Cine de China

Cine de China
Número de pantallas	86.300 (2023) [1]
• Per cápita	2,98 por 100.000 (2016)
Distribuidores principales	Películas chinas (32,8%) Huaxia (22,89%) Enlight (7,75%) [2]
Largometrajes producidos (2016) [3]
Ficticio	772
Animado	49
Documental	32
Número de admisiones (2016) [4]
Total	1.370.000.000
• Per cápita	1 [4]
Taquilla bruta (2023) [3]
Total	54,9 mil millones de yuanes chinos ( 7,73 mil millones de dólares estadounidenses )
Películas nacionales	58,33%

El cine de China es la industria cinematográfica y cinematográfica de la China continental bajo la República Popular China , uno de los tres hilos históricos distintos del cine en idioma chino junto con el cine de Hong Kong y el cine de Taiwán . China es el hogar del complejo de producción de películas y dramas y estudios cinematográficos más grande del mundo, Oriental Movie Metropolis ^{[5] [6]} y Hengdian World Studios . En 2012, el país se convirtió en el segundo mercado más grande del mundo por ingresos de taquilla. En 2016, la taquilla bruta en China fue de CN¥45,71 mil millones ( US$6,58 mil millones ). China también se ha convertido en un importante centro de negocios para los estudios de Hollywood.

En noviembre de 2016, China aprobó una ley de cine que prohíbe el contenido considerado perjudicial para la "dignidad, el honor y los intereses" de la República Popular y fomenta la promoción de los "valores fundamentales socialistas", aprobada por el Comité Permanente del Congreso Nacional del Pueblo. ^[7]

Las películas cinematográficas se introdujeron en China en 1896. Se introdujeron a través de exhibidores de películas extranjeros en puertos con tratados como Shanghai y Hong Kong. ^{[8] : 68}

China fue uno de los primeros países en ser expuesto al medio del cine, debido a que Louis Lumière envió a su camarógrafo a Shanghái un año después de inventar la cinematografía . ^[9] La primera proyección registrada de una película en China tuvo lugar en Shanghái el 11 de agosto de 1896 como un "acto" en un programa de variedades. ^[10] La primera película china, una grabación de la ópera de Pekín , Dingjun Mountain , se realizó en noviembre de 1905 en Pekín . ^[11] Durante la siguiente década, las compañías de producción fueron principalmente de propiedad extranjera, y la industria cinematográfica nacional se centró en Shanghái, un próspero centro de distribución y la ciudad más grande del Lejano Oriente .

Los cortometrajes de comedia y melodramas cortos hechos en China comenzaron a surgir en 1913. ^{[12] : 48} En 1913, el primer guion chino independiente, La pareja difícil , fue filmado en Shanghái por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan . ^[13] Zhang Shichuan luego estableció la primera compañía de producción cinematográfica de propiedad china en 1916. El primer largometraje fue Yan Ruisheng (閻瑞生) lanzado en 1921, que era un docudrama sobre el asesinato de una cortesana de Shanghái, aunque era una película demasiado cruda para ser considerada un éxito comercial. ^[9]

La producción cinematográfica china se desarrolló significativamente en la década de 1920. ^{[12] : 48} Durante la década de 1920, los técnicos cinematográficos de los Estados Unidos capacitaron a técnicos chinos en Shanghái, y la influencia estadounidense continuó sintiéndose allí durante las siguientes dos décadas. ^[13] Dado que el cine aún estaba en sus primeras etapas de desarrollo, la mayoría de las películas mudas chinas en ese momento eran solo sketches cómicos o cortometrajes operísticos, y la capacitación era mínima en el aspecto técnico debido a que este era un período de cine experimental. ^[9] A lo largo de las décadas de 1920 y 1930, la producción cinematográfica en China se realizó en gran parte en estudios cinematográficos y hubo comparativamente poca producción cinematográfica a pequeña escala. ^{[12] : 62}

Los cines de lujo en China tenían contratos que les exigían mostrar exclusivamente películas de Hollywood, y así, a finales de la década de 1920, las películas de Hollywood representaban el 90% del tiempo en pantalla en los cines chinos. ^{[12] : 64}

Después de ensayo y error, China fue capaz de inspirarse en sus propios valores tradicionales y comenzó a producir películas de artes marciales , siendo la primera de ellas La quema del Templo del Loto Rojo (1928). La quema del Templo del Loto Rojo tuvo tanto éxito en taquilla que la producción de Star Motion Pictures (Mingxing) filmó posteriormente 18 secuelas, lo que marcó el comienzo de las apreciadas películas de artes marciales de China. ^{[9] Le siguieron muchos imitadores, incluida} Red Heroine (1929) de U. Lien (Youlian) Studio , que todavía existe. ^[14] Fue durante este período cuando surgieron algunas de las compañías de producción más importantes, en particular Mingxing y Tianyi ("Única") de los hermanos Shaw. Mingxing, fundada por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan en 1922, se centró inicialmente en cortometrajes cómicos, incluida la película china completa más antigua que se conserva, El amor del trabajador (1922). ^{[15] [16] [17]} Sin embargo, esto pronto cambió a largometrajes y dramas familiares, incluido Orphan Rescues Grandfather (1923). ^[15] Mientras tanto, Tianyi cambió su modelo hacia dramas folclóricos y también se introdujo en los mercados extranjeros; su película White Snake (1926) ^[a] resultó ser un ejemplo típico de su éxito en las comunidades chinas del sudeste asiático. ^[15] En 1931, se realizó la primera película sonora china Sing-Song Girl Red Peony , producto de una cooperación entre la producción de imágenes de Mingxing Film Company y la tecnología de sonido de Pathé Frères . Sin embargo, el sonido se grabó en disco , que luego se reprodujo en el teatro sincronizado con la acción en la pantalla. La primera película sonora con sonido en película hecha en China fue Spring on Stage (歌場春色) de Tianyi, o Clear Sky After Storm de Great China Studio y Jinan Studio. ^[19] Las películas musicales, como Song at Midnight (1937) ^[20] y Street Angels (1937), ^[21] protagonizada por Zhou Xuan, ^[22] se convirtieron en uno de los géneros cinematográficos más populares en China. ^[23]

Las películas de noticias aumentaron en importancia después del ataque aéreo japonés a Shanghái en 1932. ^{[12] : 66} El bombardeo también destruyó cantidades significativas de la industria cinematográfica china y resultó en la pérdida de muchas de las primeras películas. ^{[12] : 66}

Las primeras películas chinas verdaderamente importantes se produjeron a partir de la década de 1930 con la llegada del movimiento "progresista" o "de izquierda", como Gusanos de seda de primavera (1933) de Cheng Bugao , ^[25] La diosa (1934) de Wu Yonggang , ^[26] y La gran carretera (1934) de Sun Yu . ^[27] Estas películas se destacaron por su énfasis en la lucha de clases y las amenazas externas (es decir, la agresión japonesa), así como por su enfoque en la gente común, como una familia de granjeros de seda en Gusanos de seda de primavera y una prostituta en La diosa . ^[11] En parte debido al éxito de este tipo de películas, esta era posterior a 1930 a menudo se conoce como el primer "período dorado" del cine chino. ^[11] El movimiento cinematográfico de izquierda a menudo giraba en torno a la Shanghái de influencia occidental, donde los cineastas retrataban a la clase baja en dificultades de una ciudad superpoblada. ^[28]

Tres compañías productoras dominaron el mercado a principios y mediados de los años 1930: la recién formada Lianhua ("China Unida"), ^[b] las más antiguas y más grandes Mingxing y Tianyi. ^[29] Tanto Mingxing como Lianhua se inclinaron hacia la izquierda (la gerencia de Lianhua quizás más), ^[11] mientras que Tianyi continuó haciendo comida con menos conciencia social.

El período también produjo las primeras grandes estrellas de cine chinas, como Hu Die, Ruan Lingyu, ^[30] Li Lili , ^[31] Chen Yanyan , ^[32] Zhou Xuan , Zhao Dan y Jin Yan . Otras películas importantes del período incluyen Love and Duty (1931), Little Toys (1933), New Women (1934), ^[33] Song of the Fishermen (1934), ^[34] Plunder of Peach and Plum (1934), Crossroads (1937) y Street Angel (1937). ^[21] A lo largo de la década de 1930, los nacionalistas y los comunistas lucharon por el poder y el control sobre los principales estudios; su influencia se puede ver en las películas que los estudios produjeron durante este período.

La invasión japonesa de China en 1937, en particular la Batalla de Shanghái , puso fin a esta racha dorada del cine chino. Todas las compañías de producción, excepto Xinhua Film Company ("Nueva China"), cerraron. Un gran número de cineastas se unieron a la Guerra de Resistencia, y muchos se fueron al interior del país controlado por los nacionalistas para unirse a los estudios cinematográficos nacionalistas Central Motion Picture Studio o China Motion Picture Studio. ^{[12] : 102} Un número menor se fue a Yan'an o Hong Kong. ^{[12] : 102–103}

La industria cinematográfica de Shanghái, aunque severamente restringida, no se detuvo, lo que dio lugar al período de la "Isla Solitaria" (también conocida como la "Isla Única" o "Isla Huérfana"), en el que las concesiones extranjeras de Shanghái sirvieron como una "isla" de producción en el "mar" del territorio ocupado por Japón. Fue durante este período que los artistas y directores que permanecieron en la ciudad tuvieron que caminar por una delgada línea entre mantenerse fieles a sus creencias izquierdistas y nacionalistas y las presiones japonesas. Hua Mu Lan del director Bu Wancang , también conocida como Mulan se une al ejército (1939), ^[35] con su historia de un joven campesino chino que lucha contra una invasión extranjera, fue un ejemplo particularmente bueno de la producción cinematográfica continua de Shanghái en medio de la guerra. ^{[15] [36]} Este período terminó cuando Japón declaró la guerra a los aliados occidentales el 7 de diciembre de 1941; la isla solitaria finalmente fue engullida por el mar de la ocupación japonesa. Con la industria de Shanghai firmemente bajo control japonés, se produjeron películas como Greater East Asia Co-Prosperity Sphere -promoviendo Eternity ^{(1943). [15]}

Durante las décadas de 1930 y 1940, tanto el gobierno nacionalista chino como las autoridades de ocupación japonesas enviaron unidades móviles de proyección a las zonas bajo su control para mostrar películas de propaganda. ^{[8] : 69}

En el Soviet de Yan'an , durante septiembre de 1938, el Octavo Ejército de Ruta estableció su primer grupo cinematográfico. ^{[8] : 69} En 1943, los comunistas lanzaron su primera película de campaña, Nanniwan , que buscaba desarrollar relaciones entre el ejército comunista y la gente local en el área de Yan'an mostrando la campaña de producción del ejército para aliviar la escasez de materiales. ^{[12] : 16}

Tras la rendición incondicional de Japón en agosto de 1945, el Ejército Rojo soviético ayudó a los comunistas chinos a hacerse cargo del establecimiento cinematográfico colonial japonés en Manchuria, la Asociación Cinematográfica de Manchukuo (Man-ei) . ^{[12] : 132} Man-ei tenía equipos y suministros de producción cinematográfica de última generación. ^{[12] : 132} El antiguo estudio colonial se trasladó a Hegang , donde se estableció como Northeastern Film Studio , el primer estudio cinematográfico de capacidad completa del partido comunista. ^{[12] : 132} Yuan Muzhi fue su director y Chen Bo'er fue su secretario del partido. ^{[12] : 132} Northeastern Film Studio comenzó la producción a principios de 1947, centrándose en noticias y documentales, así como algo de ficción, películas educativas para niños y animación. ^{[12] : 132–133}

Durante la última fase de la Guerra Civil China , los cineastas formados en Yan'an y Northeastern Film Studio documentaron todas las batallas principales que llevaron a la derrota de los nacionalistas por parte de los comunistas. ^{[12] : 134}

La industria cinematográfica continuó desarrollándose después de 1945. La producción en Shanghái se reanudó una vez más cuando una nueva generación de estudios tomó el lugar que los estudios Lianhua y Mingxing habían ocupado en la década anterior. En 1945, Cai Chusheng regresó a Shanghái para revivir el nombre de Lianhua como la "Sociedad Cinematográfica Lianhua con Shi Dongshan, Meng Junmou y Zheng Junli". ^[37] Esto a su vez se convirtió en Kunlun Studios, que se convertiría en uno de los estudios más importantes de la época (Kunlun Studios se fusionó con otros siete estudios para formar el estudio cinematográfico de Shanghái en 1949), lanzando los clásicos The Spring River Flows East (1947), ^[38] Myriad of Lights (1948), Crows and Sparrows (1949), ^[39] y Wanderings of Three-Hairs the Orphan , también conocido como San Mao, The Little Vagabond (1949). ^{[40] [41]} Muchas de estas películas mostraban la desilusión con el gobierno opresivo del Partido Nacionalista de Chiang Kai-shek y la lucha por la opresión de la nación por la guerra. El río de primavera fluye hacia el este , una película de dos partes de tres horas de duración dirigida por Cai Chusheng y Zheng Junli , fue un éxito particularmente fuerte. Su representación de las luchas de los chinos comunes durante la segunda guerra chino-japonesa, repleta de mordaces comentarios sociales y políticos, tocó la fibra sensible del público de la época.

Mientras tanto, compañías como Wenhua Film Company ("Culture Films"), se alejaron de la tradición izquierdista y exploraron la evolución y desarrollo de otros géneros dramáticos. Wenhua trató los problemas de la posguerra de manera universalista y humanista, evitando la narrativa familiar y las fórmulas melodramáticas. Excelentes ejemplos de la obra de Wenhua son sus dos primeras películas de posguerra, Love Everlasting ( Bu liaoqing , 1947) ^[42] y Fake Bride, Phony Bridegroom (1947). ^[43] Otra película memorable de Wenhua es Long Live the Missus (1947), ^[44] como Love Everlasting con un guion original de la escritora Eileen Chang . El drama romántico de Wenhua, Spring in a Small Town (1948), ^[45] dirigido por Fei Mu ^[46] poco antes de la revolución, es a menudo considerado por los críticos de cine chinos como una de las películas más importantes en la historia del cine chino, en 2005, Hong Kong Film lo premia como el mejor de los 100 años de cine. ^[47] Irónicamente, fue precisamente su calidad artística y su aparente falta de "base política" lo que llevó a que los comunistas la etiquetaran de derechista o reaccionaria, y la película fue rápidamente olvidada por aquellos en el continente después de la victoria comunista en China en 1949. ^[48] Sin embargo, con la reapertura del Archivo de Cine de China después de la Revolución Cultural, se realizó una nueva copia del negativo original, lo que permitió que La primavera de la pequeña ciudad encontrara una audiencia nueva y admiradora e influyera en toda una nueva generación de cineastas. De hecho, Tian Zhuangzhuang realizó una nueva versión aclamada en 2002. Una película de ópera china de Pekín, Una boda en el sueño (1948), del mismo director (Fei Mu), fue la primera película china en color .

En la fundación de la República Popular China (RPC) en 1949, había menos de 600 salas de cine en el país. ^{[49] : 102} El gobierno veía las películas como una forma de arte importante y una herramienta para la propaganda masiva . Las colaboraciones lideradas por los soviéticos Victoria del pueblo chino (1950) y China liberada (1951) estuvieron entre los mayores eventos cinematográficos en los primeros años de la RPC. ^{[12] : 17} Victoria del pueblo chino representó recreaciones de cuatro de las principales victorias militares del partido comunista y fue filmada usando munición real con la participación del Ejército Popular de Liberación . ^{[12] : 15}

En un principio, se animó a los estudios privados de Shanghái, incluidos Kunming, Wenhua, Guotai y Datong, a realizar nuevas películas. Hicieron aproximadamente 47 películas durante los dos años siguientes, pero pronto tuvieron problemas debido al furor por el drama producido en Kunlun La vida de Wu Xun (1950), dirigido por Sun Yu y protagonizado por el veterano Zhao Dan. En un artículo anónimo en el Diario del Pueblo en mayo de 1951, se acusó al largometraje de difundir ideas feudales. Después de que se revelara que el artículo había sido escrito por Mao Zedong , la película fue prohibida, se formó el Comité Directivo de Cine para "reeducar" a la industria cinematográfica y todos los estudios privados se incorporaron al Estudio de Cine de Shanghái, administrado por el estado . ^{[50] [51]}

Después de la creación de la República Popular China, la burocracia cultural china calificó las películas estadounidenses de opio cinematográfico y comenzó a criticarlas junto con campañas antidrogas. ^{[8] : 225–226} El Partido Comunista Chino (PCCh) buscó reforzar el control sobre los medios de comunicación, produciendo en su lugar películas centradas en campesinos, soldados y trabajadores, como Bridge (1949) y The White-Haired Girl (1950). ^[50] Una de las bases de producción en medio de toda la transición fue el Changchun Film Studio . Las películas estadounidenses fueron prohibidas como parte del esfuerzo de la Guerra de Corea . ^{[8] : 225–226}

El gobierno comunista resolvió el problema de la falta de salas de cine construyendo unidades de proyección móviles que podían recorrer las regiones remotas de China, asegurando que incluso los más pobres pudieran tener acceso a las películas. La gran mayoría de la población de China vivía en áreas rurales, y la mayoría de la gente en China no había visto una película hasta que los proyeccionistas móviles las trajeron. ^{[8] : 148} Los equipos de proyección móvil durante la era de Mao generalmente incluían de tres a cuatro trabajadores que transportaban físicamente la infraestructura cinematográfica a través de una gran área geográfica en su mayoría no cubierta por ninguna red eléctrica. ^{[49] : 102} Yuan Muzhi fue importante en el desarrollo de las teorías y prácticas del gobierno comunista de exhibición de películas rurales. ^{[8] : 46} Yuan y Chen Bo'er transformaron los restos posteriores a la Segunda Guerra Sino-Japonesa de la Asociación Cinematográfica de Manchuria en el Estudio Cinematográfico del Noreste y cuando Yuan se convirtió en jefe de la Oficina Cinematográfica en 1949, aplicó su modelo para ayudar a instituir una red de exhibición cinematográfica en todo el país. ^{[8] : 46} El Estudio Cinematográfico del Noreste también formó a la primera generación de cineastas documentales chinos comunistas. ^{[12] : 103}

En 1950, 1.800 proyeccionistas de todo el país viajaron a Nanjing para un programa de capacitación. ^{[8] : 71} Estos proyeccionistas replicaron el programa de capacitación en sus propias provincias de origen para crear más proyeccionistas. ^{[8] : 71} Nanjing fue denominada más tarde como la "Cuna del Cine Popular". ^{[8] : 71} La República Popular de China buscó reclutar mujeres y proyeccionistas de minorías étnicas en un esfuerzo por llegar de manera más efectiva a las comunidades marginadas. ^{[8] : 72}

Hasta la profusión de equipos de proyeccionistas móviles en la década de 1950, la mayoría de la gente rural no había visto una película. ^{[49] : 103} El número de espectadores de cine aumentó drásticamente, en parte impulsado por el hecho de que se entregaban entradas de cine a las unidades de trabajo y la asistencia era obligatoria, ^[51] con entradas que aumentaron de 47 millones en 1949 a 4.15 mil millones en 1959. ^[52] Para 1965 había alrededor de 20.393 unidades de cine móviles. ^[50] Durante el curso de la era de Mao, la mayoría de las películas se mostraban en dichas unidades, y solo una minoría se veía en los cines. ^{[49] : 103}

El trabajo como proyeccionista móvil era exigente física y técnicamente. ^{[49] : 104} Como resultado, las mujeres proyeccionistas y los equipos de proyección móvil integrados exclusivamente por mujeres fueron promocionados en los medios chinos como ejemplos de la promoción de la igualdad de género bajo el socialismo. ^{[49] : 104–105}

En las décadas de 1950 y 1960, el Partido Comunista construyó cines (entre otros edificios culturales) en distritos industriales de las periferias urbanas. ^{[8] : 148} Estas estructuras estaban influenciadas por la arquitectura soviética y estaban destinadas a ser vivaces pero no "palaciegas". ^{[8] : 148–149}

Los equipos móviles de proyección rurales y los cines urbanos eran generalmente gestionados por la burocracia cultural de la República Popular de China. ^{[8] : 47} Los sindicatos y los departamentos de propaganda del EPL también operaban redes de exhibición de películas. ^{[8] : 47}

En China, en los años 1950, una visión común del cine era que servía como "educación socialista a distancia". ^{[8] : 24} Por ejemplo, las películas promovían la colectivización rural . ^{[8] : 24} El cine también buscaba desarrollar la conciencia de clase proletaria de los trabajadores rurales, fomentando la industrialización y militarización de su trabajo. ^{[8] : 50} A los equipos de proyección de películas que operaban en la China rural se les pidió que incorporaran diapositivas de linterna en su trabajo para presentar políticas nacionales y campañas políticas. ^{[8] : 82}

En los 17 años transcurridos entre la fundación de la República Popular China y la Revolución Cultural , se produjeron 603 largometrajes y 8.342 carretes de documentales y noticieros , patrocinados principalmente como propaganda comunista por el gobierno. ^[53] Por ejemplo, en Guerrilla on the Railroad (铁道游击队), de 1956, el Partido Comunista Chino fue representado como la principal fuerza de resistencia contra la Segunda Guerra Sino-Japonesa. ^[54] Se envió a cineastas chinos a Moscú para estudiar el estilo de realización cinematográfica del realismo socialista soviético . ^[52] La Academia de Cine de Pekín se estableció en 1950 y se inauguró oficialmente en 1956. Una película importante de esta era es This Life of Mine (1950), dirigida por Shi Hu, que sigue a un viejo mendigo que reflexiona sobre su vida pasada como policía trabajando para los diversos regímenes desde 1911. ^{[55] [56]} La primera película china de pantalla ancha se produjo en 1960. Las películas animadas que usaban una variedad de artes populares , como recortes de papel , teatro de sombras , títeres y pinturas tradicionales , también fueron muy populares para entretener y educar a los niños. La más famosa de ellas, el clásico Havoc in Heaven (dos partes, 1961, 4), fue realizada por Wan Laiming de los Wan Brothers y ganó el premio a la Película Destacada en el Festival Internacional de Cine de Londres .

Películas como La muchacha del pelo blanco y El siervo formaban parte de un género de melodramas redentores que buscaban animar al público a "hablar con amargura". ^{[8] : 183}

Después de que el Reino Unido y la República Popular China establecieran relaciones diplomáticas, los intercambios culturales entre los dos países se reanudaron gradualmente, incluidas las iniciativas británicas en China. ^{[57] : 107}

El deshielo de la censura en 1956-57 (conocida como la Campaña de las Cien Flores ) y a principios de la década de 1960 condujo a la realización de más películas chinas autóctonas, que dependían menos de sus contrapartes soviéticas. ^[58] Durante esta campaña, las críticas más agudas vinieron de las comedias satíricas de Lü Ban . Antes de que llegue el nuevo director expone las relaciones jerárquicas que ocurren entre los cuadros, mientras que su siguiente película, La comedia inacabada (1957), fue etiquetada como una "hierba venenosa" durante el Movimiento Antiderechista , y a Lü se le prohibió dirigir de por vida. ^{[59] [60]} Otras películas notables producidas durante este período fueron adaptaciones de clásicos literarios, como El sacrificio de Año Nuevo (1956, adaptada de una historia de Lu Xun ) de Sang Hu y La tienda de la familia Lin (1959, adaptada de una historia de Mao Dun ) de Shui Hua . El cineasta más destacado de esta época fue Xie Jin , cuyas tres películas en particular, Woman Basketball Player No. 5 (1957), The Red Detachment of Women (1961) y Two Stage Sisters (1964), ejemplifican la creciente experiencia cinematográfica de China. Las películas realizadas durante este período son pulidas, exhiben un alto valor de producción y escenarios elaborados. ^[61] Si bien Pekín y Shanghái siguieron siendo los principales centros de producción, entre 1957 y 1960 el gobierno construyó estudios regionales en Cantón , Xi'an y Chengdu para alentar la representación de minorías étnicas en películas. El cine chino comenzó a abordar directamente la cuestión de dichas minorías étnicas a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960 en películas como Cinco flores de oro (1959), La tercera hermana Liu (1960), Siervos (1963) y Ashima (1964). ^{[62] [63]}

El 9 de marzo de 1958, el Ministerio de Cultura celebró una reunión para presentar un Gran Salto Adelante en el cine. ^{[12] : 149–150} Durante el Gran Salto Adelante, la industria cinematográfica se expandió rápidamente, siendo las películas documentales el género que experimentó el mayor crecimiento. ^{[12] : 150} Las tendencias en el cine documental incluyeron "documentales artísticos", en los que actores y no actores recreaban eventos. ^{[12] : 15} Las salas de cine también se expandieron rápidamente, incluyendo tanto cines urbanos como unidades de proyección móviles. ^{[12] : 150}

Como parte del Movimiento de Educación Socialista , las unidades móviles de proyección de películas mostraron películas y presentaciones de diapositivas que enfatizaban la lucha de clases y alentaban a los miembros de la audiencia a discutir experiencias amargas en el escenario. ^{[8] : 184} Se lanzaron nuevas películas denominadas "películas de énfasis" para coincidir con la campaña, y se relanzó la versión cinematográfica de The White-Haired Girl . ^{[8] : 185}

En 1965, China lanzó la campaña Resist America, Aid Vietnam en respuesta al bombardeo estadounidense de Vietnam del Norte . ^{[64] : 29} Para promover temas de campaña que denunciaran al imperialismo estadounidense y promovieran la resistencia vietnamita, el partido comunista utilizó exhibiciones de películas y otros medios culturales. ^{[64] : 29}

Durante la Revolución Cultural, la industria cinematográfica se vio severamente restringida. Casi todas las películas anteriores fueron prohibidas y solo se produjeron unas pocas nuevas, las óperas modelo revolucionarias . La más notable de ellas fue una versión de ballet de la ópera revolucionaria El destacamento rojo de mujeres , dirigida por Pan Wenzhan y Fu Jie en 1970.

El estreno de versiones filmadas de las óperas modelo revolucionarias dio lugar a una reorganización y expansión de la red de exhibición cinematográfica de China. ^{[8] : 73} De 1965 a 1976, el número de unidades de proyección de películas en China se cuadriplicó, las audiencias totales de películas casi se triplicaron y la tasa nacional de asistencia al cine se duplicó. ^{[8] : 133} El Grupo de la Revolución Cultural redujo drásticamente los precios de las entradas, lo que, en su opinión, permitiría que el cine sirviera mejor a las necesidades de los trabajadores y del socialismo. ^{[8] : 133}

Además de las películas consideradas elogiosas, desde mediados de 1966 hasta 1968, la red de distribución cinematográfica en expansión proyectó películas caracterizadas como "malas hierbas venenosas" a cientos de millones de espectadores con el propósito de criticarlas. ^{[8] : 232} Estas proyecciones críticas a veces iban acompañadas de sesiones de lucha . ^{[8] : 233}

Los jóvenes marginados eran un subgrupo importante de los proyeccionistas rurales de China durante el período de la Revolución Cultural. ^{[8] : 75}

La producción de largometrajes estuvo prácticamente paralizada en los primeros años, de 1967 a 1972. La producción cinematográfica se reanudó después de 1972 bajo la estricta jurisdicción de la Banda de los Cuatro hasta 1976, cuando fueron derrocados. Las pocas películas que se produjeron durante este período, como Breaking with Old Ideas de 1975 , estaban muy reguladas en términos de trama y caracterización. ^[65]

En 1972, los funcionarios chinos invitaron a Michelangelo Antonioni a China para filmar los logros de la Revolución Cultural. ^{[66] : 13} Antonioni hizo el documental Chung Kuo, Cina . ^{[66] : 13} Cuando se estrenó en 1974, el liderazgo del Partido Comunista en China interpretó la película como reaccionaria y antichina. ^{[66] : 13} Al ver el arte a través de los principios de las Conversaciones de Yan'an , particularmente el concepto de que no existe el arte por el arte, el liderazgo del partido interpretó las elecciones estéticas de Antonioni como motivadas políticamente y prohibió la película. ^{[66] : 14} Jiang Qing criticó el papel del primer ministro Zhou Enlai en la invitación de Antonioni a China no solo como un fracaso sino también como una traición. ^{[64] : 121} Desde su estreno en China en 2004, la película ha sido bien considerada por el público chino, especialmente por sus hermosas representaciones de una época más simple. ^{[66] : 14}

Debido a que China rechazó la mayoría de las importaciones de películas extranjeras, películas comparativamente menores como el cine albanés y el cine norcoreano desarrollaron audiencias masivas en China. ^{[8] : 207} A través de las películas albanesas proyectadas durante este período, muchos miembros de la audiencia china conocieron técnicas y estéticas narrativas vanguardistas y modernistas. ^{[8] : 206–207}

En los años inmediatamente posteriores a la Revolución Cultural, la industria cinematográfica volvió a florecer como medio de entretenimiento popular. La producción aumentó de forma constante, de 19 largometrajes en 1977 a 125 en 1986. ^[67] Las películas de producción nacional se proyectaron ante grandes audiencias y las entradas para los festivales de cine extranjeros se vendieron rápidamente. La industria intentó revivir a las multitudes haciendo películas más innovadoras y "exploratorias" como sus homólogas en Occidente. ^{[ cita requerida ]}

El cine chino creció significativamente a finales de los años 1970. En 1979, las entradas anuales de taquilla alcanzaron un pico de 29.3 mil millones de entradas vendidas, equivalente a un promedio de 30 películas por persona. El cine chino continuó prosperando hasta principios de los años 1980. En 1980, las entradas anuales de taquilla se situaron en 23.4 mil millones de entradas vendidas, equivalente a un promedio de 29 películas por persona. ^[68] En términos de entradas de taquilla , este período representó el pico de ventas de entradas en la historia de la taquilla china. ^[69] Las altas ventas de entradas fueron impulsadas por los bajos precios de las entradas, con una entrada de cine que normalmente costaba entre ¥ 0,1 ( $ 0,06 ) y ¥ 0,3 ( $ 0,19 ) en ese momento. ^[70]

A principios de la década de 1980, había 162.000 unidades de proyección en China, compuestas principalmente por equipos de cine móviles que mostraban películas al aire libre en zonas rurales y urbanas. ^{[49] : 102}

Varias películas durante este período atrajeron cientos de millones de entradas en taquilla. La película china más taquillera en taquilla fue La leyenda de la serpiente blanca (1980) con un estimado de 700 millones de entradas, ^{[71] [72]} seguida de In-Laws (Full House of Joy)  [zh] (1981) y The Undaunted Wudang (1983) con más de 600 millones de entradas vendidas cada una. ^[73] La película extranjera más taquillera fue la película japonesa Kimi yo Fundo no Kawa o Watare (1976), que se estrenó en 1978 y vendió más de 330 millones de entradas, ^[74] seguida por la película india Caravan (1971) que se estrenó en 1979 y vendió alrededor de 300 millones de entradas. ^[75]

A finales de los años 1980, la industria cinematográfica atravesó tiempos difíciles, ante el doble problema de la competencia con otras formas de entretenimiento y la preocupación por parte de las autoridades de que muchas de las populares películas de suspenso y artes marciales eran socialmente inaceptables. ^{[ cita requerida ]} En enero de 1986, la industria cinematográfica fue transferida del Ministerio de Cultura al recién formado Ministerio de Radio, Cine y Televisión para ponerla bajo "un control y una gestión más estrictos" y para "fortalecer la supervisión sobre la producción". ^[76]

El final de la Revolución Cultural trajo consigo el estreno de "dramas de cicatrices" (傷痕剧shānghén jù ), que retrataban los traumas emocionales que dejó este período. El más conocido de ellos es probablemente Hibiscus Town (1986) de Xie Jin, aunque se pudieron ver hasta la década de 1990 con The Blue Kite (1993) de Tian Zhuangzhuang . En la década de 1980, Deng Xiaoping alentó la crítica abierta de ciertas políticas pasadas del Partido Comunista como una forma de revelar los excesos de la Revolución Cultural y la Campaña Antiderechista anterior , lo que también ayudó a legitimar las nuevas políticas de Deng de " reforma y apertura ". Por ejemplo, el premio a la Mejor Película en la inauguración de los Premios Golden Rooster de 1981 se le dio a dos "dramas de cicatrices", Evening Rain ( Wu Yonggang , Wu Yigong , 1980) y Legend of Tianyun Mountain ( Xie Jin , 1980). ^[77]

Muchos dramas sobre cicatrices fueron realizados por miembros de la Cuarta Generación cuyas propias carreras o vidas habían sufrido durante los eventos en cuestión, mientras que los directores más jóvenes de la Quinta Generación, como Tian, ​​tendían a centrarse en temas menos controvertidos del presente inmediato o del pasado lejano. El entusiasmo oficial por los dramas sobre cicatrices disminuyó en la década de 1990, cuando los cineastas más jóvenes comenzaron a enfrentar los aspectos negativos de la era de Mao. The Blue Kite , aunque compartía un tema similar a los dramas sobre cicatrices anteriores, tenía un estilo más realista y se hizo solo mediante la ofuscación de su guión real. Se mostró en el extranjero, se prohibió su estreno en China continental, mientras que al propio Tian se le prohibió hacer películas durante casi una década después. Después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989, pocos dramas sobre cicatrices, si es que hubo alguno, se estrenaron a nivel nacional en China continental. ^{[ cita requerida ]}

A partir de mediados de la década de 1980, durante el movimiento de la Nueva Ilustración en China, el surgimiento de la llamada quinta generación de cineastas chinos aumentó la popularidad del cine chino en el extranjero. ^[78] La mayoría de los cineastas que formaron la Quinta Generación se habían graduado de la Academia de Cine de Beijing en 1982 e incluían a Zhang Yimou , Tian Zhuangzhuang , Chen Kaige , Zhang Junzhao , Li Shaohong , Wu Ziniu y otros. Estos graduados constituyeron el primer grupo de cineastas en graduarse desde la Revolución Cultural y pronto abandonaron los métodos tradicionales de narración y optaron por un enfoque simbólico más libre y poco ortodoxo. ^[79] Después de que la llamada literatura de cicatrices en la ficción había allanado el camino para una discusión franca, Uno y ocho (1983) de Zhang Junzhao y Tierra amarilla (1984) de Chen Kaige en particular fueron tomadas para marcar los comienzos de la Quinta Generación. ^[c] Tierra amarilla se convirtió en una de las primeras películas de arte chinas en atraer la atención internacional. ^{[80] : 42}

Los directores más famosos de la Quinta Generación, Chen Kaige y Zhang Yimou, produjeron obras celebradas como King of the Children (1987), Ju Dou (1989), Raise the Red Lantern (1991) y Farewell My Concubine (1993), que no solo fueron aclamadas por los cinéfilos chinos sino también por el público occidental del cine independiente . Las películas de Tian Zhuangzhuang , aunque menos conocidas por los espectadores occidentales, fueron bien señaladas por directores como Martin Scorsese . Fue durante este período que el cine chino comenzó a cosechar los frutos de la atención internacional, incluido el Oso de Oro de 1988 por Sorgo rojo , el León de Oro de 1992 por La historia de Qiu Ju , la Palma de Oro de 1993 por Farewell My Concubine y tres nominaciones a Mejor Película en Lengua Extranjera de los Premios de la Academia. ^[81] Todas estas películas premiadas fueron protagonizadas por la actriz Gong Li , quien se convirtió en la estrella más reconocida de la Quinta Generación, especialmente para el público internacional.

Diversas en estilo y temáticas, las películas de los directores de la Quinta Generación iban desde la comedia negra ( The Black Cannon Incident , 1985, de Huang Jianxin ) hasta lo esotérico ( Life on a String , de Chen Kaige , 1991), pero comparten un rechazo común a la tradición socialista-realista trabajada por cineastas chinos anteriores en la era comunista. Otros directores notables de la Quinta Generación incluyen a Wu Ziniu , Hu Mei , Li Shaohong y Zhou Xiaowen . Los cineastas de la Quinta Generación reaccionaron contra la pureza ideológica del cine de la Revolución Cultural. Al trasladarse a estudios regionales, comenzaron a explorar la realidad de la cultura local de una manera un tanto documental. En lugar de historias que describieran heroicas luchas militares, las películas se construyeron a partir del drama de la vida cotidiana de la gente común. También conservaron el tono político, pero apuntaban a explorar temas en lugar de reciclar políticas aprobadas. Mientras que las películas de la Revolución Cultural usaban personajes, los directores más jóvenes favorecían la profundidad psicológica en la línea del cine europeo. Adoptaron tramas complejas, simbolismo ambiguo e imágenes evocadoras. ^[82] Algunas de sus obras más atrevidas con connotaciones políticas fueron prohibidas por las autoridades chinas.

Estas películas trajeron consigo un género narrativo creativo y un nuevo estilo de filmación; los directores utilizaron mucho color y planos largos para presentar y explorar la historia y la estructura de la cultura nacional. Como las nuevas películas eran tan intrincadas, estaban destinadas a un público más instruido que a cualquier otra cosa. El nuevo estilo resultó rentable para algunos y ayudó a los cineastas a avanzar en el negocio. Permitió a los directores alejarse de la realidad y mostrar su sentido artístico. ^[83]

La Cuarta Generación también volvió a cobrar protagonismo. Dada su etiqueta tras el ascenso de la Quinta Generación, se trataba de directores cuyas carreras se vieron estancadas por la Revolución Cultural y que se habían formado profesionalmente antes de 1966. Wu Tianming , en particular, hizo contribuciones destacadas al ayudar a financiar a los principales directores de la Quinta Generación bajo los auspicios del Estudio de Cine de Xi'an (del que se hizo cargo en 1983), mientras seguía haciendo películas como Old Well (1986) y The King of Masks (1996).

El movimiento de la Quinta Generación terminó en parte después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen en 1989, aunque sus principales directores continuaron produciendo obras notables. Varios de sus cineastas se exiliaron por voluntad propia: Wu Tianming se mudó a los Estados Unidos (pero luego regresó), Huang Jianxin se fue a Australia , mientras que muchos otros se dedicaron a trabajos relacionados con la televisión.

Durante un período en el que los dramas socialistas comenzaban a perder audiencia, el gobierno chino comenzó a involucrarse más profundamente en el mundo de la cultura popular y el cine al crear el género oficial de la "melodía principal" (主旋律zhǔxuánlǜ ), inspirado en los avances de Hollywood en los dramas musicales. ^[84] En 1987, el Ministerio de Radio, Cine y Televisión emitió una declaración alentando la realización de películas que enfatizaran la melodía principal para "vigorizar el espíritu nacional y el orgullo nacional". ^[85] La expresión melodía principal se refiere al término musical leitmotiv , que se traduce como el "tema de nuestros tiempos", que los académicos sugieren que es representativo del clima sociopolítico de China y el contexto cultural del cine popular. ^[86] Estas películas de melodía principal, que todavía se producen regularmente en los tiempos modernos, intentan emular la corriente comercial dominante mediante el uso de música y efectos especiales al estilo de Hollywood. Una característica importante de estas películas es la incorporación de una " canción roja ", que es una canción escrita como propaganda para apoyar a la República Popular China. ^[87] Al girar la película en torno al motivo de una canción roja, la película puede ganar tracción en la taquilla, ya que generalmente se piensa que las canciones son más accesibles que una película. Teóricamente, una vez que la canción roja domine las listas, despertará interés en la película a la que acompaña. ^[88]

Los dramas de melodía principal suelen estar subvencionados por el estado y tienen libre acceso al personal gubernamental y militar. ^[89] El gobierno chino gasta entre "uno y dos millones de RMB" anualmente para apoyar la producción de películas en el género de melodía principal. August First Film Studio , el brazo de producción de cine y televisión del Ejército Popular de Liberación , es un estudio que produce cine de melodía principal. Las películas de melodía principal, que a menudo representan enfrentamientos militares pasados ​​o son películas biográficas de líderes del PCCh de primera generación, han ganado varios premios a la Mejor Película en los Premios Golden Rooster. ^[90] Algunos de los dramas de melodía principal más famosos incluyen la épica de diez horas Decisive Engagement (大决战, 1991), dirigida por Cai Jiawei, Yang Guangyuan y Wei Lian; The Opium War (1997), dirigida por Xie Jin ; y The Founding of a Republic (2009), dirigida por Han Sanping y el director de Fifth Generation Huang Jianxin. ^[91] La fundación de un ejército (2017) fue encargada por el gobierno para celebrar el 90 aniversario del Ejército Popular de Liberación, y es la tercera entrega de la serie La fundación de una república. ^[92] La película contó con muchos jóvenes cantantes pop chinos que ya están bien establecidos en la industria, incluidos Li Yifeng , Liu Haoran y Lay Zhang , con el fin de promover la reputación de la película como un drama melódico principal.

La era posterior a 1990 ha sido etiquetada como el "regreso del cineasta amateur", ya que las políticas de censura del estado después de las protestas y la masacre de la Plaza Tiananmen de 1989 produjeron un movimiento cinematográfico underground vanguardista al que se denomina vagamente la Sexta Generación. Debido a la falta de financiación y respaldo estatales, estas películas se rodaron de forma rápida y económica, utilizando materiales como película de 16 mm y vídeo digital y en su mayoría actores y actrices no profesionales, produciendo una sensación de documental, a menudo con tomas largas, cámaras manuales y sonido ambiente; más afín al neorrealismo italiano y al cinéma vérité que a las producciones a menudo exuberantes y mucho más meditadas de la Quinta Generación. ^[81] A diferencia de la Quinta Generación, la Sexta Generación aporta una visión de la vida más individualista y antirromántica y presta mucha más atención a la vida urbana contemporánea, especialmente en lo que se refiere a la desorientación, la rebelión ^[94] y la insatisfacción con las tensiones económicas del marketing social contemporáneo de China y su amplio trasfondo cultural. ^[95] Muchas de estas películas se realizaron con un presupuesto extremadamente bajo (un ejemplo es Jia Zhangke , que filma en video digital y anteriormente en 16 mm; The Days (1993) de Wang Xiaoshuai se hizo por US$10 000 ^[95] ). El título y los temas de muchas de estas películas reflejan las preocupaciones de la Sexta Generación. La Sexta Generación se interesa por los individuos marginados y los márgenes menos representados de la sociedad. Por ejemplo, Beijing Bastards (1993) de Zhang Yuan, filmada con cámara en mano, se centra en la subcultura punk juvenil , con artistas como Cui Jian , Dou Wei y He Yong, mal vistos por muchas autoridades estatales, ^[96] mientras que la película debut de Jia Zhangke, Xiao Wu (1997), trata sobre un carterista provincial . Si bien muchos cineastas de la Quinta Generación se han convertido en los favoritos de la cultura dominante china, los cineastas de la Sexta Generación a menudo han experimentado un trato duro por parte del sistema de censura y regulación del estado, a pesar de su éxito en festivales de cine internacionales y mercados de cine de arte. ^[97]

A medida que la Sexta Generación ganó exposición internacional, muchas películas posteriores fueron empresas conjuntas y proyectos con patrocinadores internacionales, pero se mantuvieron bastante decididamente discretas y de bajo presupuesto. La Plataforma de Jia (2000) fue financiada en parte por la casa productora de Takeshi Kitano , ^[98] mientras que su Naturaleza muerta se filmó en video HD . Naturaleza muerta fue una adición sorpresa y ganadora del León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia de 2006. Naturaleza muerta , que trata sobre trabajadores provinciales de la región de las Tres Gargantas , contrasta marcadamente con las obras de directores chinos de la Quinta Generación como Zhang Yimou y Chen Kaige que en ese momento estaban produciendo La casa de las dagas voladoras (2004) y La promesa (2005). No presentó ninguna estrella de renombre internacional y fue actuada principalmente por no profesionales.

Muchas películas de la Sexta Generación han resaltado los atributos negativos de la entrada de China en el mercado capitalista moderno . Blind Shaft (2003) de Li Yang , por ejemplo, es un relato de dos estafadores asesinos en la industria minera no regulada y notoriamente peligrosa del norte de China. ^[99] (Li rechazó la etiqueta de Sexta Generación, aunque admitió que no era de Quinta Generación). ^{[94] Mientras que} The World (2004) de Jia Zhangke enfatiza el vacío de la globalización en el telón de fondo de un parque de diversiones de temática internacional. ^[100]

Algunos de los directores más prolíficos de la Sexta Generación que han surgido son Wang Xiaoshuai ( The Days , Beijing Bicycle , So Long, My Son ), Zhang Yuan ( Beijing Bastards , East Palace West Palace ), Jia Zhangke ( Xiao Wu , Unknown Pleasures , Platform , The World , A Touch of Sin , Mountains May Depart , Ash Is Purest White ), He Jianjun ( Postman ) y Lou Ye ( Suzhou River , Summer Palace ). Un director de su generación que no comparte la mayoría de las preocupaciones de la Sexta Generación es Lu Chuan ( Kekexili: Mountain Patrol , 2004; City of Life and Death , 2010).

En el Festival de Cine de Cannes de 2018, dos cineastas chinos de sexta generación, Jia Zhangke y Zhang Ming, cuyas sombrías obras transformaron el cine chino en la década de 1990, se presentaron en la Riviera Francesa. Si bien ambos directores representan el cine chino, sus perfiles son bastante diferentes. Jia, de 49 años, creó el Festival Internacional de Cine de Pingyao en 2017 y, por otro lado, está Zhang, un profesor de cine de 56 años que pasó años trabajando en encargos gubernamentales y programas de televisión nacionales después de luchar con sus propios proyectos. A pesar de sus diferentes perfiles, marcan una piedra angular importante en el cine chino y a ambos se les atribuye haber llevado películas chinas a la gran pantalla internacional. La última película del director chino Jia Zhangke, Ash Is Purest White, ha sido seleccionada para competir en la competencia oficial por la Palma de Oro del 71º Festival de Cine de Cannes, el premio más importante que se otorga en el festival de cine. Es la quinta película de Jia, un drama de venganza de gánsteres que es su película más cara y convencional hasta la fecha. En 2013, Jia ganó el premio al mejor guión por A Touch of Sin , tras las nominaciones por Unknown Pleasures en 2002 y 24 City en 2008. En 2014, fue miembro del jurado oficial y al año siguiente su película Mountains May Depart fue nominada. Según el sitio web de entretenimiento Variety, este año se presentaron un número récord de películas chinas, pero solo el drama romántico de Jia fue seleccionado para competir por la Palma de Oro. Mientras tanto, Zhang hará su debut en Cannes con The Pluto Moment , un drama de relaciones de ritmo lento sobre un equipo de cineastas que buscan ubicaciones y talento musical en el interior rural de China. La película es la producción de más alto perfil de Zhang hasta el momento, ya que está protagonizada por el actor Wang Xuebing en el papel principal. La película fue financiada en parte por iQiyi, la compañía detrás de uno de los sitios de intercambio de búsqueda de videos en línea más populares de China. ^[101] Diao Yinan también es un miembro notable de la sexta generación, cuyas obras incluyen Black Coal Thin Ice , Wild Goose Lake , Night Train y Uniform, que se estrenaron en festivales como Cannes y recibieron elogios en el extranjero. ^[102]

He Ping es director de películas de estilo occidental ambientadas en China. Sus películas Swordsmen in Double Flag Town (1991) y Sun Valley (1995) exploran narrativas ambientadas en el terreno árido del oeste de China, cerca del desierto de Gobi . Su drama histórico Red Firecracker, Green Firecracker (1994) ganó una gran cantidad de premios en su país y en el extranjero.

El cine reciente ha visto a directores de fotografía chinos dirigir algunas películas aclamadas. Además de Zhang Yimou, Lü Yue hizo Mr. Zhao (1998), una película de comedia negra bien recibida en el extranjero. La épica minimalista Peacock (2005) de Gu Changwei , sobre una familia china tranquila y común con tres hermanos muy diferentes en la era posterior a la Revolución Cultural , se llevó a casa el premio Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín de 2005. Hou Yong es otro director de fotografía que hizo películas ( Jasmine Women , 2004) y series de televisión. Hay actores que se mueven a caballo entre los roles duales de actuación y dirección. Xu Jinglei , una popular actriz china, ha hecho seis películas hasta la fecha. Su segunda película Letter from an Unknown Woman (2004) le valió el premio a la Mejor Dirección del Festival Internacional de Cine de San Sebastián . Otra actriz y directora popular es Zhao Wei , cuyo debut como directora So Young (2013) fue un gran éxito de taquilla y de crítica.

El actor y director chino más respetado es, sin duda, Jiang Wen , que ha dirigido varias películas aclamadas por la crítica mientras continuaba con su carrera como actor. Su debut como director, In the Heat of the Sun (1994), fue la primera película de la República Popular de China en ganar el premio a la mejor película en los Golden Horse Film Awards celebrados en Taiwán . Sus otras películas, como Devils on the Doorstep (2000, Gran Premio de Cannes) y Let the Bullets Fly (2010), fueron igualmente bien recibidas. A principios de 2011, Let the Bullets Fly se había convertido en la película nacional más taquillera de la historia de China. ^{[103] [104]}

Hay un número creciente de cineastas independientes de séptima o post-sexta generación que hacen películas con presupuestos extremadamente bajos y utilizando equipos digitales. Son los llamados dGeneration (por digital). ^[105] Estas películas, como las de los cineastas de la Sexta Generación, se hacen en su mayoría fuera del sistema cinematográfico chino y se exhiben principalmente en el circuito de festivales de cine internacionales. Ying Liang y Jian Yi son dos de estos cineastas de esta generación. Taking Father Home (2005) y The Other Half (2006) de Ying son ambas representativas de las tendencias generacionales del largometraje. Liu Jiayin hizo dos largometrajes de la dGeneración, Oxhide (2004) y Oxhide II (2010), difuminando la línea entre el cine documental y el narrativo. Oxhide , hecha por Liu cuando era estudiante de cine, se enmarca a sí misma y a sus padres en su claustrofóbico apartamento de Beijing en una narrativa elogiada por los críticos. An Elephant Sitting Still , considerada uno de los mayores debuts cinematográficos en el cine chino, es también la única película del fallecido Hu Bo . ^[106]

Dos décadas de reformas y comercialización han traído cambios sociales dramáticos en China continental, reflejados no sólo en el cine de ficción sino en un creciente movimiento documental. Bumming in Beijing: The Last Dreamers (1990) de Wu Wenguang , de 70 minutos , se considera ahora una de las primeras obras de este "Nuevo Movimiento Documental" (NDM) en China. ^{[107] [108]} Bumming , realizado entre 1988 y 1990, contiene entrevistas con cinco jóvenes artistas que se ganan la vida en Beijing , sujetos a tareas autorizadas por el estado. Filmado con una videocámara , el documental termina con cuatro de los artistas mudándose al extranjero después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989. ^[109] Dance with the Farm Workers (2001) es otro documental de Wu. ^[110]

Otro documental aclamado internacionalmente es el relato de nueve horas de Wang Bing sobre la desindustrialización , Tie Xi Qu: West of the Tracks (2003). Los documentales posteriores de Wang, He Fengming (2007), Crude Oil (2008), Man with no name (2009), Three Sisters (2012) y Feng ai (2013), consolidaron su reputación como uno de los principales documentalistas del movimiento. ^[111]

Li Hong, la primera mujer del NDM, en Out of Phoenix Bridge (1997) relata la historia de cuatro mujeres jóvenes que, tras mudarse de áreas rurales a las grandes ciudades, como millones de otros hombres y mujeres, llegan a Beijing para ganarse la vida.

En los últimos tiempos, el movimiento del Nuevo Documental se ha superpuesto con la producción cinematográfica de la Generación D, y la mayoría de los documentales se han filmado de forma económica e independiente en formato digital. Karamay (2010) de Xu Xin, Behemoth ( Behemoth) de Zhao Liang , Disorder (2009) de Huang Weikai, Ghost Town (2009) de Zhao Dayong, 1428 (2009) de Du Haibing, Fortune Teller (2009) de Xu Tong y Tape (2010) de Li Ning se filmaron en formato digital. Todas ellas habían tenido su impacto en la escena documental internacional y el uso del formato digital permite realizar obras de mayor duración.

Inspirados por el éxito de la animación de Disney , los pioneros autodidactas hermanos Wan , Wan Laiming y Wan Guchan , realizaron el primer cortometraje animado chino en la década de 1920, inaugurando así la historia de la animación china. (Chen Yuanyuan 175) ^[112] Muchas películas de acción real de la era republicana también incluyeron secuencias animadas. ^[113]

En 1937, los hermanos Wan decidieron producir 《铁扇公主》Princess Iron Fan , que fue el primer largometraje de animación chino y el cuarto, después de los largometrajes estadounidenses Blancanieves , Los viajes de Gulliver y Las aventuras de Pinocho . Fue en esta época cuando la animación china como forma de arte había cobrado importancia en el escenario mundial. Terminada en 1941, la película se estrenó bajo China United Pictures y despertó una gran respuesta en Asia. El animador japonés Shigeru Tezuka dijo una vez que abandonó la medicina después de ver la caricatura y decidió dedicarse a la animación. ^{[ cita requerida ]}

Durante esta época dorada, la animación china había desarrollado una variedad de estilos, incluyendo animación con tinta, animación de teatro de sombras, animación de marionetas, etc. Algunas de las obras más representativas son 《大闹天宫》Alboroto en el cielo , 《哪吒闹海》La rebelión de Nezha en el mar y 《天书奇谈》El libro celestial , que también han ganado grandes elogios y numerosos premios en el mundo. ^{[ cita requerida ]}

Después del período de reforma de Deng Xiaoping y la "apertura" de China, se estrenaron las películas Calabash Brothers , Black Cat Sheriff , Avanti Story y otras impresionantes películas animadas. Sin embargo, en ese momento, China todavía prefería las obras animadas japonesas más exclusivas, con influencia estadounidense y europea, por sobre las nacionales menos avanzadas. ^{[ cita requerida ]}

En la década de 1990, los métodos de producción digital reemplazaron a los métodos manuales de dibujo a mano; sin embargo, incluso con el uso de tecnología avanzada, ninguna de las obras animadas se consideró una película revolucionaria. Las películas animadas que intentaron atender a todos los grupos de edad, como Lotus Lantern y Storm Resolution , no atrajeron mucha atención. Las únicas obras animadas que parecieron alcanzar popularidad fueron las dirigidas a los niños, como Pleasant Goat y Big Big Wolf《喜羊羊与灰太狼》.

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Durante este período, el nivel técnico de la producción de animación nacional china se ha consolidado de manera integral y las películas de animación en 3D se han convertido en la corriente principal. Sin embargo, a medida que se importan cada vez más películas extranjeras (como las de Japón, Europa y Estados Unidos) a China, las obras de animación chinas quedan a la sombra de estas películas de animación extranjeras.

Fue solo con el lanzamiento de 《西游记之大圣归来》Monkey King: Hero is Back en 2015, una película animada por computadora, que las obras animadas chinas recuperaron el control. La película fue un gran éxito y rompió el récord de películas animadas nacionales chinas con CN¥956 millones en la taquilla de China. Después del éxito de Journey to the West , se lanzaron varias otras películas animadas de alta calidad, como 《大鱼海棠》Big Fish and Begonia y 《白蛇缘起》White Snake . Aunque ninguna de estas películas avanzó en lo que respecta a la taquilla, hicieron que los cineastas se interesaran cada vez más en las obras animadas.

Todo esto cambió con la revolucionaria película animada, 《哪吒之魔童降世》Ne Zha . Estrenada en 2019, se convirtió en la segunda película más taquillera de todos los tiempos en China, la película animada en idioma no inglés más taquillera y la película animada más taquillera en un solo territorio. Fue con esta película que las películas animadas chinas, como medio, finalmente rompieron la noción en China de que las películas animadas nacionales son solo para niños. Con Nezha y un spin-off, Jiang Ziya , la animación china ahora se ha convertido en una verdadera fuente de entretenimiento para todas las edades.

Con la liberalización de China a finales de los años 1970 y su apertura a los mercados extranjeros, las consideraciones comerciales han tenido su impacto en la producción cinematográfica posterior a los años 1980. Tradicionalmente, las películas de arte y ensayo que se proyectan rara vez recaudan lo suficiente para alcanzar el punto de equilibrio. Un ejemplo es El ladrón de caballos (1986) del director de Fifth Generation, Tian Zhuangzhuang, una película narrativa con un diálogo mínimo sobre un ladrón de caballos tibetano . La película, que muestra paisajes exóticos, fue bien recibida por el público chino y algunos públicos occidentales, pero le fue mal en taquilla. ^{[114] La posterior} El guerrero y el lobo (2010) de Tian fue un fracaso comercial similar. ^[115] Antes de estos, hubo ejemplos de películas comerciales exitosas en el período posterior a la liberalización. Uno fue la película romántica Romance en la montaña Lu (1980), que fue un éxito entre los chinos de mayor edad. La película rompió el Libro Guinness de los récords como la película de mayor duración en una primera exhibición . El debut cinematográfico de Jet Li , Shaolin Temple (1982), fue un éxito instantáneo en casa y en el extranjero (en Japón y el sudeste asiático , por ejemplo). ^[116] Otra película comercial exitosa fue Murder in 405 (405谋杀案, 1980), un thriller de asesinatos. ^[117]

La fábrica de sueños (1997) de Feng Xiaogang fue anunciada como un punto de inflexión en la industria cinematográfica china, un hesui pian ( película proyectada en el Año Nuevo chino ) que demostró la viabilidad del modelo comercial en la economía de mercado socialista de China . Feng se ha convertido en uno de los directores comerciales más exitosos en la era posterior a 1997. Casi todas sus películas tuvieron altos ingresos a nivel nacional ^[118] mientras que utilizó coprotagonistas de etnia china como Rosamund Kwan , Jacqueline Wu , Rene Liu y Shu Qi para aumentar el atractivo de sus películas.

En la década posterior a 2010, debido a la afluencia de películas de Hollywood (aunque el número proyectado cada año se reduce), el cine nacional chino enfrenta desafíos crecientes. La industria está creciendo y las películas nacionales están comenzando a lograr el impacto de taquilla de los grandes éxitos de taquilla de Hollywood. Sin embargo, no todas las películas nacionales tienen éxito financiero. En enero de 2010, Avatar de James Cameron fue retirada de los cines no 3D para la película biográfica de Hu Mei Confucio , pero esta medida provocó una reacción negativa contra la película de Hu. ^[119] El girasol de Zhang Yang de 2005 también ganó poco dinero, pero su anterior, de bajo presupuesto Sopa de amor picante (1997) recaudó diez veces su presupuesto de ¥3 millones. ^{[120] Del mismo modo,} Crazy Stone de 2006 , un éxito inesperado , se hizo por solo 3 millones de HKD / US$400,000. En 2009-11, Aftershock (2009) de Feng y Let the Bullets Fly (2010) de Jiang Wen se convirtieron en las películas nacionales más taquilleras de China, con Aftershock recaudando ¥670 millones (US$105 millones) ^[121] y Let the Bullets Fly ¥674 millones (US$110 millones). ^[122] Lost in Thailand (2012) se convirtió en la primera película china en alcanzar los ¥ 1000 millones en la taquilla china y Monster Hunt (2015) se convirtió en la primera en alcanzar los ¥2000 millones. A partir de 2021, 9 de las 10 películas más taquilleras en China son producciones nacionales. El 8 de febrero de 2016, la taquilla china estableció un nuevo récord bruto en un solo día, con CN¥660 millones, superando el récord anterior de CN¥425 millones el 18 de julio de 2015. ^[123] También en febrero de 2016, The Mermaid , dirigida por Stephen Chow , se convirtió en la película más taquillera en China, superando a Monster Hunt . ^[124] También es la primera película en alcanzar los CN¥3 mil millones. ^[125]

Bajo la influencia de películas de ciencia ficción de Hollywood como Prometeo , estrenada el 8 de junio de 2012, este tipo de películas, en particular las de ciencia espacial, han experimentado un rápido crecimiento en el mercado cinematográfico chino en los últimos años. El 5 de febrero de 2019, la película The Wandering Earth, dirigida por Frant Gwo, recaudó 699,8 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en la tercera película más taquillera de la historia del cine chino.

Desde finales de los años 1980 y progresivamente en los años 2000, las películas chinas han disfrutado de un considerable éxito de taquilla en el extranjero. Anteriormente, sólo las veían los cinéfilos, pero su atractivo mundial aumentó después del éxito de taquilla y de crítica internacional de la película de época wuxia de Ang Lee El tigre y el dragón, que ganó el premio de la Academia a la mejor película en lengua extranjera en 2000. Esta producción multinacional aumentó su atractivo al presentar estrellas de todas partes del mundo de habla china. Proporcionó una introducción al cine chino (y especialmente al género wuxia) para muchos y aumentó la popularidad de muchas películas chinas anteriores. Hasta la fecha, El tigre y el dragón sigue siendo la película en lengua extranjera de mayor éxito comercial en la historia de los EE. UU.

En 2002, Hero de Zhang Yimou fue otro éxito de taquilla internacional. ^[126] Su elenco incluía actores famosos de China continental y Hong Kong que también eran conocidos hasta cierto punto en Occidente, incluidos Jet Li, Zhang Ziyi , Maggie Cheung y Tony Leung Chiu-Wai . A pesar de las críticas de algunos de que estas dos películas complacen un poco los gustos occidentales, Hero fue un éxito fenomenal en la mayor parte de Asia y encabezó la taquilla de EE. UU. durante dos semanas, recaudando lo suficiente solo en EE. UU. para cubrir los costos de producción.

Otras películas como Adiós a mi concubina , 2046 , Río Suzhou , El camino a casa y La casa de las dagas voladoras fueron aclamadas por la crítica en todo el mundo. Los estudios Hengdian World pueden considerarse el "Hollywood chino", con una superficie total de hasta 330 ha y 13 bases de rodaje, incluida una copia a escala 1:1 de la Ciudad Prohibida .

Los éxitos de El tigre y el dragón y El héroe hacen que sea difícil demarcar la frontera entre el cine "chino continental" y un "cine en idioma chino" más internacional. El tigre y el dragón , por ejemplo, fue dirigida por un director estadounidense nacido en Taiwán ( Ang Lee ) que trabaja a menudo en Hollywood. Sus protagonistas panchinos incluyen actores y actrices chinos continentales ( Zhang Ziyi ), de Hong Kong ( Chow Yun-Fat ), de Taiwán ( Chang Chen ) y de Malasia ( Michelle Yeoh ); la película fue coproducida por una serie de compañías cinematográficas chinas, estadounidenses, de Hong Kong y de Taiwán. Del mismo modo, la película en idioma chino Lust, Caution (2007) de Lee contó con un equipo y un elenco de China continental, Hong Kong y Taiwán, e incluye una banda sonora orquestal del compositor francés Alexandre Desplat . Esta fusión de personas, recursos y experiencia de las tres regiones y del este de Asia y el mundo en general, marca el movimiento del cine en idioma chino hacia un dominio de influencia internacional a gran escala. Otros ejemplos de películas de este estilo son The Promise (2005), The Banquet (2006), Fearless (2006), The Warlords (2007), Bodyguards and Assassins (2009) y Red Cliff (2008-09). La facilidad con la que las actrices y actores de etnia china se mueven entre China continental y Hong Kong ha aumentado significativamente el número de coproducciones en el cine en lengua china. Muchas de estas películas también cuentan con actores surcoreanos o japoneses para atraer a sus vecinos del este de Asia. Algunos artistas originarios del continente, como Hu Jun , Zhang Ziyi , Tang Wei y Zhou Xun , obtuvieron la residencia en Hong Kong bajo el Plan de Admisión de Migrantes de Calidad y han actuado en muchas producciones de Hong Kong. ^[127]

En 1983, había 162.000 unidades de proyección en China, frente a menos de 600 en el momento de la fundación de la República Popular China en 1949. ^{[8] : 1}

En 1998, el Ministerio de Cultura revivió la práctica del cine rural móvil como parte de su Proyecto 2131, cuyo objetivo era proyectar una película por mes por aldea en la China rural y actualizar el equipo analógico a proyectores digitales. ^{[8] : 246} En 2003, el gobierno central proporcionó más de 400 camionetas de proyección de películas al Tíbet y Xinjiang para mostrar películas en un esfuerzo por oponerse a lo que el gobierno veía como separatismo y occidentalización. ^{[8] : 249}

En 2010, el cine chino fue la tercera industria cinematográfica más grande por número de largometrajes producidos anualmente. ^[128] En 2013, la taquilla bruta de China fue de ¥ 21.8 mil millones ( US$ 3.6 mil millones), el segundo mercado cinematográfico más grande del mundo por ingresos de taquilla. ^[129] En enero de 2013, Lost in Thailand (2012) se convirtió en la primera película china en alcanzar ¥ 1 mil millones en taquilla. ^[130] A partir de mayo de 2013, 7 de las 10 películas más taquilleras en China fueron producciones nacionales. ^[131] A partir de 2014, alrededor de la mitad de todas las entradas se venden en línea, y los sitios de venta de entradas más grandes son Maoyan.com (82 millones), Gewara.com (45 millones) y Wepiao.com (28 millones). ^[132] En 2014, las películas chinas ganaron ¥ 1.87 mil millones fuera de China. ^[133] En diciembre de 2013 había 17.000 pantallas en el país. ^[134] Para el 6 de enero de 2014, había 18.195 pantallas en el país. ^[129] La Gran China tiene alrededor de 251 cines IMAX. ^[135] Había 299 cadenas de cine (252 rurales, 47 urbanas), 5.813 salas de cine y 24.317 pantallas en el país en 2014. ^[2]

El país añadió alrededor de 8.035 pantallas en 2015 (a un promedio de 22 nuevas pantallas por día), aumentando su total en un 40% aproximadamente a alrededor de 31.627 pantallas, que es aproximadamente 7.373 menos que el número de pantallas en los Estados Unidos. ^{[136] [137]} Las películas chinas representaron el 61,48% de las ventas de entradas en 2015 (frente al 54% del año pasado) y más del 60% de las ventas de entradas se realizaron en línea. El precio promedio de las entradas bajó un 2,5% a $5,36 en 2015. ^[136] También fue testigo de un aumento del 51,08% en las admisiones, con 1.260 millones de personas comprando entradas para el cine en 2015. ^[137] Las películas chinas recaudaron 427 millones de dólares en el extranjero en 2015. ^[138] Durante la semana del Año Nuevo chino de 2016, el país estableció un nuevo récord de taquilla más alta durante una semana en un territorio con 548 millones de dólares , superando el récord anterior de 529,6 millones de dólares del 26 de diciembre de 2015 al 1 de enero de 2016 en Estados Unidos y Canadá. ^[139] Las películas chinas recaudaron 3.830 millones de yuanes chinos ( 550 millones de dólares estadounidenses ) en los mercados extranjeros en 2016. ^[3]

En 2020, el mercado cinematográfico de China superó al mercado estadounidense y se convirtió en el mercado de este tipo más grande del mundo. ^{[140] : 16}

En abril de 2015, la mayor empresa cinematográfica china por valor era Alibaba Pictures (8.770 millones de dólares). Otras grandes empresas son Huayi Brothers Media (7.900 millones de dólares), Enlight Media (5.980 millones de dólares) y Bona Film Group (542 millones de dólares). ^[158] Los mayores distribuidores por cuota de mercado en 2014 fueron: China Film Group (32,8%), Huaxia Film (22,89%), Enlight Pictures (7,75%), Bona Film Group (5,99%), Wanda Media (5,2%), Le Vision Pictures (4,1%), Huayi Brothers (2,26%), United Exhibitor Partners (2%), Heng Ye Film Distribution (1,77%) y Beijing Anshi Yingna Entertainment (1,52%). ^[2] Las mayores cadenas de cine en 2014 por recaudación bruta de taquilla fueron: Wanda Cinema Line ( US$676,96 millones ), China Film Stellar (393,35 millones), Dadi Theater Circuit (378,17 millones), Shanghai United Circuit (355,07 millones), Guangzhou Jinyi Zhujiang (335,39 millones), China Film South Cinema Circuit (318,71 millones), Zhejiang Time Cinema (190,53 millones), China Film Group Digital Cinema Line (177,42 millones), Hengdian Cinema Line (170,15 millones) y Beijing New Film Association (163,09 millones). ^[2]

Huayi Brothers es la compañía de entretenimiento independiente (es decir, no estatal) más poderosa de China. Huayi Brothers, con sede en Beijing, es una compañía diversificada dedicada a la producción, distribución y exhibición de cine y televisión, así como a la gestión de talentos. Entre sus películas más destacadas se incluyen Kung Fu Hustle de 2004 ; y Aftershock de 2010 , que tuvo una calificación del 91% en Rotten Tomatoes. ^[159]

Beijing Enlight Media se centra en los géneros de acción y romance. Enlight suele colocar varias películas entre las 20 más taquilleras de China. Enlight también es un actor importante en los negocios de producción y distribución de series de televisión de China. Bajo el liderazgo de su director ejecutivo Wang Changtian, la empresa con sede en Pekín que cotiza en bolsa ha logrado una capitalización de mercado de casi 1.000 millones de dólares. ^[160]

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