Maquina de hojalata (álbum)

Maquina de hojalata
Edición en CD
Álbum de estudio de Maquina de hojalata
Liberado	22 de mayo de 1989 ( 22 de mayo de 1989 )
Grabado	Agosto de 1988 – mediados de 1989
Estudio	Montaña ( Montreux , Suiza) Punto de la brújula ( Nassau , Bahamas )
Género	Roca roca dura arte rock rock ruidoso
Longitud	56:49​​
Etiqueta	EMI América
Productor	Maquina de hojalata Tim Palmer
Cronología de la máquina de hojalata
La máquina de hojalata (1989) La máquina de hojalata II (1991)
Cronología de David Bowie
Nunca me decepciones (1987) La máquina de hojalata (1989) Sonido + visión (1989)
Sencillos de Tin Machine
" Bajo Dios " Fecha de estreno: junio de 1989 " Tin Machine " Fecha de lanzamiento: septiembre de 1989 " Prisionero del amor " Fecha de estreno: Octubre de 1989
Cobertura alternativa
Edición LP

Tin Machine es el álbum de estudio debut de labanda anglo-estadounidense de hard rock Tin Machine , lanzado el 22 de mayo de 1989 a través de EMI America Records . La banda estaba formada por el cantautor inglés David Bowie , el guitarrista estadounidense Reeves Gabrels y los hermanos Tony Fox y Hunt Sales en bajo y batería, respectivamente, mientras que el inglés Kevin Armstrong actuó como guitarrista adicional. El proyecto fue encabezado por Bowie, quien se sintió desconectado en su carrera en 1987 y buscó reinventarse. Después de conocer a Gabrels a través de su Glass Spider Tour , los dos acordaron trabajar juntos y colaborarían con frecuencia durante la siguiente década. Bowie contrató a los hermanos Sales, con los que no había trabajado desde la década de 1970, después de una reunión en Los Ángeles, mientras que el productor inglés Tim Palmer fue contratado para coproducir.

El álbum fue grabado en agosto de 1988 en Mountain Studios en Montreux , Suiza, y más tarde en Compass Point Studios en Nassau , Bahamas en la primavera de 1989. Las sesiones fueron productivas a pesar de los choques de personalidad entre los miembros. Las pistas fueron grabadas en su mayoría en vivo en unas pocas tomas, con Bowie improvisando letras mientras estaba de pie frente al micrófono, lo que resultó en un sonido predominantemente hard rock y letras que discutían problemas mundiales y el amor. Tin Machine se nombró a sí mismos y al álbum en honor a una de las pistas . A diferencia de las bandas de acompañamiento anteriores de Bowie, Tin Machine actuó como una unidad democrática, lo que se reflejó en las entrevistas promocionales.

Tras su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto número tres en la lista de álbumes del Reino Unido , aunque las ventas disminuyeron rápidamente. Fue acompañado por tres sencillos y un video musical de 13 minutos de duración que contenía interpretaciones de las pistas. Al igual que su gira de conciertos de apoyo , Tin Machine recibió críticas mixtas y continúa recibiendo evaluaciones similares de los biógrafos de Bowie, quienes critican principalmente las letras y la falta de melodías. Sin embargo, algunos críticos señalaron que la banda estaba explorando estilos grunge y rock alternativo antes de que esos estilos se volvieran populares. Tin Machine comenzó a grabar un álbum de seguimiento a fines de 1989 antes de que Bowie se embarcara en el Sound+Vision Tour en solitario . Bowie luego volvió a grabar « I Can't Read » durante las sesiones de su álbum de 1997 Earthling .

A finales de 1987, David Bowie se encontraba en un punto bajo en su carrera artística. ^[1] Aunque había cosechado un éxito comercial masivo a lo largo de la década de 1980, comenzando con Let's Dance (1983), más tarde dijo que el éxito del álbum lo llevó a un punto bajo creativo en su carrera que duró los siguientes años. ^{[2] [3]} Después de que sus álbumes posteriores Tonight (1984) y Never Let Me Down (1987) fueran desestimados por la crítica, ^[4] Bowie comenzó a reevaluar dónde se encontraba en su carrera; ^[1] más tarde descartaría este período como sus " años de Phil Collins ". ^[5] La gira Glass Spider había comenzado a desgarrarlo, ya que le resultaba difícil mantener el estilo de vida de estrella de rock de estadio. ^[6] Mientras consideraba retirarse de la música, Bowie decidió que el mejor curso de acción, como lo había hecho una década antes, era rejuvenecerse por completo. ^[1]

Una de las primeras cosas que hizo fue separarse de su colaborador de toda la vida Carlos Alomar , que había actuado como líder de la banda de Bowie. El biógrafo David Buckley llama a su partida el final de la etapa de Bowie como "estrella del pop". ^[6] Hacia finales de 1987, Bowie dirigió algunas sesiones en Los Ángeles , California, con miembros de la banda de acompañamiento de Bryan Adams y el productor Bruce Fairbairn . Las únicas pistas que salieron de las sesiones fueron una demo de "Pretty Pink Rose", una versión temprana de "Lucy Can't Dance" y una versión del éxito de Bob Dylan de 1965 " Like a Rolling Stone ", ^[7] la última de las cuales fue entregada al ex guitarrista de Spiders from Mars de Bowie, Mick Ronson , cuya versión apareció en su álbum póstumo Heaven and Hull (1994). Según el biógrafo Nicholas Pegg , el estilo de Bowie durante las sesiones se acercaba a lo que exploraría para su próximo gran proyecto. ^{[8] [9]}

Hacia el final del Glass Spider Tour en noviembre de 1987, la jefa de prensa estadounidense de la gira, Sarah Gabrels, le dio a Bowie una cinta de demostración que contenía grabaciones de su marido Reeves , a quien Bowie había conocido sin saberlo y con quien se había hecho amigo en el backstage durante la etapa estadounidense; creía que Gabrels era pintor. ^{[11] [8]} Las demos mostraban el sonido de guitarra único de Gabrels, descrito por el biógrafo Marc Spitz como "improvisado y de múltiples notas, pero al mismo tiempo duro y blusero". ^[12] Recordó: "Sucedió muy rápido. David me llamó, fui a Suiza y teníamos esta música para hacer, en un fin de semana". ^[11] El comienzo de la colaboración de Bowie y Gabrels desencadenó un nuevo viaje en la carrera de Bowie. Aunque todavía habría giras y entrevistas en los medios, su objetivo era reducir las expectativas del público oyente en términos de su música. Gabrels afirmó: "Estaba en una encrucijada. O se convertía en Rod Stewart y tocaba en Las Vegas , o seguía su corazón". Le dijo a Bowie: "La única barrera entre hacer lo que quieres y hacer lo que crees que deberías hacer, eres tú mismo ". ^[13]

Uno de los primeros proyectos en los que colaboraron Bowie y Gabrels fue una nueva versión de la canción de Bowie de Lodger de 1979 « Look Back in Anger », que fue creada para una actuación en un teatro de Londres en julio de 1988. ^{[8] [14]} Después, los dos regresaron a Suiza, donde Bowie le presentó a Gabrels la música que estaba escuchando en ese momento. Estos incluían grupos de hard rock como Led Zeppelin , Jimi Hendrix y Buddy Guy , grupos de vanguardia como Sonic Youth y uno de los nuevos favoritos de Bowie, los Pixies . ^[15] A partir de allí, Bowie y Gabrels compusieron demos para un nuevo proyecto, que incluía «Bus Stop», «Baby Universal», «Pretty Pink Rose» y una versión temprana de « Under the God ». ^[8]

Durante una fiesta de lanzamiento de un video de Glass Spider Tour en Los Ángeles, Bowie se encontró con el bajista Tony Fox Sales , ^[15] con quien no había trabajado desde la grabación de Lust for Life de Iggy Pop en 1977. ^[16] Los dos se reencontraron, lo que llevó a Tony a invitar a su hermano, el baterista Hunt Sales , a una sesión de improvisación con él y Bowie. ^[8] Según Gabrels, los hermanos Sales fueron elegidos como la sección rítmica para que no tuvieran "músicos de chequera", queriendo específicamente a ex miembros de una banda. ^[14] Bowie insistió en que los cuatro formaran una banda, con cada miembro aportando el mismo aporte. ^[17] Mientras tanto, la reacción positiva del remix de "Look Back in Anger" llevó a Bowie a contratar al productor Tim Palmer , por recomendación de Billy Duffy de Cult , para su próximo proyecto. Palmer recordó que era un gran fan de Bowie, particularmente "de los álbumes clásicos, pero no tanto del material posterior". ^[14] También disfrutó de los métodos de trabajo de Bowie, incluido el estímulo de las ideas de todas las partes involucradas. Sin embargo, Palmer le dijo a Buckley que cuando firmó para el proyecto, asumió que sería "un disco de David Bowie, no un disco de Tin Machine". ^[14] Spitz afirma de manera similar que Gabrels y los hermanos Sales asumieron que ayudarían a Bowie a crear una continuación de Never Let Me Down en lugar de formar una banda. ^[12]

La grabación para el nuevo proyecto comenzó en Mountain Studios en Montreux , Suiza, en agosto de 1988. ^[16] Bowie y Gabrels pasaron una semana allí, escribiendo canciones como "Baby Can Dance", "Pretty Thing" y "Shopping for Girls", antes de que llegaran los hermanos Sales. ^[8] Palmer recordó que una vez que llegaron, "se desató el infierno". ^[18] Los hermanos tenían personalidades abrasivas y, según el biógrafo Chris O'Leary, "dejaron en claro que no serían acompañantes". ^[8] Gabrels recordó que la primera semana de su llegada fue el equivalente a una " novatada de novatos ": "todo lo que querían hacer era presionarme porque David estaba depositando cierta confianza en mí, y nunca había hecho un disco que hubiera sido lanzado internacionalmente. [Su] actitud era como, 'Bueno, todos sabemos quiénes somos. ¿Quién es este tipo?'" ^[18] Gabrels y Palmer expresaron dudas sobre el proyecto inicialmente. Palmer, en un principio, tenía la intención de hacer "el álbum de Bowie con el mejor sonido de todos los tiempos" y se sintió decepcionado por el cambio de dirección que se tomó. Mientras tanto, Gabrels despreciaba estar en una banda, a la que llamaba "pesadillas", y creía además que las bandas no funcionaban como unidades democráticas. ^{[8] [18]} Gabrels se hartó de las actitudes de los Sales después de la primera semana, y decidió hacer las cosas a su manera sin su aporte. Bowie también recordó un "período extraño en el que nos tanteamos mutuamente" durante la primera semana. ^[16]

Una incorporación a las sesiones fue el guitarrista Kevin Armstrong , que había tocado con Bowie en Live Aid en 1985. ^[16] En el estudio, Hunt Sales colocó su batería en un soporte, que dominaba la sala, dejando a los guitarristas incapaces de escucharse tocar. ^[8] Armstrong recordó: "Es el baterista más ruidoso con el que he trabajado... Casi me quedé sordo en el primer par de días". Mientras tanto, Palmer instaló varios micrófonos en el estudio para capturar un sonido en vivo. ^[19] Las pistas del álbum se grabaron en bruto y en vivo con algunas sobregrabaciones para capturar la energía de la banda. ^{[4] [20]} Los otros miembros de Tin Machine instaron a Bowie a evitar reescribir sus letras: "Estaban allí todo el tiempo diciendo: 'No te acobardes', canta como las escribiste... Me he censurado y con frecuencia me censuro en términos de letras. Digo una cosa y luego pienso: 'Ah, tal vez simplemente lo suavizaré un poco'". ^[21] Explicó: "Queríamos salir de la caja con energía, la energía que sentíamos cuando estábamos escribiendo y tocando. Hay muy, muy poca sobregrabación en [el álbum]. Para nosotros [es] nuestro sonido en vivo". ^[22] Bowie también estaba interesado en improvisar letras mientras estaba frente al micrófono, lo que ya hizo anteriormente en la grabación de "Heroes" (1977). Principalmente cantaba sobre los primeros temas que se le ocurrían. ^[16] Gabrels le dijo a Buckley que Tin Machine se grabó digitalmente, lo que la mayoría de la gente en ese momento pensó que no se podría haber hecho para el sonido que estaban tocando. ^[18]

La primera canción que Tin Machine grabó fue " Heaven's in Here ", que escribieron desde cero y grabaron en sus primeras 30 horas juntos. ^[23] A esto le siguió una versión de la canción de Roxy Music de 1972 " If There Is Something ". Bowie declaró: "Estábamos tan agotados que no teníamos fuerzas para escribir otra canción, así que usamos una canción antigua para mostrar cómo nosotros, como banda, abordaríamos el material de otra persona"; la canción quedaría fuera del álbum y se colocaría en el siguiente de la banda . ^[8] La grabación progresó rápidamente, y Tin Machine a veces grababa una canción al día. Gabrels explicó: "Grabamos las canciones, las sobregrabamos y, a veces, incluso las mezclamos en el mismo día". ^[17] Después de una pausa en la grabación, las sesiones se trasladaron en la primavera de 1989 a Compass Point Studios en Nassau , Bahamas , ^{[8] [16] [24]} que Palmer recordó como un entorno completamente diferente a Suiza. ^[18] Allí, Bowie residió en la casa de Robert Palmer en la playa. El hijo de John Lennon, Sean, visitó a la banda durante este tiempo; este encuentro los inspiró a hacer una versión de la canción de su padre de 1970 " Working Class Hero ". También estuvo presente en las Bahamas la nueva novia de Bowie, Melissa Hurley, quien fue una de sus bailarinas de apoyo durante el Glass Spider Tour. ^[25] La banda se sorprendió por el uso generalizado de drogas en Nasáu, lo que en parte inspiró "Crack City". ^[26] Bowie también afirmó que su propio pasado adicto a la cocaína a mediados de la década de 1970 sirvió como inspiración para la canción. ^[27] Tin Machine grabó la canción y " I Can't Read " la misma noche. ^[8]

En total, la banda grabó 35 canciones en solo seis semanas y todas las canciones fueron un esfuerzo grupal. ^{[22] [26] [28]} En 2017, Gabrels dijo que el álbum "podría haber sido un álbum doble" dada la cantidad de material grabado pero no lanzado por ellos durante este período. ^[29] Armstrong le dijo al biógrafo Paul Trynka: "Pensé que algunos de los mejores trabajos no llegaron al primer disco. Creo que David estaba tratando deliberadamente de buscar un sonido jodido: si era demasiado seguro o educado, lo descartaría". ^[30] Según Gabrels, había algunas opciones para posibles nombres de banda. La banda finalmente se decidió por Tin Machine tanto para el álbum como para el nombre de la banda, después de una de las pistas . Bowie recordó un sentimiento de indiferencia: "Realmente no estábamos interesados ​​​​en qué tipo de nombre de banda teníamos, así que fue casi arbitrario: ah, elijamos un título de canción". A los hermanos Sales les gustó Tin Machine porque sentían que recordaba a los Monkees , "¡tener tu propia canción temática!" La sugerencia de Gabrels para el título fue The Emperor's New Clothes , aunque luego admitió que "era un poco demasiado como prepararte para el futuro; darle munición a tus críticos". ^{[16] [18]}

Bowie disfrutó haciendo Tin Machine y dijo: "Estoy tan entusiasmado con esto que quiero empezar a grabar el próximo álbum mañana". Cuando la banda terminó el álbum, Bowie estaba seguro de que continuarían. Dijo: "Habrá otros dos álbumes al menos. Oh, sí, esto durará un tiempo. Mientras todos disfrutamos tanto tocando juntos, ¿por qué no?" ^[21]

Los críticos han categorizado a Tin Machine como rock , ^[10] hard rock, ^[32] art rock y noise rock . ^{[33] [28]} Los biógrafos también han identificado elementos de blues rock en "Heaven's in Here", ^[34] post-punk y new wave en "Bus Stop" y rock alternativo en "Run"; ^{[10] El propio Bowie describió "Heaven's in Here" como "} R&B deconstruccionista ". ^[8] Estilísticamente, Bowie sintió que Tin Machine era una continuación de Scary Monsters (1980): "Es casi despectivo de los últimos tres álbumes que he hecho. Volviendo al rumbo, se podría decir". ^{[21] Mark Allender de} AllMusic describió la música como "rock de guitarra de bordes duros" que contiene "inteligencia" de la que carecían otros álbumes del género en ese momento. ^[35] Ted Asregadoo de Ultimate Classic Rock también lo consideró "más áspero" que otras bandas de rock de la época. ^[36] El autor James Perone llama a la música "rock de guitarra ruidosa, con un toque sonoro" que contiene letras maliciosas. ^[10] Tony Fox Sales describió el enfoque de la banda hacia la música que crearon diciendo:

Estábamos tan hartos de encender la radio y oír música disco y de baile y cajas de ritmos ; todas esas cosas, que creo que en el negocio llaman "basura". Estábamos pensando en hacer un proyecto que pusiera fin al rock 'n' roll. ^[28]

Jon Pareles de The New York Times afirmó que, líricamente, Tin Machine "yuxtapone canciones de amor con diatribas sobre las crisis actuales". ^[37] Señaló que, con las excepciones de "Pretty Thing" y "Sacrifice Yourself", la mayoría de las canciones de amor "se acercan a los clichés románticos". ^{[37] Además, Perone afirma que las "} imágenes apocalípticas " de la canción principal establecen el tema general del "fin del mundo" que "impregna" el álbum. ^[10] Pegg considera que la negativa de la banda a permitir que Bowie reescribiera las letras da como resultado palabras que en su mayoría están "a medias". ^[38] Algunas canciones cubren temas delicados, incluido el neonazismo y las drogas en "Under the God" y "Crack City", respectivamente. ^{[38] [10]} Otras, incluidas "I Can't Read" y "Video Crime", discuten los efectos de la televisión en la alfabetización y los tabloides , respectivamente. ^[37] Mientras tanto, O'Leary señala que Bowie recuerda su tema inédito " Shadow Man " en "Baby Can Dance". ^[8] Gabrels luego describiría las canciones como Tin Machine "gritándole al mundo". ^[39]

La portada de Tin Machine muestra a los cuatro miembros de la banda con trajes oscuros, lo que Spitz describe como que les daba un aspecto de "una pandilla de banqueros pulcros". Bowie se dejó crecer una perilla durante esta época (la primera en su carrera), lo que según Spitz polarizó al público. ^[40] Al promocionar el álbum, Bowie dejó en claro a los entrevistadores que la banda era una unidad democrática, y Pegg lo describió como la mentalidad de "cualquiera que quisiera entrevistar a David también conseguiría al resto de la banda". Los críticos descartarían esta maniobra como un truco publicitario de un artista que no estaba seguro de lo que quería hacer a continuación. Bowie comentó en 1999: "Creo que el contexto molestó y enfureció, y realmente les dio a los críticos la excusa que necesitaban para humillar a alguien, que es lo que realmente buscan más que cualquier otra cosa". ^{[41] [42] [43]}

Al enterarse de Tin Machine y del álbum, el sello de Bowie, EMI America Records, quedó perplejo. Tim Palmer le dijo a Buckley que el sello estaba ansioso por otro éxito de ventas de Let's Dance y confundido con respecto a la nueva dirección de Bowie. ^[43] El sello no estaba seguro de cómo comercializar el álbum, por lo que colocaron pegatinas en la portada informando a los compradores potenciales que era el nuevo proyecto de Bowie. ^{[8] [44]} Sin embargo, EMI America lanzó Tin Machine el 22  de mayo de 1989, ^{[8] [36]} lanzando diferentes formatos de LP y CD , con los números de catálogo MTLS 1044 y CDP 7919902, respectivamente. ^{[17] [45]} En el momento del lanzamiento, el álbum se vendió bien inicialmente, alcanzando el número tres en la lista de álbumes del Reino Unido , ^[46] tres lugares más alto que Never Let Me Down y el número 28 en la lista Billboard Top Pop Albums de EE. UU . ^[47] También alcanzó el top-ten en Noruega y Suecia, ^[48] aunque las ventas disminuyeron rápidamente. ^[41] Según Dave Thompson , pasó un total de nueve semanas en la lista del Reino Unido. ^[31] Se estimó que las ventas a corto plazo de Tin Machine fueron de entre 200.000 y 1.000.000 de copias en unos pocos años. ^{[49] [50]}

Tin Machine fue acompañado por el lanzamiento de tres sencillos . El primero, "Under the God" respaldado por "Sacrifice Yourself", fue lanzado en junio de 1989 y alcanzó el puesto número 51 en el Reino Unido. ^[51] También disfrutó de una gran difusión en MTV y estaciones de radio estadounidenses. ^{[50] [40]} El segundo, la canción principal respaldada por una versión en vivo de " Maggie's Farm " de Dylan, fue lanzado en septiembre de 1989 y alcanzó el puesto número 48 en el Reino Unido. El tercer y último sencillo, una edición de " Prisoner of Love " respaldada por una versión en vivo de "Baby Can Dance", fue lanzado el mes siguiente y no llegó a las listas. ^[51]

Tin Machine acompañó el lanzamiento del álbum con un video musical de 13 minutos de duración que incluía clips de canciones en estilo performance, cada uno de los cuales se enlazaba con el siguiente, comenzando con «Pretty Thing» y terminando con «Under the God». El video fue filmado en The Ritz en la ciudad de Nueva York y dirigido por Julien Temple , quien había trabajado previamente con Bowie en videos y lanzamientos como Jazzin' for Blue Jean (1984), « Absolute Beginners » (1986) y « Day-In Day-Out » (1987). La película rara vez se proyectó en televisión en ese momento, aunque según Pegg se distribuyó como un largometraje secundario en algunos cines del Reino Unido. En 1999, Bowie nombró al video su favorito de todos los tiempos de todos sus videos musicales. EMI planeó un lanzamiento comercial oficial para el video en 2007, aunque esto fue descartado debido a la política de iTunes de limitar los videos a 10 minutos de duración. En cambio, el sello lanzó clips parciales de la canción principal y "Under the God" y los clips completos de "Heaven's in Here" y "Prisoner of Love". ^[52] El video completo de 13 minutos se lanzó más tarde en 2019 para celebrar su 30 aniversario. ^[53]

La banda tocó un concierto en vivo no anunciado en Nasáu mientras grababan Tin Machine , antes de hacer una aparición en vivo en el International Rock Awards Show el 31  de mayo de 1989. ^{[21] [54]} Dos semanas después, se embarcaron en su gira Tin Machine Tour de 12 shows , que finalizó a principios de julio. La lista de canciones consistió solo en canciones de Tin Machine , temas nuevos y versiones de los años 60. ^[55] Los shows fueron recibidos con críticas mixtas; ^[55] el crítico Alastair McKay escribió en el Herald Scotland : "A pesar de toda su experiencia, la banda es mala cronometrando, y la voz de Bowie está en el mar con la noción misma de agresión a alto volumen. ... [E]l sonriente Bowie prometió que su grupo volvería a repetir la experiencia en el nuevo año. Esto planteó solo una pregunta: ¿Por qué?" ^[56] Gabrels insistió más tarde en que debido a los hermanos Sales, la banda improvisó "un tercio de cada show". ^[31] Una presentación el 25  de junio en París fue lanzada para descarga digital y transmisión en agosto de 2019, para coincidir con el 30 aniversario de Tin Machine . El lanzamiento, llamado Live at La Cigale, Paris, 25th June, 1989 , fue masterizado por Palmer. ^[57] Al concluir la gira, Tin Machine se tomó un descanso antes de volver a reunirse en Australia a fines de 1989 para comenzar a grabar su próximo álbum. Mientras estaban allí, realizaron un concierto único en Sídney el 4 de noviembre. Las sesiones de Tin Machine II (1991) continuaron hasta enero de 1990 antes de suspenderse, cuando Bowie anunció su nuevo Sound+Vision Tour en solitario . ^[55]

Calificaciones profesionales

Revisar puntuaciones
Fuente	Clasificación
Toda la música	[35]
Roberto Christgau	B− [58]
Espejo de grabación	[59]
Piedra rodante	[60]
Guía de discos alternativos de Spin	1/10 [61]

Tin Machine recibió críticas generalmente mixtas de los críticos musicales en su lanzamiento. ^{[62] [38]} Trynka afirma que, si bien muchos lo recibieron como el disco más desafiante de Bowie desde Station to Station (1976) y Low (1977), el álbum rápidamente sería criticado como "pomposo, dogmático y aburrido". ^[24] Algunos lo señalaron como el trabajo más agresivo de Bowie desde Scary Monsters de 1980 , ^{[4] [41]} con un crítico de la revista Q llamándolo "el esfuerzo más ruidoso, más duro y más pesado de toda su carrera" y "una experiencia que no es muy diferente a permitir que tu cabeza sea utilizada como un saco de boxeo". ^[41] David Fricke de Rolling Stone elogió el enfoque "cínico, indignado y ácido" del álbum a la música como un "festín demasiado bienvenido de extravagancia de guitarra agresiva y control corporal del bombo", señalando que a veces suena como si Sonic Youth se encontrara con Station to Station . ^[60] Una reseña de McClatchy Company calificó a Tin Machine como "una máquina de rock 'n' roll ágil y eficiente", que mostraba cómo "Bowie ha vuelto". ^[4] Don Waller del Los Angeles Times le dio al álbum una reseña positiva, calificando las 12 pistas de la edición en LP de "sólidas" y dando la bienvenida a "un par" como "adiciones clásicas" al catálogo de Bowie. ^[63] Por otro lado, Pareles sintió que la mayoría de las canciones "parece poco probable que resistan con el tiempo" contra el mejor trabajo de Bowie. ^[64]

Joe Levy de la revista Spin llamó al álbum "rock noise sin el ruido. Agresivo, directo, brutal y elegantemente simple, combina la energía del rock de vanguardia con el ritmo del R&B tradicional", ^[28] resumiendo el álbum llamándolo "diversión incendiaria" y señalando que "los boyantes hermanos Sales y Gabrels ciertamente igualan y con frecuencia superan a Bowie". ^[20] El crítico musical Jon Savage no entendió lo que la banda buscaba, describiendo la música como teniendo "un lado feo y machista". ^[40] En Record Mirror , Steve Masters dijo que la música "avanza mecánicamente en una especie de molde de metal blando" y el álbum en sí termina siendo "un viaje polvoriento por la calle de la autocomplacencia". ^[59] Cuando se le preguntó en una entrevista cuál sería la principal crítica a Tin Machine , Bowie admitió que el álbum podría ser "no accesible" para los fanáticos: "Supongo que no es tan obviamente melódico como uno pensaría que probablemente sería [para un álbum de Bowie]". ^[21] Spitz afirma que Bowie creía que su público no estaría preparado para el sonido al que quería llegar si lo hubiera lanzado bajo su propio nombre. ^[65] Tin Machine apareció en la lista de fin de año de 1989 de la revista Q ; ^[66] la misma revista colocaría al álbum en una lista de "Cincuenta álbumes que nunca deberían haberse hecho" solo siete años después. ^[41] Mientras tanto, en una encuesta de 1998 realizada por Melody Maker que recopilaba los 20 peores álbumes de todos los tiempos, elegidos por numerosos DJ y periodistas, Tin Machine fue votado como el número 17. ^[67]

Algunos críticos señalaron que la banda exploró elementos del grunge y el rock alternativo antes de que esos estilos se volvieran populares; ^{[10] [35] [38]} Palmer y Asregadoo consideraron que el sonido del disco era " proto-grunge ". ^{[34] [36]} Allender y Asregadoo argumentaron que el álbum se adelantó a su tiempo y que si el lanzamiento hubiera sido cinco o seis años después, habría obtenido más reconocimiento. ^{[35] [36]}

Los biógrafos de Bowie han dado al álbum evaluaciones mixtas en general. Aunque Perone siente que fue un buen álbum debut que encontró "algo del estilo de los años 70 regresando a la música y letras de Bowie", critica las letras en general y cree que se perdió el encanto especial de los trabajos solistas anteriores de Bowie. ^[10] Pegg afirma: "Como un álbum en sí mismo, Tin Machine [sigue siendo] una de las experiencias de escucha menos satisfactorias en el legado grabado de Bowie", ^[38] un sentimiento compartido por Trynka, quien lo llama un álbum que es "difícil de amar", lo que señala que puede haber sido la intención inicial de Bowie. ^[24] Buckley critica principalmente la falta de melodías o coros pegadizos, un sentimiento compartido por el colaborador anterior de Bowie, Adrian Belew . ^[47] Sin embargo, algunos críticos han elogiado ciertas pistas, incluida "I Can't Read", ^{[35] [24] [68] [10]} que el propio Bowie consideró la mejor canción del disco. ^[8] Bowie volvió a grabar la canción durante las sesiones de su álbum de 1997 Earthling , que apareció en la película de 1998 The Ice Storm y más tarde en el EP de 2020 Is It Any Wonder?. [ ^{68] [69]}

Las ediciones en CD y casete del álbum contienen las pistas "Run" y "Sacrifice Yourself", que fueron excluidas del lanzamiento del LP. ^{[21] [60]} Todos los lanzamientos desde entonces siguen la secuencia anterior.

Según las notas del álbum y el biógrafo Nicholas Pegg . ^{[1] [70]}

Músicos

• David Bowie – voz principal, guitarra rítmica
• Reeves Gabrels – guitarra principal
• Tony Fox Sales – bajo, coros
• Hunt Sales – batería, coros
• Kevin Armstrong – guitarra rítmica, órgano Hammond (B-3) ("Pretty Thing")

Producción

• Maquina de hojalata – fabricante
• Tim Palmer – productor, mezcla
• Justin Shirley-Smith – ingeniero
• David Richards – ingeniería adicional
• Roger Gorman (Reiner Design): dirección artística y diseño
• Masayoshi Sukita – fotografía

• Tin Machine – Recopilatorio de nueve canciones (vídeo oficial) en YouTube
• Tin Machine en Discogs (lista de lanzamientos)