Coloración manual de fotografías

Colorear a mano (o colorear a mano ) se refiere a cualquier método de agregar color manualmente a una fotografía monocromática , generalmente para aumentar el realismo de la imagen o con fines artísticos. ^[1] La coloración a mano también se conoce como pintura a mano o sobrepintado.

Por lo general, se aplican acuarelas , óleos , crayones o pasteles y otras pinturas o tintes a la superficie de la imagen utilizando pinceles , dedos, hisopos de algodón o aerógrafos . Las fotografías coloreadas a mano fueron más populares a mediados y fines del siglo XIX, antes de la invención de la fotografía en color y algunas empresas se especializaron en producir fotografías coloreadas a mano.

La fotografía monocromática (en blanco y negro) fue ejemplificada por primera vez por el daguerrotipo en 1839 y luego mejorada por otros métodos, incluidos: calotipo , ambrotipo , ferrotipo , impresión a la albúmina y impresión a la gelatina de plata . La mayoría de la fotografía siguió siendo monocroma hasta mediados del siglo XX, aunque los experimentos estaban produciendo fotografías en color ya en 1855 y algunos procesos fotográficos produjeron imágenes con un color general inherente como el azul de los cianotipos .

En un intento de crear imágenes más realistas, los fotógrafos y artistas coloreaban a mano fotografías monocromas. Los primeros daguerrotipos coloreados a mano se atribuyen al pintor y grabador suizo Johann Baptist Isenring , quien utilizó una mezcla de goma arábiga y pigmentos para colorear los daguerrotipos poco después de su invención en 1839. ^[2] El polvo coloreado se fijaba en la delicada superficie del daguerrotipo mediante la aplicación de calor. Variaciones de esta técnica fueron patentadas en Inglaterra por Richard Beard en 1842 y en Francia por Étienne Lecchi en 1842 y Léotard de Leuze en 1845. Más tarde, la coloración a mano se utilizó con sucesivas innovaciones fotográficas, desde las impresiones en albúmina y gelatina de plata hasta las diapositivas de linterna ^[3] y la fotografía con transparencias .

Los esfuerzos paralelos para producir imágenes fotográficas en color afectaron la popularidad del coloreado a mano. En 1842, Daniel Davis Jr. patentó un método para colorear daguerrotipos mediante galvanoplastia [ ^4] y su trabajo fue refinado por Warren Thompson al año siguiente. Los resultados del trabajo de Davis y Thompson fueron solo parcialmente exitosos en la creación de fotografías en color y el método de galvanoplastia pronto fue abandonado. En 1850, Levi L. Hill anunció su invención de un proceso de daguerrotipo en colores naturales en su Tratado sobre el daguerrotipo ^[5] . Las ventas de daguerrotipos convencionales sin colorear y coloreados a mano cayeron en anticipación de esta nueva tecnología. Sin embargo, Hill retrasó la publicación de los detalles de su proceso durante varios años y sus afirmaciones pronto comenzaron a considerarse fraudulentas. Cuando finalmente publicó su tratado en 1856, el proceso, fuera de buena fe o no, era ciertamente poco práctico y peligroso. ^{[ cita requerida ]}

Con la llegada de las emulsiones fotográficas sobre vidrio surgió la posibilidad de hacer ampliaciones a partir de ellas, pero por falta de una fuente de luz lo suficientemente fuerte como para proyectarlas sobre la emulsión receptora como impresiones sobre papel, lienzo u otros soportes. La cámara solar , que empleaba la luz enfocada del sol, abordó el problema en una reutilización del microscopio solar ^[6] por parte del retratista estadounidense David Acheson Woodward en 1857, ^[7] y otros, antes de ser reemplazada por ampliadoras que empleaban fuentes de luz artificial a partir de la década de 1880. Los retratos de tamaño natural hechos por este medio se coloreaban a mano con crayón o se pintaban con óleo y fueron populares hasta la década de 1910.

La coloración a mano siguió siendo el método más fácil y eficaz para producir imágenes fotográficas a todo color hasta mediados del siglo XX, cuando la empresa estadounidense Kodak introdujo la película en color Kodachrome .

Aunque la coloración manual de fotografías se introdujo en Europa , la técnica ganó considerable popularidad en Japón , donde la práctica se convirtió en una forma de arte respetada y refinada a partir de la década de 1860. Es posible que el fotógrafo Charles Parker y su socio artista William Parke Andrew fueran los primeros en producir tales obras en Japón, pero los primeros en emplear de manera constante la coloración a mano en el país fueron el fotógrafo Felice Beato y su socio, el artista y colorista de The Illustrated London News Charles Wirgman . ^[8] En el estudio de Beato, las refinadas habilidades de los acuarelistas y xilógrafos japoneses se aplicaron con éxito a la fotografía europea, como lo demuestra el volumen de retratos coloreados a mano de Beato, Native Types .

Otro de los primeros fotógrafos japoneses que utilizó la técnica del coloreado a mano fue Yokoyama Matsusaburō . Yokoyama se había formado como pintor y litógrafo además de fotógrafo, y aprovechó su amplio repertorio de habilidades y técnicas para crear lo que llamó shashin abura-e (写真油絵) o "pinturas fotográficas al óleo", en las que se cortaba el soporte de papel de una fotografía y luego se aplicaban pinturas al óleo sobre la emulsión restante. ^[9]

Entre los practicantes posteriores de coloración a mano en Japón se encuentra la firma Stillfried & Andersen , que adquirió el estudio de Beato en 1877 y coloreó a mano muchos de sus negativos además del suyo propio. ^[10] El barón austríaco Raimund von Stillfried und Ratenitz, formó al fotógrafo y colorista japonés Kusakabe Kimbei , y juntos crearon imágenes coloreadas a mano de la vida cotidiana japonesa que fueron muy populares como souvenirs. ^[8] Kusakabe Kimbei , Tamamura Kozaburō , Adolfo Farsari , Uchida Kuichi , Ogawa Kazumasa y otros también produjeron fotografías coloreadas a mano . Muchas fotografías coloreadas a mano de alta calidad continuaron haciéndose en Japón hasta bien entrado el siglo XX.

La llamada edad de oro de la fotografía coloreada a mano en el hemisferio occidental se produjo entre 1900 y 1940. ^[11] La mayor demanda de fotografías de paisajes coloreadas a mano a principios del siglo XX se atribuye al trabajo de Wallace Nutting . Nutting, un ministro de Nueva Inglaterra, se dedicó a la fotografía de paisajes coloreada a mano como pasatiempo hasta 1904, cuando abrió un estudio profesional. Pasó los siguientes 35 años creando fotografías coloreadas a mano y se convirtió en el fotógrafo coloreado a mano con mayores ventas de todos los tiempos. ^[12]

Entre 1915 y 1925, las fotografías coloreadas a mano eran populares entre las clases medias de Estados Unidos, Canadá, Bermudas y Bahamas como regalos de bodas, regalos de despedida de soltera, regalos de vacaciones, regalos de amistad y recuerdos de vacaciones asequibles y elegantes. Con el comienzo de la Gran Depresión en 1929 y la posterior disminución de la cantidad de miembros de la clase media, las ventas de fotografías coloreadas a mano disminuyeron drásticamente. ^[12]

A pesar de su caída en popularidad, los fotógrafos expertos continuaron creando hermosas fotografías coloreadas a mano. Las fotografías coloreadas a mano de Hans Bellmer de sus propias esculturas de muñecas de la década de 1930 brindan un ejemplo de la coloración manual continua de fotografías en Europa durante esta época. ^[13] En Polonia, el Monidło es un ejemplo de fotografías de bodas coloreadas a mano populares.

Otro fotógrafo coloreado a mano, Luis Márquez (1899-1978), fue el fotógrafo oficial y asesor artístico del Pabellón de México en la Feria Mundial de 1939-1940. En 1937, le regaló al gobernador de Texas, James V. Allred, una colección de fotografías coloreadas a mano. La Universidad Nacional Autónoma de México en la Ciudad de México cuenta con un extenso archivo fotográfico de Luis Márquez, al igual que la Universidad de Houston en Texas. ^[14]

En la década de 1950, la disponibilidad de películas en color detuvo la producción de fotografías coloreadas a mano. Sin embargo, el aumento de la popularidad de las antigüedades y los objetos de colección en la década de 1960 aumentó el interés por las fotografías coloreadas a mano. Desde aproximadamente 1970, se ha producido una especie de resurgimiento de la coloración a mano, como se puede ver en el trabajo de artistas fotógrafos como Robin Renee Hix, Elizabeth Lennard, Jan Saudek , Kathy Vargas y Rita Dibert. El uso que Robert Rauschenberg y otros hicieron de medios combinados de fotografía y pintura en su arte representa un precursor de este resurgimiento.

A pesar de la disponibilidad de procesos de color de alta calidad , las fotografías coloreadas a mano (a menudo combinadas con el tono sepia ) siguen siendo populares por razones estéticas y porque los pigmentos utilizados tienen una gran permanencia. En muchos países donde la película en color era escasa o cara, o donde el procesamiento del color no estaba disponible, la coloración a mano continuó utilizándose y, a veces, se prefirió hasta la década de 1980. Más recientemente, se ha utilizado el procesamiento digital de imágenes , especialmente en publicidad, para recrear la apariencia y los efectos de la coloración a mano. La coloración está ahora disponible para el fotógrafo aficionado mediante el uso de software de manipulación de imágenes como Adobe Photoshop o Gimp .

Los tintes básicos se utilizan para colorear fotografías a mano. Los tintes son sustancias de color solubles, ya sean naturales o sintéticas, en una solución acuosa, a diferencia de los pigmentos, que generalmente son sustancias de color insolubles en una suspensión acuosa. Los tintes de anilina , los primeros tintes producidos sintéticamente que se usaron originalmente para teñir textiles, se usaron por primera vez para teñir impresiones a la albúmina y fotografías en transparencias de vidrio en Alemania en la década de 1860. ^[15] Cuando se colorea a mano con tintes , se prefiere una solución débil de tinte en agua, y los colores a menudo se acumulan con lavados repetidos en lugar de aplicarse todos a la vez. El enfoque es teñir la impresión en lugar de pintarla , ya que demasiada pintura oscurecerá los detalles fotográficos. Se utiliza papel secante para controlar la cantidad de tinte en la superficie absorbiendo cualquier exceso.

La pintura de acuarela tiene la virtud de ser más permanente que los tintes, pero es menos transparente y, por lo tanto, es más propensa a oscurecer los detalles. Colorear a mano con acuarelas requiere el uso de un medio para evitar que los colores se sequen con un acabado opaco y sin vida. Antes de poder aplicar la pintura, la superficie de la impresión debe imprimarse para que los colores no sean repelidos. Esto a menudo incluye preparar la impresión con una fina capa de goma laca y luego agregar arena antes de colorear. ^[16] La pintura de acuarela utilizada en la coloración fotográfica a mano consta de cuatro ingredientes: pigmentos (naturales o sintéticos), un aglutinante (tradicionalmente goma arábiga ), aditivos para mejorar la plasticidad (como la glicerina ) y un disolvente para diluir la pintura (es decir, agua ) que se evapora cuando la pintura se seca. La pintura generalmente se aplica a las impresiones con un pincel suave. Las acuarelas a menudo "dejan un borde de color más oscuro en los límites del área pintada". ^[17] Dado que los diferentes pigmentos tienen distintos grados de transparencia, la elección de los colores debe considerarse con cuidado. Se prefieren pigmentos más transparentes, ya que garantizan una mayor visibilidad de la imagen fotográfica.

La pintura al óleo contiene partículas de pigmento aplicadas con un aceite secante , como el aceite de linaza . Las convenciones y técnicas de uso del óleo exigen conocimientos de dibujo y pintura , por lo que se utiliza a menudo en la práctica profesional. Cuando se colorea a mano con óleos, el enfoque es más a menudo utilizar la imagen fotográfica simplemente como base para una imagen pintada. La capacidad de crear retratos al óleo precisos utilizando una base fotográfica se prestaba a delitos artísticos, ya que algunos artistas afirmaban pintar retratos al óleo tradicionales (por un precio más alto) cuando en realidad calcaban una base fotográfica en óleos. Por lo tanto, la elección de los colores del óleo se rige por la transparencia relativa de los pigmentos para permitir la autenticación de la base fotográfica. ^{[ cita requerida ]} Es necesario dimensionar la impresión primero para evitar la absorción de los colores en el papel. En el pasado, las diapositivas fotográficas para linterna solían ser coloreadas por el fabricante, aunque a veces por el usuario, con resultados variables. ^[18] Por lo general, se utilizaban colores al óleo para estas diapositivas, aunque en la era del colodión (desde 1848 hasta finales del siglo XIX) a veces también se utilizaban acuarelas.

El uso de crayones o barras de pastel con pigmentos molidos en varios niveles de saturación también se considera un dominio de colorista altamente especializado, ya que requiere conocimiento de técnicas de dibujo. Al igual que los óleos, los crayones y los pasteles generalmente oscurecen la fotografía original, lo que produce retratos más parecidos a las pinturas tradicionales. La fotocrayotipia , los cromotipos y los colotipos de crayón se usaban para colorear fotografías mediante la aplicación de crayones y pigmentos sobre una impresión fotográfica. ^[19] El carboncillo y los lápices de colores también se usan para colorear fotografías a mano y los términos crayón, pastel, carboncillo y lápiz a menudo se usaban indistintamente por los coloristas.

Las fotografías coloreadas a mano a veces incluyen el uso combinado de tintes, acuarelas, óleos y otros pigmentos para crear distintos efectos en la imagen impresa. Independientemente del medio que se utilice, las principales herramientas para aplicar el color son el pincel y la punta de los dedos. A menudo, el dedo que se utiliza para dar toques se cubre para garantizar que no queden huellas dactilares en la imagen.

En general, la conservación de fotografías coloreadas a mano es similar a la de la fotografía en color y monocroma . Las condiciones óptimas de almacenamiento incluyen un clima ambientalmente controlado con baja humedad relativa (aproximadamente 30-40% HR), temperaturas inferiores a 68 grados Fahrenheit (20 grados Celsius) y una baja concentración de contaminación por partículas , como ácido sulfúrico , ácido nítrico y ozono . ^[21] El área de almacenamiento también debe estar limpia y libre de plagas y moho . Debido a que las fotografías coloreadas a mano, como las fotografías en color, son más sensibles a la luz y la radiación UV, el almacenamiento debe realizarse en un lugar oscuro. El área de almacenamiento debe ser segura y monitoreada para detectar amenazas internas, como cambios de temperatura o humedad debido al mal funcionamiento del sistema de calefacción, ventilación y aire acondicionado , así como amenazas externas, como robo o desastre natural . Se debe crear y mantener un plan de desastre para todos los materiales.

Al manipular fotografías en estuches, como daguerrotipos , impresiones a la albúmina y ferrotipos , especialmente los que han sido coloreados a mano, se requiere precaución. Son frágiles e incluso el mínimo esfuerzo para limpiarlos puede dañar irreparablemente la imagen. Las fotografías en estuches coloreadas a mano deben almacenarse horizontalmente, en una sola capa, preferiblemente boca abajo. Los estuches se pueden envolver con papel de seda alcalino o tamponado. Si la fotografía se ha separado de su estuche, se puede cortar un paspartú y un tablero de soporte de cartón de museo tamponado alcalino. El paspartú se coloca entre la imagen y una placa de vidrio recién cortada mientras que el tablero de soporte sostiene la imagen desde atrás. Luego, este "sándwich" se sella con cinta Filmoplast. No se deben utilizar limpiadores de vidrio comerciales en placas de vidrio nuevas. Los ferrotipos sueltos coloreados a mano se pueden colocar entre los paspartús. Si están doblados, no se debe intentar enderezarlos, ya que esto podría hacer que la emulsión se agriete y/o se levante. ^[22]

Idealmente, todas las impresiones fotográficas deben almacenarse horizontalmente, aunque las impresiones de menos de 11" x 14" y en soportes estables se pueden almacenar de forma segura verticalmente. ^[23] Las impresiones deben almacenarse lejos de fuentes de luz y agua en cajas libres de ácido y lignina fabricadas de acuerdo con las Normas 14523 (reemplazadas en 2007 por ISO 18916) y 10214 de la Organización Internacional de Normalización (ISO). ^[24] Los materiales de almacenamiento deben pasar la Prueba de Actividad Fotográfica (PAT) del Instituto Nacional Estadounidense de Estándares (ANSI ), o normas similares, para garantizar la calidad de archivo. ^[21] Si una fotografía muestra emulsión descascarada o desconchada, no debe almacenarse en un recinto de plástico ya que la electricidad estática podría dañar aún más la imagen. ^[25] Se deben usar guantes de algodón limpios al manipular fotografías para evitar que los aceites y las sales de la piel dañen las superficies.

En algunos casos, puede ser necesario ponerse en contacto con un conservador profesional. En los Estados Unidos, el Instituto Americano para la Conservación de Obras Históricas y Artísticas (AIC) ofrece una herramienta que ayuda a identificar los servicios de conservación locales. En el Reino Unido e Irlanda, el Registro de Conservación ofrece una herramienta similar que busca por especialización, negocio y apellido. Para localizar otros servicios de conservación a nivel internacional, los recursos para profesionales de la conservación de Conservation OnLine (CoOL) ofrecen una herramienta que busca por país.

Los tintes y las acuarelas requieren medidas de conservación similares cuando se aplican a fotografías coloreadas a mano. Al igual que las fotografías mismas, las acuarelas y los tintes aplicados a mano a las fotografías son susceptibles a sufrir daños por la luz y deben almacenarse en un lugar oscuro o exhibirse bajo una luz tenue e indirecta. Los contaminantes particulados comunes pueden hacer que los pigmentos de las acuarelas se desvanezcan, pero la superficie de la pintura se puede limpiar espolvoreando ligeramente con un cepillo suave para eliminar la suciedad. ^[26]

La pintura al óleo se aplicaba a menudo a ferrotipos , daguerrotipos y ambrotipos . ^[17] Como ocurre con todas las fotografías, los materiales reaccionan negativamente a las fuentes de luz directa, que pueden hacer que los pigmentos se desvanezcan y oscurezcan, y a los cambios frecuentes de humedad relativa y temperatura , que pueden hacer que la pintura al óleo se agriete. En el caso de fotografías con daños importantes, puede ser necesaria la experiencia de un conservador de pinturas al óleo para su tratamiento. ^[27]

Las fotografías coloreadas a mano con crayones y pasteles tienen una superficie polvorienta que debe protegerse para su conservación. Históricamente, las fotografías coloreadas con crayones y pasteles se vendían en un marco cubierto con una capa protectora de vidrio, que a menudo reducía la cantidad de manipulación y manchas de la superficie de la fotografía. ^[29] Cualquier trabajo de conservación de fotografías coloreadas con crayones o pasteles debe conservar estos marcos y vidrios originales para mantener la autenticidad y el valor del objeto. Si la fotografía se separa de su envoltorio original, se puede almacenar en una carpeta de calidad de archivo hasta que se enmarque o se guarde en una caja.

En los Estados Unidos, muchas fotografías coloreadas a mano vendidas comercialmente se empaquetaban y enmarcaban para la venta minorista . ^[31] Las fotografías coloreadas a mano de principios del siglo XX a menudo se montaban en un cartón para paspartú , se colocaban detrás de un marco de vidrio y se respaldaban con listones de paneles de madera, cartón o cartón grueso. A menudo se pegaba una hoja de respaldo a la parte posterior del cartón para paspartú. Desafortunadamente, los productos de papel producidos y utilizados durante finales del siglo XIX y principios del XX son altamente ácidos y causarán amarilleamiento, quebradizo y degradación de las fotografías coloreadas a mano. Las inclusiones metálicas en el papel también pueden oxidarse, lo que puede ser la causa de la formación de manchas de zorro en los materiales de papel. Los listones de paneles de madera también emitirán gases que provocarán una mayor degradación de las fotografías.

Un aficionado aventurero puede llevar a cabo una conservación sencilla de estos materiales frágiles. Una fotografía coloreada a mano debe retirarse del marco, conservando los tornillos o clavos originales que sujetan el marco. Los paneles de madera, los listones de cartón ácidos y el papel de soporte ácido pueden retirarse del marco y del paspartú y desecharse, conservando cualquier información de identificación, como sellos o escritura en el papel de soporte. El paspartú sobre el que está montada la fotografía, aunque es ácido por naturaleza, no puede retirarse y reemplazarse debido al valor intrínseco de este montaje original. A menudo, la firma del artista y el título de la fotografía están inscritos en el paspartú. La mejor forma de limitar la degradación es almacenar la fotografía en un ambiente fresco y seco con poca luz. La fotografía coloreada a mano debe volver a colocarse en su marco original, sujetada en su lugar con papel cartón libre de ácido de calidad de archivo y cerrada con los clavos o tornillos originales. ^[32]

La coloración a mano debe distinguirse del tinte , la tonalización , el retoque y el cristóleo .

• Las fotografías tintadas se realizan con papeles de impresión teñidos producidos por fabricantes comerciales. Un solo color general subyace a la imagen y es más evidente en los tonos claros y medios. A partir de la década de 1870, se comercializaron papeles de impresión a la albúmina en rosa pálido o azul, y a partir de la década de 1890, se comercializaron papeles de impresión a la gelatina de plata en malva pálido o rosa. También existían otros tipos de papeles tintados. Con el tiempo, esta coloración suele perderse.
• El término tonalización hace referencia a una variedad de métodos para alterar el color general de la propia imagen fotográfica. ^[33] Se utilizan compuestos de oro, platino u otros metales en combinación con variaciones en el tiempo de revelado, la temperatura y otros factores para producir una gama de tonos, incluidos marrones cálidos, púrpuras, sepias, azules, olivas, marrones rojizos y negros azulados. Un tipo de tonalización muy conocido es el tono sepia . Además de añadir color a una impresión monocromática, la tonalización suele mejorar la estabilidad de la imagen y aumentar el contraste.
• El retoque utiliza muchas de las mismas herramientas y técnicas que el coloreado a mano, pero con la intención de cubrir daños, ocultar rasgos no deseados, acentuar detalles o agregar elementos faltantes en una impresión fotográfica. En un retrato, el retoque se puede utilizar para mejorar la apariencia de un modelo, por ejemplo, eliminando imperfecciones faciales, y en un paisaje con un cielo sobreexpuesto, se pueden pintar nubes en la imagen. Se utilizan acuarelas, tintas, tintes y reductores químicos con herramientas como bisturís , pinceles puntiagudos, aerógrafos y lápices de retoque.
• El proceso crystoleum , de "cristal" + "oleum" (aceite), era otro método para aplicar color a las impresiones de albúmina. ^[34] La impresión se pegaba boca abajo en el interior de una pieza cóncava de vidrio. Una vez que el adhesivo (normalmente pasta de almidón o gelatina ) estaba seco, se frotaba el soporte de papel de la impresión, dejando solo la emulsión transparente sobre el vidrio. Luego, la imagen se coloreaba a mano. Se añadía otro trozo de vidrio en la parte posterior, que también se podía colorear a mano. Ambos trozos de vidrio se unían para crear una imagen detallada, aunque frágil.

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• Lavédrine, B. (2009). Fotografías del pasado: proceso y conservación . Los Ángeles: Getty Conservation Institute.
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• Reilly, JM (2009). Cuidado e identificación de fotografías del siglo XIX . Rochester, NY: Eastman Kodak Co.
• Ruggles, M. (1985). Pinturas sobre una base fotográfica. Journal of the American Institute for Conservation 24(2), pág. 92-103.

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• Colección de Flickr del Museo de Brooklyn
• La colección de Flickr de la casa de George Eastman
• El Museo Field Archivado el 31 de diciembre de 2010 en la colección Flickr de Wayback Machine
• Biblioteca de la Universidad de Nagasaki; fotografías antiguas japonesas del período Bakumatsu-Meiji.
• Colección de Flickr del Museo Nacional de Ciencias y Medios
• Colección de fotografías coloreadas a mano por Luis Márquez en la década de 1930 en la Biblioteca Digital de la Universidad de Houston