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Un dibujante a lápiz (o dibujante de lápiz ) es un artista que trabaja en la creación de cómics , novelas gráficas y formas de arte visual similares, con un enfoque en las ilustraciones iniciales a lápiz, generalmente en colaboración con otros artistas, quienes proporcionan tintas, colores y letras en el libro, bajo la supervisión de un editor.

En la industria del cómic estadounidense , el dibujante es el primer paso en la plasmación visual de la historia ^[1] y puede requerir varios pasos de retroalimentación con el escritor. Estos artistas se ocupan del diseño (posiciones y perspectivas en las escenas) para mostrar los pasos de la trama.

Un dibujante trabaja con lápiz . Sin embargo, más allá de esta descripción básica, diferentes artistas eligen utilizar una amplia variedad de herramientas diferentes. Mientras que muchos artistas utilizan lápices de madera tradicionales, otros prefieren portaminas o minas de dibujo. Los dibujantes pueden utilizar cualquier dureza de mina que deseen, aunque muchos artistas utilizan una mina más dura (como una 2H ) para hacer líneas claras para los bocetos iniciales, y luego pasan a una mina ligeramente más blanda (como una HB ) para las fases finales del dibujo. Otros artistas hacen sus diseños iniciales utilizando un lápiz de color azul claro porque ese color tiende a desaparecer durante el fotocopiado .

La mayoría de las páginas de cómics estadounidenses están dibujadas en hojas de papel de gran tamaño, generalmente cartulina Bristol . ^[2] El tamaño habitual de las páginas de cómics en la industria del cómic estadounidense convencional es de 11 por 17 pulgadas. El entintador generalmente trabaja directamente sobre las marcas de lápiz del dibujante, aunque ocasionalmente las páginas se entintan en papel translúcido , como papel vitela para dibujo , conservando los lápices originales. La obra de arte se reduce posteriormente fotográficamente en tamaño durante el proceso de impresión. Con la llegada de programas de ilustración digital como Photoshop , cada vez se producen más obras de arte digitalmente, ya sea en parte o en su totalidad (ver a continuación).

Desde 1949 hasta su jubilación, Jack Kirby trabajó en un estudio de tres metros de ancho en un sótano al que su familia llamaba "La Mazmorra". Cuando empezaba con un trozo limpio de cartulina, primero dibujaba las líneas de los paneles con una escuadra . ^[3]

Arthur Adams comienza a dibujar bocetos a partir del guion que le dan, ya sea en su casa o en un lugar público. Los bocetos varían en tamaño desde 2 pulgadas x 3 pulgadas hasta la mitad del tamaño del cómic impreso. Luego, él o un asistente agrandan los bocetos y los trazan sobre una tabla de ilustración con un lápiz azul no fotográfico , a veces usando un lápiz azul claro Prismacolor , porque no es demasiado ceroso y se borra fácilmente. Cuando trabaja en el tablero de ilustración final, lo hace en una gran tabla de dibujo cuando está en su estudio del sótano y en una pizarra cuando está sentado en el sofá de su sala de estar. Después de trazar los bocetos, aclara los detalles con otro lápiz azul claro y finaliza los detalles con un lápiz número 2. Dibujó los primeros tres capítulos de " Jonni Future " al doble del tamaño del cómic impreso, y también dibujó el quinto capítulo, "El jardín de Sklin", en un tamaño más grande que el estándar, para representar más detalles de lo habitual en esas historias. En el caso de una imagen de gran tamaño con una multitud de personajes, repasa los contornos de las figuras con un rotulador para enfatizarlas. Utiliza referencias fotográficas cuando es apropiado, como cuando dibuja cosas a las que no está acostumbrado. ^{[4] [5]} Como una parte importante de sus ingresos proviene de la venta de sus obras de arte originales, se muestra reacio a aprender a producir su trabajo digitalmente. ^[6]

Se sabe que Jim Lee usa mina F para sus trabajos con lápiz. ^{[7] [8]}

J. Scott Campbell hace su lápiz con un portaminas y mina H de Sanford Turquoise , que utiliza por su suavidad y oscuridad, y por su capacidad de proporcionar una sensación de "boceto", con una cantidad mínima de manchas de mina en polvo. Utiliza esta mina porque logra un equilibrio entre demasiado dura, y por lo tanto no lo suficientemente oscura en la página, y demasiado blanda, y por lo tanto propensa a mancharse y desmoronarse. Campbell evita a su competidor más cercano porque lo encuentra demasiado ceroso. Campbell también ha utilizado mina HB y mina F. Mantiene la nitidez de la mina con un sacapuntas Berol Turquoise, cambiándolos cada cuatro a seis meses, que es lo que considera que dura su capacidad de afilado. ^[9] Campbell utiliza una combinación de borradores Magic Rub, borradores en barra y, desde que comenzó a entintar su trabajo digitalmente, un borrador eléctrico Sakura . A menudo afila el borrador hasta un borde con esquinas para reproducir un trabajo fino y detallado. ^[10]

Travis Charest utiliza principalmente plomo 2H para evitar manchas, y a veces plomo HB . Anteriormente ilustraba en cartón de ilustración normal proporcionado por editoriales, aunque no le gustaban las líneas azules no fotográficas impresas en ellos. En 2000, cambió al cartón Crescent para todo su trabajo, porque no se deforma cuando está mojado, produce ilustraciones más nítidas y son más adecuados para enmarcar porque carecen de las líneas azules no fotográficas. ^[11] Charest generalmente prefiere no emplear prácticas de bocetos preliminares, como diseños, miniaturas o cajas de luz , en parte debido a la impaciencia y en parte porque disfruta de la naturaleza fortuita en la que se desarrolla la obra de arte cuando se produce con mayor espontaneidad. ^[12] También prefiere usar referencias únicamente cuando representa objetos que requieren un grado de precisión real, como armas, vehículos o personajes de propiedades con licencia que deben parecerse a actores con los que están estrechamente identificados, como cuando ilustró la portada de Star Trek: The Next Generation: Embrace the Wolf en 2000. ^[13]

El proceso de dibujo a lápiz que emplea el artista Adam Hughes para sus portadas es el mismo que utiliza cuando hace bocetos para fans en convenciones, con la principal diferencia de que él hace las portadas en su cuaderno de bocetos, antes de transferir el dibujo a una cartulina virgen con una caja de luz, ^[14] mientras que hace dibujos para convenciones en cartulina Strathmore Bristol de 11 x 14, ya que prefiere dibujar a lápiz sobre una superficie más áspera, de pergamino , en lugar de papel liso, y prefiere el papel más liso solo para entintar con pincel. ^[15] Hace bocetos preliminares con un portaminas , ^[16] porque siente que los lápices normales se desgastan hasta el final demasiado rápido. Como explicó durante una demostración de bocetos en una convención de cómics, durante este proceso utiliza una mina Sanford Turquoise 4B , una mina blanda, aunque cuando trabaja en su casa en Atlanta, donde el clima húmedo tiende a humedecer el papel, a veces utiliza una mina B o mina 2B , que actúa como una 4B en ese entorno. ^[15] Sin embargo, su sitio web explica que utiliza minas de 6B, con algunas variaciones. Para las piezas realizadas completamente a lápiz, emplea una variedad de minas de lápiz de distintos grados de dureza. ^[17] Después de oscurecer las líneas de construcción que desea mantener, borra las más claras con un borrador amasado antes de realizar mayores detalles. ^[16] Para borrados más detallados, utiliza un borrador blanco con forma de lápiz , y para borrar áreas grandes, utiliza un borrador blanco más grande y de mano, el Staedtler Mars de plástico, al que llama "borrador termonuclear", porque "se encarga de todo". ^[15]

El artista y ex editor jefe de Marvel Comics, Joe Quesada, comienza con bocetos mucho más pequeños que el tamaño real en el que reproducirá el dibujo final. Emplea una tableta de dibujo Cintiq cuando desea hacer un diseño digital "más ajustado" de una ilustración. Cuando esboza figuras, a veces utiliza referencias fotográficas e incorpora las fotos directamente en sus bocetos durante el proceso de finalización de un diseño. Una vez que toma una decisión final sobre un diseño, lo imprime a tamaño completo y utiliza una caja de luz para dibujarlo, a veces alterando elementos del diseño como la iluminación u otros detalles. ^{[18] [19]}

Bryan Hitch comienza con varios bocetos preliminares empleando diferentes ángulos de cámara sobre papel con un lápiz azul, que tradicionalmente no se fotocopia ni escanea, y luego selecciona los elementos deseados del boceto preliminar con un lápiz de grafito. Después de elegir las formas iniciales, enfatizará aún más sus selecciones con bolígrafos de colores, y seguirá probando diferentes variaciones. Luego, dependiendo de qué tan tarde sea en el día, volverá a dibujar la ilustración en una hoja de papel de maquetación o usará su mesa de luz para ajustar y limpiar el dibujo, enfatizando que la mesa de luz no debe ser un mero ejercicio de calco, sino una oportunidad para refinar o cambiar elementos en el dibujo para que esté lo suficientemente "limpio" como para ser entintado. ^[20]

Cuando Hitch transfiere el dibujo a la mesa de trabajo final, hace los diseños iniciales con un lápiz 2H, que cree que proporciona la precisión y el detalle necesarios, y utiliza un lápiz azul borrable para marcar los marcos de los paneles y los puntos de fuga , que introduce después de la etapa preliminar. Elige no dedicar demasiado tiempo ni pulir en esta etapa, prefiriendo trabajar de manera rápida, ligera e instintiva. Utiliza un portaminas con mina 2H de 0,9 mm en esta etapa para contornos finos y trabajo de detalle, y un lápiz tradicional para trabajos más orgánicos, incluyendo líneas más suaves, sombreando áreas grandes y creando un movimiento más fluido. La "mejor herramienta de todas", según él, es un lápiz tradicional cortado con un cutter , que dice que puede producir una variedad de marcas y usarse para detalles, sombreado y bocetos generales. Hitch cree que los mejores resultados combinan tanto el lápiz mecánico como el lápiz tradicional afilado con cuchillo. ^[20]

Hitch es muy particular en lo que respecta a su espacio de trabajo en el estudio, que no tiene ni televisión ni sofá, y afirma que esas cosas pertenecen al salón para relajarse. A pesar de utilizar una mesa de dibujo profesional, enfatiza que cualquier tablero económico lo suficientemente grande como para contener el papel es suficiente, ya que generalmente utiliza un trozo de cartón aglomerado cortado toscamente apoyado en el borde de su escritorio. Utiliza una computadora de escritorio Apple iMac , un escáner de superficie plana y Photoshop para modificar sus obras de arte digitalmente. ^[20]

A diferencia del entorno de trabajo de Hitch, el artista Simone Bianchi dice que no puede trabajar a menos que esté escuchando música, lo que hace a través de altavoces estéreo colocados sobre su mesa de dibujo y una extensa colección de música en su estudio. Bianchi utiliza una amplia referencia fotográfica y una caja de luz para dar a sus obras de arte un aspecto realista. Utiliza una tabla de dibujo de madera que solía utilizar para dibujar en posición horizontal, pero la inclinó debido al dolor de espalda que comenzó a tener en 2006. ^[21]

Otro artista que escucha música mientras trabaja es Marc Silvestri , quien dice que escucha música tranquila y de ritmo lento mientras trabaja, en contraste con el rock alternativo que escucha en otros momentos. ^[22]

En la página Biografía y bibliografía de su sitio web, Erik Larsen explica que utiliza un lápiz Staedtler Mars Lumograph 100 2H y un borrador de plástico Staedtler Mars. ^[23] Sin embargo, en la página de Preguntas frecuentes del sitio, afirma que utiliza un lápiz Dixon Ticonderoga #2 estándar con mina HB, y explica: "Es blando como el infierno, pero no me hace ir más lento como lo haría un lápiz más duro". ^[24]

Mientras lee cada página de un guión, la artista Amanda Conner hace pequeños bocetos en miniatura con monigotes que corresponden a la historia indicada en cada página, para ayudarla a diseñar el diseño de la página. Luego hace bocetos más ajustados y elaborados, aunque todavía bastante pequeños en comparación con la obra de arte final, ^[25] aproximadamente 4 pulgadas × 6 pulgadas (100 mm × 150 mm), ^[26] y luego los amplía en una fotocopiadora al tamaño adecuado del cómic original, que es de 10 pulgadas x 15 pulgadas. Luego usa "lápices muy ajustados" para enmarcarlos sobre cartulina Bristol , si tiene la intención de que lo entinte su esposo y colaborador, Jimmy Palmiotti, pero hará los lápices "más claros y sueltos" si tiene la intención de entintarlo ella misma, ya que ya sabe cómo quiere que se muestre la obra de arte. ^[25] Conner ha creado su propio tipo de papel y formato de línea azul en su papel de dibujo, porque, explica, le gusta tener esas configuraciones preimpresas en la página y siente que "a veces lo rugoso es demasiado rugoso y lo suave es demasiado resbaladizo". El tipo de papel que utiliza es el Strathmore serie 500 de 10 pulgadas × 15 pulgadas (250 mm × 380 mm), pero también encarga un tipo de papel personalizado de 8 pulgadas × 12 pulgadas (200 mm × 300 mm) porque a veces encuentra esas dimensiones más cómodas y más fáciles de trabajar más rápidamente. También encuentra que la serie Strathmore 300 es "bastante buena" y le gusta su agradable textura y su mayor asequibilidad, pero dice que a veces debe conformarse con recibir un "lote sangrante". Conner utiliza portaminas con mina de 0,03 porque le resulta más fácil de usar que los lápices normales que requieren que se detenga y los afile con frecuencia. ^[26]

Una vez que el artista Gene Ha obtiene un guión, hace bocetos "pequeños" de cada página y luego hace bocetos de diseño en copias reducidas de cartulina para cómic, dos por página. Es en esta etapa cuando calcula el equilibrio de luz/oscuridad de la página. Aunque dice que aproximadamente el 90% de sus ilustraciones se hacen sin referencia fotográfica, a veces fotografía a sus amigos posando como los personajes principales o usa un espejo de cuerpo entero para dibujarse a sí mismo. Representa personajes secundarios a partir de su imaginación. Independientemente de la cantidad de luz solar que tenga en un día determinado, prefiere usar una lámpara fotográfica incandescente de 500 W, aunque cree que una lámpara halógena de 500 W también es adecuada. Prefiere usar un portaminas con mina H para esbozar y mina 2B para sombrear, que afila con un puntero giratorio, creyendo que estas minas se pueden afilar mejor que un lápiz tradicional. Amplía un escaneo de cada diseño de página a 8,5 pulgadas × 11 pulgadas (220 mm × 280 mm) y dibuja lápices "apretados" sobre estos, que luego se escanean e imprimen en papel de inyección de tinta de 11 pulgadas × 17 pulgadas (280 mm × 430 mm) en una línea azul tenue . Prefiere el papel Xerox porque siente que la superficie del papel marcador tiende a mancharse o engrasarse. Cuando importa arte para modificarlo en su computadora, usa Photoshop . ^[27]

El artista Jason Shiga dibujó su novela gráfica de 2011 Empire State: A Love Story (Or Not) con un lápiz amarillo nº 2 sobre papel de copia, antes de transferirla con tinta de pincel a través de una caja de luz. ^[28]

El artista Jonathan Luna utiliza cartulina Strathmore Bristol de 14 x 17 pulgadas, que corta en piezas de 11 x 17 pulgadas sobre las que dibuja. Dibuja con un lápiz 2H y, después de entintar sus lápices con un bolígrafo Micron , edita su trabajo de línea en una tableta gráfica. ^[29]

El artista Marcio Takara comienza sus páginas con bocetos en tinta de 180 mm × 130 mm (7 × 5 pulgadas) con los que muestra sus ideas generales a su editor. Cuando comienza a dibujar a lápiz, los deja "sueltos", porque con el tiempo él mismo los cubrirá con tinta y no requiere mayor especificidad. La etapa de dibujo a lápiz es la más rápida para Takara, que hace todo su trabajo a lápiz con un portaminas HB 0.5 , completando dos o tres páginas a lápiz al día, a veces incluso entintando las tres al final del día. ^[30]

Frank Cho produce sus ilustraciones en un bloc Bristol Strathmore Serie 300, que tiene una superficie de papel vitela . Para dibujar sus ilustraciones, Cho utiliza un portaminas Pentel con mina HB de 0,7 mm . Para borrar, utiliza tanto una goma de borrar Vanish como una goma de borrar amasada . ^[31]

El artista Chris Samnee utiliza cartulina Bristol Strathmore de dos capas de la serie 300. No utiliza lápices azules que no sean fotográficos ni ningún otro equipo comprado en tiendas especializadas para realizar bocetos preliminares, sino que utiliza lápices mecánicos de 0,9 mm que compra en Target . ^[32] Describe sus lápices como "simplemente horribles" y los entinta él mismo, ya que no puede imaginarse dárselos a otra persona para que los entinte. ^[33]

El escritor y artista Chuck Austen realizó su trabajo en Elektra completamente en una computadora. Prefiere usar principalmente Macintosh, pero también usa PC . Cuando usa una Mac, usa Ray Dream Studio , y cuando usa una PC, usa 3D Studio Max . Estos le permiten tomar modelos tridimensionales y descomponerlos en formas de líneas de dos tonos simplificadas. Compra los modelos de catálogos o usa los que construyó para Strips usando Hash o Animation:Master . Después de importar los modelos en Studio o Max , organiza los ángulos y otros aspectos de la escena antes de renderizarlos, como la colocación de objetos de fondo o la modificación de gestos, mientras que la computadora corrige elementos como la perspectiva , el escorzo , las proporciones, etc. Después de que los archivos se renderizan a satisfacción de Austen, los ensambla en forma de página usando Photoshop , completando detalles que los programas de modelado no pueden perfeccionar, como expresiones faciales, cabello, rellenando negros, renderizando ropa y arrugas, etc. Para terminar el arte, imprimirá los "lápices" directamente en cartulina Bristol y los finalizará con un lápiz Tombow HB y los entintará con una punta n.° 2, o aplicará los acabados en Photoshop. ^[34]

Scott McCloud también hace su trabajo casi en su totalidad en una tableta de computadora . Aunque esboza sus diseños a lápiz, el resto de su trabajo lo hace digitalmente, explicando en su libro de 2006 Making Comics que no había usado materiales tradicionales como cartulina, bolígrafos o pinceles en años. Después de esbozar los diseños, que dice que son "bastante precisos", e incluyen el guión completo, los escanea en una tableta/monitor de 18 pulgadas para usarlos como guía para rotularlos en Adobe Illustrator . Después de completar las letras, exporta los archivos a Photoshop, donde renderiza completamente el arte a una resolución de 1200 dpi , creando entre cinco y cincuenta capas de arte terminado antes de aplanarlo en un solo mapa de bits en blanco y negro , más una página en escala de grises , si es necesario. ^[35]

Otra artista que hace su trabajo casi en su totalidad digitalmente es Fiona Staples , quien cambió a ese proceso varios años antes de comenzar su trabajo en Saga , aunque su proceso para esa serie es diferente de los anteriores, por lo que lo caracteriza como "un experimento intenso y continuo". Comienza con miniaturas, dibujadas toscamente en plantillas de papel impresas. Durante esta etapa, Staples no usa referencias, pero lo hace más tarde en la etapa de entintado. Durante la etapa de las miniaturas, piensa mucho en los diseños y la puesta en escena, lo que la convierte, en sus palabras, en la parte más importante del proceso. Después de escanear las miniaturas, las agranda y las usa como lápices rudimentarios, y "entinta" sobre ellas en Manga Studio , y luego colorea el arte en Photoshop. Una de las ventajas que Staples ve en trabajar digitalmente es la capacidad de prescindir de lápices ajustados a favor de hacer correcciones de manera ad hoc, ya que encuentra aburrido dibujar a lápiz con gran detalle y dibujar ese arte una segunda vez con tinta. ^[36]

Un dibujante de cómics suele trabajar en estrecha colaboración con el editor del cómic , quien encarga un guion al escritor y se lo envía al dibujante. ^{[37] [38] [39]}

Los guiones de cómics pueden adoptar diversas formas. Algunos escritores, como Alan Moore , producen esquemas completos, elaborados y extensos de cada página. Otros envían al artista solo un esquema de la trama que consiste en no más que una breve descripción general de las escenas clave con poco o ningún diálogo. Se sabe que Stan Lee prefería esta última forma, y ​​por eso llegó a conocerse como el Método Marvel . ^[40]

En ocasiones, un escritor u otro artista (como un director de arte ) incluirá diseños básicos, llamados " desgloses ", para ayudar al dibujante en la composición de la escena. Si no se incluyen desgloses, entonces le corresponde al dibujante determinar el diseño de cada página, incluido el número de paneles, sus formas y sus posiciones. Incluso cuando estos detalles visuales están indicados por un guión, un dibujante puede sentir al dibujar la escena que hay una forma diferente de componer la escena, y puede ignorar el guión, generalmente después de consultar con el editor y/o el escritor. ^[41]

Algunos artistas utilizan un enfoque de lápiz suelto como Agnes Sedem y Andy, en el que el dibujante no se preocupa mucho de reducir los caprichos del arte a lápiz, dejando que el entintador interprete la intención del dibujante. Un dato curioso: crearon esta técnica en la década de 1900 para encontrar criminales. En esos casos, al dibujante se le suele atribuir el mérito de los " desgloses " o " diseños " y al entintador se le atribuye el mérito de "embellecer" o "acabar". ^{[42] [43]} Según el ex editor de Marvel Gregory Wright , John Buscema era un dibujante destacado cuyos desgloses incluían todos los elementos estructurales esenciales que permitían a los entintadores completar el arte. Otros dibujantes prefieren crear páginas detalladas, donde se indica cada matiz que esperan ver en el arte entintado. Esto se conoce como lápiz apretado . ^[43]

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