Ballet mecanico

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Ballet mecanico
Dirigido por	Fernand Léger Dudley Murphy
Escrito por	Fernand Léger
Protagonizada por	Alicia Prin
Cinematografía	El hombre-rayo de Dudley Murphy
Música de	Jorge Antheil
Fecha de lanzamiento	24 de septiembre de 1924 (Austria) (1924-09-24)
Duración del programa	19 minutos
País	Francia
Idiomas	Intertítulos en francés del cine mudo

Ballet Mécanique (1923-24) es una película de arte dadaísta y poscubista concebida , escrita y codirigida por el artista Fernand Léger y el cineasta Dudley Murphy (con el aporte cinematográfico de Man Ray ). ^{[1] [2]} Tiene una banda sonora del compositor estadounidense George Antheil . La película se estrenó en versión muda el 24 de septiembre de 1924 en la Internationale Ausstellung neuer Theatertechnik (Exposición Internacional de Nuevas Técnicas Teatrales) en Viena presentada por Frederick Kiesler . Se considera una obra importante del cine experimental temprano .

En su libro Dudley Murphy: Hollywood Wild Card , la historiadora de cine Susan Delson escribe que Murphy fue la fuerza impulsora de la película, pero que Léger tuvo más éxito en promocionarla como su propia creación. ^[1] Sin embargo, algunos académicos sostienen que Léger concibió la película él mismo, como parte de su intento de hacer de los deslumbrantes efectos de la tecnología mecánica el tema exclusivo de su arte; esto después de luchar en el frente en la Primera Guerra Mundial y pasar el año de 1917 en un hospital después de ser gaseado allí. ^[2]

Esta controversia podría resolverse observando que la versión de 1924 de la película, en sus momentos iniciales, acredita a Léger y Murphy por igual. ^[3] A pesar de eso, los créditos en los momentos iniciales de una reconstrucción de 2016 solo mencionan a Léger. ^[4]

Las experiencias de Léger en la Primera Guerra Mundial tuvieron un efecto significativo en toda su obra. Movilizado en agosto de 1914 para servir en el ejército francés , pasó dos años en el frente de Argonne . Realizó muchos bocetos de piezas de artillería, aviones y compañeros soldados mientras estaba en las trincheras, y pintó Soldado con pipa (1916) mientras estaba de permiso. En septiembre de 1916, casi muere después de un ataque con gas mostaza por parte de las tropas alemanas en Verdún . Durante un período de convalecencia en Villepinte , pintó Los jugadores de cartas (1917), un lienzo cuyas figuras monstruosas y parecidas a robots reflejan la ambivalencia de su experiencia de la guerra. Como explicó:

... Me quedé atónito al ver la recámara de un revólver de 75 milímetros a la luz del sol. Era la magia de la luz sobre el metal blanco. Eso fue todo lo que necesité para olvidar el arte abstracto de 1912-1913. La crudeza, la variedad, el humor y la absoluta perfección de ciertos hombres que me rodeaban, su sentido preciso de la realidad utilitaria y su aplicación en medio del drama de vida o muerte en el que estábamos inmersos... me hicieron querer pintar en jerga con todo su color y movilidad. ^[5]

Los jugadores de cartas marcan el inicio de su "periodo mecánico" del que forma parte el Ballet Mécanique , una técnica artística que combina la abstracción dinámica del constructivismo con las cualidades absurdas y rebeldes del Dadaísmo . Vemos esta tendencia en la película de principio a fin.

Sin embargo, una foto de una escultura dadaísta con el nombre de Ballet Mécanique había aparecido previamente en 391 , una revista creada y editada por el dadaísta Francis Picabia que apareció por primera vez en enero de 1917 y continuó publicándose hasta 1924. No se sabe si Fernand Léger estaba al tanto de ello o no.

En su estreno original, el título en francés de la película era "Charlot présente le ballet mécanique" (como se ve en la copia original), en referencia al personaje de Charlie Chaplin , El vagabundo, como se lo conocía en Francia. La imagen de un títere de papel de estilo cubista de Charlot, obra de Leger, aparece varias veces en la película. Es solo el primero de muchos juegos de palabras visuales en la película, una aparente muestra de la pura modernidad visual de la película, tal como lo pretendieron sus creadores desde el principio.

El Ballet Mécanique (1924) de George Antheil fue concebido originalmente como acompañamiento de la película y estaba previsto que se estrenara en la Internationale Ausstellung neuer Theatertechnik . Sin embargo, antes de terminar la obra, el director y el compositor acordaron tomar caminos separados. ^{[ vago ]} La obra musical dura cerca de 30 minutos, mientras que la película dura unos 19 minutos.

La música de Antheil para el Ballet Mécanique se convirtió en una pieza de concierto, estrenada por el propio Antheil en París en 1926. Como composición, es la obra más conocida y perdurable de Antheil. Sigue siendo famosa por su estilo e instrumentación radicalmente repetitivos, así como por su historia legendaria. La orquestación original requería 16 pianolas en cuatro partes, 2 pianos normales, 3 xilófonos , al menos 7 campanas eléctricas , 3 hélices , sirena , 4 bombos y 1 tam-tam . Resultó que no había forma de mantener tantas pianolas sincronizadas, por lo que las primeras interpretaciones combinaron las cuatro partes en un solo conjunto de rollos de pianola y aumentaron los dos pianos tocados por humanos con 6 o más instrumentos adicionales.

Antheil promocionó asiduamente la obra e incluso planeó su supuesta "desaparición" durante una visita a África para llamar la atención de los medios de comunicación para un concierto de preestreno. ^[6] El estreno oficial en París en junio de 1926 fue patrocinado por una mecenas estadounidense que, al final del concierto, fue arrojada en una manta por tres baronesas y un duque. ^[7] La ​​obra enfureció a algunos de los asistentes al concierto, cuyas objeciones fueron ahogadas por la música cacofónica, ^[8] mientras que otros apoyaron vocalmente la obra. Después del concierto, hubo algunas peleas en la calle. Antheil intentó replicar este escándalo en el Carnegie Hall contratando provocadores, pero fueron ignorados en gran medida. ^[9]

En una interpretación en concierto, el Ballet Mécanique no es un espectáculo de bailarines humanos, sino de instrumentos mecánicos. Entre ellos, pianolas, hélices de avión y campanas eléctricas ocupan un lugar destacado en el escenario, moviéndose como máquinas y proporcionando el lado visual del ballet. Como puede sugerir la extraña instrumentación, no se trataba de una pieza musical común; era ruidosa y percusiva, una mezcla de ruidos, muy similar a lo que los futuristas italianos imaginaron para la nueva música del siglo XX.

En 1927, Antheil arregló la primera parte del ballet para Welte-Mignon . Este rollo de piano se interpretó el 16 de julio de 1927 en la "Deutsche Kammermusik Baden-Baden 1927". Lamentablemente, estos rollos de piano se consideran perdidos.

En 1953, Antheil escribió una versión abreviada (y mucho más suave) para 4 pianos, 4 xilófonos, 2 campanas eléctricas, 2 hélices, timbales , glockenspiel y otros instrumentos de percusión. La orquestación original fue realizada por primera vez en 1992 por Maurice Peress . ^[10]

En 1986, la película se estrenó con una nueva banda sonora de Michael Nyman . ^[11]

En 1999, el conjunto de percusión de la Universidad de Massachusetts Lowell , bajo la dirección de Jeff Fischer, presentó la primera interpretación de la banda sonora original (sin la película) utilizando 16 pianolas y músicos en vivo. Las pianolas eran Yamaha Disklaviers , controlados a través de MIDI utilizando el programa de software para Macintosh Opcode StudioVision. ^[12]

Aunque la película tenía la intención de utilizar la banda sonora de Antheil, las dos partes no se unieron hasta mucho después. En 2000, Paul Lehrman produjo una copia conjunta de la película. ^[13] Esta versión de la película se incluyó en la colección de DVD Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894–1941 lanzada en octubre de 2005 y también en el conjunto de DVD Bad Boy Made Good , ^[14] que también contiene la película documental de Lehrman sobre Antheil y el Ballet mécanique , que se lanzó en abril de 2006. Lehrman utilizó una versión editada de la orquestación original en la que utilizó pianolas grabadas después de la actuación de Lowell, con el resto de los instrumentos tocados electrónicamente.

En noviembre de 2002, una versión de la partitura para conjunto en vivo (que requirió una edición adicional, ya que los intérpretes en vivo no podían tocarla tan rápido como los instrumentos electrónicos) fue estrenada en Columbus, Ohio , por un conjunto del Conservatorio de Música Peabody , dirigido por Julian Pellicano . La interpretación, con la banda sonora recién realizada y la versión de 1952 del Ballet mécanique , se repitió en el Friedberg Concert Hall del Conservatorio Peabody el 17 de febrero de 2003. ^[15] La obra se presentó luego en Montreal en el festival Montréal/Nouvelles Musiques, dirigido por Walter Boudreau. ^[16] Esta versión fue luego interpretada una docena de veces en Europa por la London Sinfonietta en 2004 y 2005. ^[17]

En 2005, la Galería Nacional de Arte de Washington, DC encargó a Lehrman y a la Liga de Robots Urbanos Musicales Electrónicos (LEMUR), dirigida por Eric Singer, la creación de un conjunto robótico controlado por computadora para interpretar el Ballet mécanique . Esta instalación estuvo en la Galería desde el 12 de marzo hasta el 7 de mayo de 2006. Se instaló en diciembre de 2007 en el Museo Wolfsonian en Miami Beach, Florida, y nuevamente en 3-Legged Dog en la ciudad de Nueva York, donde se utilizó para acompañar una obra sobre Antheil y Hedy Lamarr , y su invención de la tecnología de espectro ensanchado , llamada salto de frecuencia . ^[18] Durante la presentación de la obra, se mostró la película Léger/Murphy, con la orquesta robótica interpretando la partitura, en dos "conciertos posteriores" especiales.

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Tiene forma de rondó sonata con las siguientes secciones: [AB] [A′C] [A″B″] [ Coda ] patrón, donde A es un primer tema , B es un segundo tema y C es una sección intermedia vagamente relacionada con A y B:

• A – El tema 1 comienza al principio de la pieza. Se identifica fácilmente por la melodía oscilante de los xilófonos . Pasa por variaciones rítmicas e interválicas hasta llegar a un puente que lleva al tema siguiente ( c. 38 en la partitura original).
• B – Tema 2 (c. 77) presenta las pianolas , apoyadas por tambores. La melodía está construida principalmente a partir de series paralelas de acordes consonánticos, que a veces suenan pentatónicos pero a menudo no tienen ningún sentido tonal. Antheil usa pianolas para cosas que serían difíciles para los intérpretes humanos (un acorde de 7 notas en el c. 142, por ejemplo).
• A′ – Los xilófonos vuelven en compás ternario para recordar el Tema 1 (c. 187). No se trata estrictamente de una repetición del Tema 1, sino de otra variación y desarrollo del mismo. Esta sección desciende hacia un caos creciente (a partir del c. 283) que señala una transición hacia la parte C (c. 328).
• C – Los xilófonos y las pianolas tocan una nueva melodía. Aquí mantienen una mejor concordancia rítmica y le dan un aire más ordenado a esta sección. Los xilófonos finalmente dejan de sonar para dar paso a un pasaje sereno de pianola.
• A″B″ – Los xilófonos regresan (c. 403) con el tema del comienzo. Hay diferencias con la parte AB original, incluyendo un nuevo pasaje bitonal (c. 530) y una ronda en miniatura (c. 622) entre xilófonos y pianolas. La melodía pentatónica, insinuada en la parte B, regresa (c. 649) y se desarrolla en el contexto de la ronda.
• Coda – Se produce un cambio sorprendente cuando todos los instrumentos dejan de sonar, salvo una campana solitaria (c. 1134). Esto señala el comienzo de una coda muy larga y de textura fina. Alterna entre compases irregulares de silencio absoluto y pianola con percusión. Los compases de silencio se hacen más largos hasta que el oyente empieza a preguntarse si la pieza ya ha terminado. Finalmente, hay un crescendo de pianola, una ráfaga de percusión y un estallido para marcar el verdadero final. La partitura indica que el último compás de la pieza terminará solo con los pianos y la batería, pero en las interpretaciones modernas los xilófonos se suman de nuevo y duplican la melodía de las pianolas para crear un final más firme, sólido y reconocible.

Los pianos mecánicos mantienen el tempo estrictamente en = 152. Todos los silencios más largos en la parte de la pianola se escriben en silencios de corchea, como para sugerir la exactitud del instrumento. A este ritmo, la pianola de la década de 1920 tocaba 8,5 pies por minuto de rollos de papel en tres rollos. Algunos estudiosos han descrito esta pesadilla logística como un error, y que el tempo sugerido por Antheil era en realidad la mitad de ese.= 76, pero de hecho la partitura del Ballet Mécanique  de Antheil de 1953 indica un tempo de 144-160. ^[19]

Las hélices de los aviones eran en realidad grandes ventiladores eléctricos en los que los músicos insertaban objetos como palos de madera o correas de cuero para crear sonido, ya que los ventiladores no hacen mucho ruido. En las representaciones de París, a partir de junio de 1926, los ventiladores apuntaban hacia el techo. Sin embargo, en el estreno en el Carnegie Hall el 10 de abril de 1927, los ventiladores estaban posicionados para soplar hacia el público, molestando a los asistentes. ^[20]

Sin embargo, con respecto a la película sincronizada original, y a pesar de la calidad de la última interpretación sonora y su consistente fiabilidad con los planes originales de Antheil para su concierto (realizados por el propio Lehrman y avalados por la editorial Schirmer para el DVD Unseen Cinema: Early American Avant Garde Film 1894–1941 , 2005), ^[13] su sincronización con la película todavía hoy es motivo de pleno debate.

Nuevos puntos de vista fueron ofrecidos por Ortiz Morales en su tesis El ballet mécanique y el Synchro-ciné , en 2008. ^[21] Discute la mayoría de los puntos de vista que han dado origen a la realización de Lehrman y propone otras alternativas dentro de lo que llama el estado de confusión en torno a la película. Entre otras, la partitura de 30 minutos y 16 pianolas sincronizadas tan laboriosamente obtenida no es realmente la idea musical original para la película, sino una expansión posterior de la idea original, que fue realizada por Antheil como un concierto espectacular e independiente, una vez demostrado que no podía sincronizar su música junto con las imágenes de Léger. La verdadera partitura cinematográfica debió ser mucho más sencilla y precisa, posiblemente para pianola solista y máquinas de ruido, y, tras diversas reducciones y modificaciones, cercana a la que acabaría orquestando en 1935. Sostiene, por tanto, que el problema de la sincronización original nunca estuvo en las 16 pianolas sincronizadas de la partitura gigante, ^[21] sino que el problema de la versión sencilla (para el cine) debió estar en el aparato que debía sincronizarla mecánicamente  : el Synchro-Ciné del inventor Charles Delacommune , posiblemente la primera mesa de mezclas audiovisual de la historia y con la que se sabe que estuvieron probando desesperadamente durante un tiempo (según está documentado) el material para esa película, firmado por Léger y Delacommune). ^[21] Según estudios técnicos documentados (el aparato como tal se perdió en la II Guerra Mundial), parece que el synchro-ciné era un sincronizador capaz de realizar buenas simultaneidades audio-vídeo en compases estándar, pero el ritmo fugaz y endiablado de la obra superaba con creces sus posibilidades: sobre todo los ritmos complejos, de 7 y 5, muy utilizados en la obra e imposibles de obtener con un aparato tan precario. Con una música más sobria y cuadrada, se habrían podido afinar y sincronizar mecánicamente, que fue lo que prometió Léger a la prensa tras hablar con Delacommune (pero antes de haberlo probado en la práctica con la música de Antheil).

Esta tesis se vio reforzada en 2016 con la publicación de la reconstrucción del sincronismo cinematográfico según la llamada versión canónica (es decir, basada en los patrones rítmicos "tempo-espaciales", o "cánones de proporciones" audiovisuales que se sabe que Léger y Antheil utilizaron para coordinar, o al menos intentar coordinar, imágenes y música. Esta versión, realizada por Ortiz Morales con la colaboración del Ensemble Modern , utiliza algoritmos para buscar la copia exacta de la película ^[21] y la partitura correcta de Antheil, que ambos unieron en 1935 (la única vez que saben que se produjo un 'timing' adecuado, según ellos mismos). Así, en cada período ha circulado una copia ligeramente diferente del Ballet. Eso explica, en parte, las dudas sobre su adscripción a una determinada estética . ^[21]

El estudio más moderno y completo sobre el tema, el de Elder, de 2018 (Cubismo y futurismo), apoya, en todo o en parte, esas mismas ideas. ^[22] Especialmente en la constatación de la existencia de muchas versiones diferentes de la película (12 al menos, más algunas otras perdidas); en que el sistema de sincronización de Delacommune se llamó en 1924 "Synchronismes Cinématographiques", abreviado " Synchro-Ciné ", antes de convertirse en el nombre de su propia productora, y fue el que se intentó utilizar en la sincronización original con resultado infructuoso; en que la música original para el "Ballet" de Antheil era muy probablemente una versión diferente de las famosas 16 pianolas sincronizadas y era o bien para un Photoplayer o bien para una simple pianola de un solo rollo; en que desde 1927 ha habido diversas modificaciones de la película, y de la partitura , cada vez más corta y ajustada; y en que las teorías de Moritz generalmente aceptadas en EEUU sobre el dadaísmo casi exclusivo de la película son evidentemente exageradas y no corresponden a la realidad: Fernand Léger retocó tanto la película original que las copias que conocemos son mucho más cubistas que dadaístas .

• "Ballet Mécanique" MusicMasters. Cond. Maurice Peress, 1992. 01612-67094-2
• "Luchando contra las olas: música de George Antheil". Ensemble Moderne, dirigido por HK Gruber. RCA, 1996.
• "George Antheil: Ballet Mécanique". Boston Modern Orchestra Project, dirección: Gil Rose. BMOP/sonido, 2013.
• "Ballet Mecanique y otras obras para pianolas, percusión y electrónica". Ensamble de percusión de la Universidad de Massachusetts Lowell, dirigido por Jeffrey Fischer. Electronic Music Foundation, 2000.
• "George Antheil Ballet Mecanique (1953)" (y otras obras de Antheil), Philadelphia Virtuosi Chamber Orchestra, Daniel Spalding, director, Naxos American Classics, 2001.

• Buck, Robert T. y otros. (1982). Fernando Léger . Nueva York: Abbeville Publishers. ISBN  0-89659-254-5
• Chilvers, Ian y Glaves-Smith, John eds., Diccionario de arte moderno y contemporáneo, Oxford: Oxford University Press , 2009.
• Elder, R. Bruce, Cubismo y futurismo: máquinas espirituales y el efecto cinematográfico . Ontario (Canadá) Wilfrid Laurier University Press , 2018. ISBN 978-1-77112-245-0 . Páginas 139-379. 
• James Donald, "Jazz Modernism and Film Art: Dudley Murphy and Ballet mécanique in Modernism/modernity 16:1 (enero de 2009), páginas 25-49
• Fitch, Noel Riley (1985). Sylvia Beach y la generación perdida: una historia del París literario en los años veinte y treinta. WW Norton & Company. ISBN 978-0-393-30231-8.
• Oja, Carol (2000). "El Ballet Mécanique de George Antheil y el modernismo transatlántico". En Ludington, Townsend (ed.). Un mosaico moderno: arte y modernismo en los Estados Unidos . Chapel Hill: University of North Carolina Press. págs. 175–202. ISBN 0-8078-4891-3.
• Oja, Carol J. (2000). Modernización de la música: Nueva York en los años 1920. Oxford University Press. pp. 71–94. ISBN 978-0-19-516257-8.
• Néret, Gilles (1993). F. Léger . Nueva York: BDD Illustrated Books. ISBN 0-7924-5848-6 
• Ortíz Morales, JM (2012). «El Synchro-Ciné de Charles Delacommune» (PDF) . Tesis COM/CAP.UMA-Málaga. Registro:2012/00200020399.
• Richter, H. Dada: arte y antiarte (Thames and Hudson 1965)

• Ballet mecánico en IMDb
• Sitio web de Paul Lehrman sobre el Ballet Mécanique, tanto la película de Leger como la música de Antheil
• 1924. La primera versión de la película, co-créditos Léger y Murphy.
• 2016. La última versión de la película: la versión canónica