [53]} y Fujinuma Noboru (藤沼昇) (n. 1945), ^{[54] [55]} ambos Tesoros Nacionales Vivientes activos en la Prefectura de Tochigi . ^{[1] [56] [57] [3] [58] [59]}

Ishikawa Shōun (1895-1973) ^[60] fue discípulo de Iizuka Rōkansai , ^[61] al igual que Yokota Hōsai (横田峰斎) (1899-1975). ^{[62] [63]} Hōsai fue uno de los diecisiete miembros fundadores de la Asociación de Artistas de Bambú de Japón en 1955, junto con Kosuge Shōchikudo e Iizuka Shōkansai . ^[64] Suzuki Kyokushōsai I (鈴木旭松斎, c. 1872-1936) ^{[65] [66]} podría haber estado relacionado con ellinaje Hōsai ^{. [67]} Otro discípulo de Rōkansai fue Nakata Kinseki (中田錦石) (1902-1959). ^[68]

Buseki Suigetsu (武関翠月) (1930-2013) es un artista que trabaja en Tokio. ^[69]

Fujitsuka Shōsei (藤塚松星) (nacido en 1949) fue aprendiz de Baba Shōdō (1925-1996) y vive en Kanagawa . Produce instalaciones artísticas con un estilo muy individualista. ^[70]

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  Cesta de flores grande ( hanakago ). Madera de bambú, ratán y laca. Por Iizuka Hōsai II, era Meiji, c. 1910
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  Caja de piedra de entintar ( suzuribako ). Madera de bambú, ratán, laca y polvo de oro. Por Iizuka Hōsai II, período Taishō, 1923
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  Cesta de flores ( hanakago ). Madera de bambú ahumada violeta, ratán y laca. Por Iizuka Hōsai II, período Shōwa , c. 1924-1934

Un importante linaje Chūbu , específicamente en la región de Hokuriku , es el de Honma Kazuaki (本間一秋) (n. 1930), ^{[71] [72]} de la isla de Sado y afincado en la prefectura de Niigata . Estudió con Hayashi Shōgetsusai (林尚月斎) (1911-1986) ^{[73] [74] [75]} Se especializa en obras de bambú doblado y ha ganado renombre por sus composiciones abstractas a gran escala. Desarrolló aún más la idea de Iizuka Shōkansai de obras de bambú enmarcadas y bidimensionales llamadas "pinturas trenzadas" y recibió dos Premios de Reconocimiento Especial ( Tokusen ) en el Nitten , uno en 1983. ^[76]

Su discípulo Honma Hideaki (本間秀昭) (n. 1959), ^{[77] [78]} que trabaja en la isla de Sado, emplea una variedad local flexible de bambú en obras inspiradas en la flora y fauna de la isla. ^[1] Otro discípulo de Honma Kazuaki fue Ueno Masao (nacido en 1949) de Iiyama, Nagano , que crea obras de instalación. ^{[79] [80] [81]}

Otro linaje importante en la isla de Sado fue fundado por Kosuge Chikudō (1895-1966), continuado por sus hijos Kosuge Shōchikudō (小管小竹堂) (1921-2003) y Kosuge Kōgetsu (小菅吼月) (n. 1932). ^{[82] [83]}

Shōchikudō inicialmente no tenía interés en convertirse en un artista del bambú y no estudió formalmente con su padre. Sin embargo, presentó un trabajo que fue aceptado por la Exposición de Artes y Oficios de Tokio cuando tenía catorce años. Posteriormente, trabajó con bambú y después del final de la Segunda Guerra Mundial, el gobierno de la prefectura de Niigata lo contrató para enseñar cestería de bambú. Su trabajo fue admitido en las exposiciones de Nitten , y en 1955 se convirtió en uno de los diecisiete miembros fundadores de la Asociación Japonesa de Artistas del Bambú. Finalmente dejó de producir obras para exposiciones públicas y se centró en el diseño y los pequeños artículos, trabajando, por ejemplo, junto con el diseñador de moda Issey Miyake . ^[82] Baba Shōdō (1925-1996) fue entrenado por él. ^[70]

Su hermano menor , Kōgetsu , estudiante de chanoyu , se hizo famoso por la técnica de "construcción retorcida" ( hineri-gumi ). Participó tanto en la exposición Nitten como en la de Artes y Oficios Tradicionales y recibió premios por sus cestas de flores. ^[83]

Torii Ippō (鳥居一峯) (1930–2011), ^{[84] [85]} nacido en Nishio, Aichi , ^[86] tuvo que continuar con el negocio de bambú de su familia a la edad de 21 años después de que su padre falleciera. En 1959 vio una canasta ceremonial de bambú del siglo VIII d. C. en el Shōsōin de Nara . Inspirado por esta pieza, finalmente presentó obras a las exposiciones de Arte y Artesanía Moderna Japonesa y recibió un Premio de Reconocimiento Especial ( Tokusen ) en el Nitten de 2006. ^{[85] [87] [88]}

Yako Hōdō (八子鳳堂) (n. 1940), originalmente radicado en la prefectura de Niigata, estudió con Nakajima Hoso, Nakamura Yukosai y Baba Shōdō (1925-1996), ^[89] quienes lo alentaron a explorar la escultura contemporánea. ^{[90] [91]} Más tarde se mudó al área de Tokio, ^[92] y realizó composiciones a gran escala por las que ganó reconocimiento. Comenzó a exhibir su trabajo en el Nitten en 1973. ^{[90] [92]}

Nagakura Ken'ichi (長倉健一) (n. 1952) es un artista de la prefectura de Shizuoka . ^[93] Inicialmente estudió técnicas de teñido yūzen , pero pasó al tejido de bambú después de trabajar en la empresa mayorista de bambú de su abuelo. ^[94] Sus cestas orgánicas y escultóricas y sus obras escultóricas abstractas tridimensionales deben su apariencia a una variedad de tradiciones. ^[95] Trabaja como artista independiente y no está asociado con ninguna organización en particular. ^{[96] [97]}

Con un clima cálido del sur ideal para el cultivo del bambú , la isla de Kyūshū es el sitio de más de la mitad de la producción de bambú de Japón. A principios del siglo XX, la ciudad de Beppu en la prefectura de Ōita , famosa por sus aguas termales , se convirtió en un destacado centro de artesanía del bambú; ^{[98] [2]} Las cestas funcionales y las tallas de bambú de la zona se exhibieron ampliamente. El Centro de apoyo a la capacitación técnica y de artesanía del bambú de la prefectura de Ōita, una institución financiada con fondos públicos dedicada a la artesanía del bambú, se estableció en 1938. ^{[1] [99]}

El artista Shōnō Shōunsai (山野祥云斋) (1904–1974) ^[100] atrajo a numerosos discípulos a lo largo de su larga carrera. Sus esculturas abstractas de bambú de los años 1950 y 1960 fueron consideradas revolucionarias. ^[101] En 1967 se convirtió en el primer artista de bambú honrado con el título de "Tesoro Nacional Viviente". Shōnō Tokuzō (生野徳三) (n. 1942), ^{[102] [103]} su hijo y heredero de la tradición familiar, normalmente utiliza bambú lixiviado partido en tiras anchas y combina la construcción paralela con el trenzado para lograr un efecto textural de múltiples capas. ^{[104] [1] [105]}

Iwao Kōunsai (1901-1992) estableció un linaje que incluía a Kadota Nikō (門田二篁) (1907-1994), ^[106] quien aplicó técnicas características de Kyūshū, ^[104] y Honda Shōryū (本田聖流) (n. 1951), ^[107] uno de sus alumnos, que hace esculturas onduladas y complejas con textiles ligeros y calados. ^[108] Kibe Seihō (岐部笙芳) (n. 1951), uno de los estudiantes de Shōryū , prefiere vasijas funcionales y emplea técnicas clásicas de trenzado. ^{[108] [109]} Otros artistas como Uematsu Chikuyū (植松竹邑) (n. 1947) y Shiotsuki Juran (塩月寿藍) (n. 1948) crean esculturas únicas. ^{[1] [110] [111] [112]}

En Japón, en diferentes regiones a lo largo del tiempo, se han desarrollado diversas técnicas de trenzado y tejido de bambú. ^[113] Hay varios patrones de tejido estándar, a partir de los cuales se pueden hacer cientos de combinaciones. ^[114]

• Trenzado a base de crisantemo ( kiku zoko ami (菊底編み) )
• Trenzado circular (incluidas las técnicas conocidas como rinko ami (輪弧編み) , amida ko ami (阿弥陀光編み) y ja no me ami (蛇の目編み) , conocidas colectivamente como maru jinku ami (丸じんく編み) en el oeste de Japón. . Esta técnica a veces se traduce como "trenzado en ojo de buey" ^[114] o "trenzado en ojo de serpiente".
• Trenzado de clemátide ( tessen ami (鉄線編み) , kikko ami (亀甲編み) ), una variación del trenzado hexagonal
• Trenzado de pastillas compuestas ( sashi hishime ami (差し菱目編み) , conocido como yotsume gaeshi (四つ目返し) en el oeste de Japón)
• Trenzado de sarga de diamantes ( masu ajiro ami (枡網代編み) ), conocido como trenzado de sarga floral ( hana ajiro ami (花網代編み) ), cuando se utiliza repetidamente como diseño en un área grande.
• Trenzado de hojas de cáñamo ( asa no ha ami (麻の葉編み) ), conocido como asa ami (麻編み) o uroko ami (鱗編み) en el oeste de Japón
• Trenzado hexagonal ( mutsume ami (六つ目編み) , kagome ami (籠目編み) , también conocido como kikko ami (亀甲編み) en el oeste de Japón)
• Trenzado irregular ( midare ami (乱れ編み) o hyoretsu ami (氷裂編) en el oeste de Japón, también conocido como yatara ami (やたら編み) u ochimatsuba ami (落松葉編み) en Kyushu)
• Trenzado de tapete o trenzado simple ( gozame ami (ござ目編み) , también conocido como nuki ami (ぬき編み) en el oeste de Japón)
• Trenzado octogonal ( yatsume ami (八つ目編み) )
• Trenzado con agujas de pino ( matsuba ami (松葉編み) ), llamado "trenzado con renuncia" ( seikai ami (青海編み) ) cuando se utiliza la misma orientación para cada fila
• Trenzado de chorlito ( chidori ami (千鳥編み) , chidori gake ami (千鳥掛け編み) , ami sugari (編みすがり) )
• Trenzado cuadrado o patrón cruzado ( yotsume ami (四つ目編み) ) ^[114]
• Construcción de mil líneas o trenzado en peine ( sensuji gumi (千筋組) , kushime ami (櫛目編み) ). Técnicamente no se trata de trenzar, sino de alinear elementos paralelos entre sí y luego sujetarlos con cualquiera de los métodos anteriores. También se conoce como "construcción paralela" ( kumi (組) ).
• Trenzado de sarga o trenzado de red ( ajiro ami (網代編み) ) ^[114]
• Hermanamiento ( nawame ami (縄目編み) )

Tanto el bambú como el tejido de bambú en particular son un tema comúnmente representado en muchas formas de arte tradicionales japonesas.

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  El diseño de este plato de porcelana Nabeshima de finales del siglo XVII y principios del XVIII representa flores de cerezo cayendo en cestas de bambú tejidas, flotando a lo largo de un arroyo. ^{[115] [116]}
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  En el kakejiku (rollo colgante) Flores de otoño en una cesta de bambú del artista nanga Yosa Buson (1716-1783), se representa un ramo de flores de otoño en una cesta alta de bambú de estilo chino con un asa redondeada. Las flores representadas son crisantemos ( kiku ), campanillas chinas ( kikyō ) y malvas rosas ( fuyō ), flores otoñales que se supone que representan la estación. Las flores se representan en el estilo sumi-nijimi , o "tinta difusa", creando una textura suave. ^[117]
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  Otro elemento que representa o imita una pieza de bambú tejido es esta jarra de agua para la ceremonia del té mizusashi , de alrededor de 1750-1850 ( periodo Edo ), que tiene la forma de una cesta de bambú. La jarra es de gres, con un engobe de color crema y un esmalte marrón, con la textura del bambú tejido prensado en la jarra. ^[118]

• Tejido de bambú chino
• Tejido de bambú de Taiwán
• Wanchojang en Corea

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• Lista de nombres de artistas, base de datos de cestas de bambú | Universidad Ritsumeikan Archivado el 28 de enero de 2017 en Wayback Machine
• Artículos de bambú de Beppu
• https://www.youtube.com/watch?v=k8KJFYNJ-eY
• https://www.youtube.com/watch?v=bY1LRLsCbOs